Le meilleur morceau de basse à travailler n’est pas forcément le plus simple. Il doit être adapté à ton niveau actuel, tout en te permettant de progresser.

Pour choisir un morceau adapté, il faut donc tenir compte de plusieurs éléments : la vitesse, le rythme, les déplacements sur le manche, les techniques utilisées et la difficulté d’interprétation.

Voici quelques repères pour choisir tes morceaux en fonction de ton niveau.

Tu débutes la basse

Privilégie des lignes de basse relativement simples, avec peu de déplacements sur le manche et un rythme que tu peux reproduire sans difficulté.

À ce stade, ton objectif est surtout de parvenir à :

• Jouer les bonnes notes
• Rester en rythme
• Garder une pulsation régulière
• Jouer la ligne du début à la fin sans t’arrêter

Une ligne simple est déjà un excellent exercice si tu arrives à la jouer proprement, régulièrement et avec un bon son.

Tu as un niveau intermédiaire

Tu peux commencer à choisir des lignes comportant davantage de déplacements, de syncopes, de variations rythmiques ou de difficultés techniques.

Tu peux alors porter davantage ton attention sur :

• Le placement rythmique
• Les articulations
• Les nuances
• Les changements de position
• L’interaction avec la batterie et les autres instruments

Tu as un niveau avancé

Tu peux t’attaquer à des lignes qui demandent une excellente maîtrise technique et rythmique, mais aussi une véritable capacité d’interprétation.

Une ligne avancée n’est d’ailleurs pas forcément rapide.

Sa difficulté peut venir du placement, des articulations, des nuances, des déplacements sur le manche ou de la précision nécessaire pour reproduire le jeu du bassiste original.

Qu’est-ce qui rend une ligne de basse difficile ?

La difficulté d’une ligne de basse ne dépend pas uniquement du nombre de notes ou de sa vitesse.

Une ligne composée de quelques notes peut être difficile à jouer correctement si elle demande un placement rythmique précis, un groove particulier ou une interprétation très maîtrisée.

À l’inverse, une ligne rapide peut parfois être plus facile qu’elle n’en a l’air si son rythme et son doigté sont réguliers.

Le meilleur morceau pour progresser est donc celui qui te met légèrement en difficulté, sans être complètement hors de portée.

Comment les morceaux sont-ils classés ?

Les 150+ morceaux de cette sélection, sont répartis selon trois niveaux : débutant, intermédiaire et avancé.

Cette classification reste indicative. 

La difficulté d’une ligne de basse dépend de nombreux facteurs : sa vitesse, son rythme, les déplacements sur le manche, les techniques utilisées, mais aussi le niveau d’interprétation nécessaire pour la faire réellement sonner.

Un morceau classé « débutant » peut donc parfaitement rester intéressant pour un bassiste intermédiaire ou avancé. 

À l’inverse, un bassiste peut être capable de jouer une partie d’un morceau avancé sans être encore capable d’en reproduire toutes les subtilités.

Pourquoi continuer à jouer des morceaux faciles quand on progresse ?

Ce n’est pas parce que vous avez atteint un niveau intermédiaire ou avancé que vous devez abandonner les morceaux plus simples.

Au contraire, revenir régulièrement à des lignes de basse accessibles peut être un excellent moyen de progresser.

Une ligne simple vous permet de porter davantage votre attention sur la manière dont vous la jouez, et pas uniquement sur les notes à jouer.

Pour le plaisir

La première raison est tout simplement le plaisir.

Vous aimez particulièrement une ligne de basse ? Vous avez envie de jouer un morceau même s’il est considéré comme facile ? Alors jouez-le !

Il n’y a aucune raison de délaisser un morceau simplement parce que vous êtes capable de jouer des lignes plus difficiles.

Pour améliorer votre interprétation

Ce n’est pas parce qu’une ligne de basse est simple rythmiquement, harmoniquement ou techniquement qu’il est facile de bien l’interpréter.

J’entends régulièrement des bassistes jouer des lignes de basse dites « simples » avec beaucoup de difficultés à les rendre réellement convaincantes. Pourtant, ils possèdent toutes les connaissances techniques nécessaires pour les jouer.

La difficulté ne se trouve alors plus dans les notes elles-mêmes, mais dans le placement, les articulations, les nuances, le son, la régularité et le groove.

Une ligne simple est donc un excellent terrain de travail pour améliorer votre interprétation.

Pour développer un jeu de basse conscient

Plus une ligne est simple, plus vous pouvez vous concentrer sur ce que vous êtes réellement en train de jouer.

Vous pouvez par exemple porter votre attention sur :

Le placement rythmique 

Les intervalles entre les notes 

Les articulations 

Les nuances 

Les silences 

Le son 

Votre interaction avec la batterie.

Le simple fait de parfaitement comprendre ce que vous jouez et pourquoi vous le jouez va très clairement s’entendre dans votre interprétation.

C’est ce que j’appelle développer un jeu de basse « conscient ».

Pour préparer les morceaux plus difficiles

Jouer des morceaux simples ne signifie pas non plus qu’il faut rester dans sa zone de confort.

Vous pouvez régulièrement vous essayer à des morceaux situés au-dessus de votre niveau. Dans ce cas, inutile de chercher immédiatement à jouer le morceau en entier.

Choisissez plutôt un passage court, ralentissez-le fortement et cherchez à comprendre précisément ce que vous jouez : rythme, notes, doigté, déplacements sur le manche, articulations…

Vous pouvez ainsi travailler une difficulté nouvelle sans vous retrouver confronté à l’ensemble des difficultés du morceau.

L’idéal est donc d’alterner les deux approches : revenir à des lignes simples pour perfectionner votre jeu, et vous confronter progressivement à des lignes plus difficiles pour continuer à repousser vos limites.

Voici maintenant ma sélection de plus de 150 morceaux de basse, classés en trois niveaux : débutant, intermédiaire et avancé.

Niveau Débutant

Niveau Intermédiaire

Niveau Avancé

Pour conclure :

Le classement des morceaux par niveau est avant tout un point de départ. Le morceau qui te fera le plus progresser est celui qui correspond à ton niveau tout en te permettant de travailler une nouvelle difficulté.

Tu peux donc commencer par une ligne relativement simple, puis progressivement t’intéresser à son placement, ses articulations, ses nuances, son son et son groove.

Et surtout, ne cherche pas uniquement à jouer les bonnes notes. Écoute attentivement le bassiste original et cherche à comprendre pourquoi et comment il joue chaque note.

C’est aussi comme cela que tu transformes un simple morceau en véritable outil de progression.

Article similaire : Comment un Bassiste construit-il son « son » ?

L’article Quels morceaux jouer à la basse selon son niveau ? Plus de 150 morceaux classés par difficulté est apparu en premier sur .

Deux modèles emblématiques

La Precision Bass et la Jazz Bass comptent parmi les modèles les plus influents de l’histoire de la basse électrique.

Fender a lancé la Precision Bass en 1951, puis la Jazz Bass en 1960. Ces deux modèles ont ensuite marqué durablement l’histoire de la basse électrique et sont devenus des références utilisées par des générations de bassistes.

En savoir plus

Tous ceux qui ont joué sur les deux modèles, savent que nous avons là des conceptions très différentes en terme de sensation de jeu et de son.

Très souvent, les Bassistes débutants se demandent quelles sont les différences entre ces deux modèles emblématiques de la marque Fender.

Quelles sont les principales différences ?

La Jazz Bass offre davantage de possibilités de réglage grâce à ses deux micros indépendants, tandis que la Precision privilégie une électronique plus simple et un caractère sonore immédiatement identifiable.

Avec la Jazz Bass on peut utiliser les deux micros pour obtenir un son classique.

En utilisant principalement le micro chevalet, on obtient généralement un son plus présent dans les médiums, avec davantage d’attaque et de définition.

En privilégiant le micro manche, on obtient un son plus rond et plus proche, dans son caractère général, de celui que l’on associe traditionnellement à la Precision Bass.

Si tu recherches une basse simple, polyvalente et immédiatement identifiable, la Precision constitue une valeur sûre.

À noter que le placement des micros joue un rôle essentiel dans le son d’une Basse.

La Jazz Bass a donc cet avantage de pouvoir changer de son à « la volée » simplement en contrôlant le choix des micros utilisés.

Autre paramètre important :

Au niveau du sillet, le manche d’une Precision Bass mesure généralement autour de 43 mm de large, contre environ 38 mm pour une Jazz Bass. Cette différence de quelques millimètres est immédiatement perceptible en main et contribue à la sensation de jeu propre à chaque modèle.

Le manche plus étroit de la Jazz Bass peut donner une sensation de jeu plus confortable aux bassistes qui préfèrent avoir les cordes plus rapprochées sous les doigts.

Si tu recherches un son vintage particulièrement rond et feutré, l’association Precision Bass + cordes à filets plats constitue un grand classique. 

Comparons les deux sons de Basse

Jeu aux doigts / Jazz Bass – Précision

Jeu au médiator / Jazz Bass – Précision

A choisir si :

Tu joues du rock très fort avec un médiator.

Tu as besoin d’un son vintage super chaud.

Tu aimes un manche assez « épais » et « large ».

Tu peux te satisfaire d’un seul son, mais qui est polyvalent et infaillible.

Tu veux rendre heureux les ingénieurs lors des sessions d’enregistrement.

Quelques Bassistes célèbres qui utilisent un modèle Précision :

James Jamerson

Carol Kaye

Duck Dunn

Sting

Steve Harris

John Deacon

A choisir si :

Tu souhaites avoir à disposition une large gamme d’options de tonalités. 

Tu aimes jouer sur un manche plutôt fin.

Tu aimes ce son clair, profond et grave.

Tu pratiques beaucoup le slap et tu apprécies les sonorités très définies et riches en aigus.

Quelques Bassistes célèbres qui utilisent un modèle Jazz Bass :

Jaco Pastorius

Geddy Lee

Marcus Miller

John Paul Jones

Aston Barrett

Jannick Top

Conclusion

Le profil du manche, la disposition des micros et la réponse sonore d’une basse influencent les sensations de jeu et peuvent naturellement modifier la manière dont un bassiste attaque les cordes, se déplace sur le manche et construit son son.

Un même bassiste peut ainsi adapter son toucher, son attaque ou ses réglages lorsqu’il passe d’une Precision à une Jazz Bass, notamment en raison des différences de manche et d’électronique..

Ces deux modèles occupent une place particulière dans l’histoire de la basse électrique et restent aujourd’hui très présents chez les bassistes professionnels.

Fais moi savoir dans les commentaires quel modèle à ta préférence et si possible pourquoi ?

L’article Précision ou Jazz Bass ? Les différences est apparu en premier sur .

Avant l’apparition de la basse électrique,

il y avait deux choix possibles pour remplir le rôle de basse :

Utiliser la contrebasse ou le Tuba

Comme nous l’avons vu dans l’article Histoire de la Basse, quand Léo Fender débarqua dans le paysage musical avec sa basse, cela permit de résoudre le problème du volume sonore ainsi que de la clarté et de l’attaque du son.

La basse pouvait maintenant  jouer un nouveau rôle.

L’ instrument n’était plus noyé dans la masse sonore, mais clairement perçue dans le mixage.

Cela permit aux bassistes de se mettre plus en avant.

Sur le modèle Précision de Leo Fender, il n’ y a que deux potentiomètres :

Un potentiomètre pour le volume et un potentiomètre pour la tonalité.

Depuis, les possibilités de choix se sont multipliées :

• Nombre et  types de micros utilisés
• Placement des micros
• Types de cordes
• Electronique active/passive
• Equalisation intégrée à la basse
• Nombre de cordes
• Présence ou absence de frettes
• etc.

Comment le bassiste construit-il sa « signature sonore » ?

La manière dont chaque bassiste règle les éléments mis à sa disposition sur la basse elle même, sur l’ampli, et parfois sur les pédales d’effets, apporte une première réponse à cette question portant sur la construction de son « son » de basse.

1 / Choix de l’équipement : Basse – Ampli – Effets

Une basse ne sonne pas d’une seule manière, puisque sur chaque instrument il y a de nombreuses possibilités de réglage.

De plus, vous l’avez remarqué, aucune basse ne sonne de la même façon. Chaque modèle a un timbre différent.

Le bassiste choisit donc sa basse en fonction de ces différences, et du contexte musical dans lequel il va évoluer.

Ajouter des pédales d’effets au binôme Basse/Ampli.

Crunch, Overdrive, Fuzz, Distorsion, ou Saturation : Le premier effet utilisé à la basse fut la distorsion naturelle des amplificateurs. 

Dans les années 1960, on fabriqua des pédales ayant pour but de générer cet effet, c’est ce que l’on appela : fuzzbox. 

Paul McCartney enregistra « Think For Yourself » en utilisant une pédale de fuzz à la basse pour la première fois.

Compresseur : Cet effet est particulièrement prisé par les « slappeurs », étant donnée la grande amplitude des dynamiques générée par cette technique.

Un compresseur permet d’éviter les pics de volume lors d’attaques trop puissantes en diminuant la dynamique du signal.

Lire l’article complet sur l’effet de compression

Chorus : Il permet d’épaissir le son en lui ajoutant le même signal retardé et légèrement modifié.

Il donne l’impression que deux basses jouent simultanément.

Delay :  Cet effet permet de répèter dans le temps le son d’origine en pouvant agir sur le nombre de répétitions et sur la vitesse de répétitions.

  Jaco Pastorius l’utilisa dans son solo Slang.

Pour le funk, on trouve couramment des bassistes utilisant une pédale wah-wah ou une pédale d’octaver.

Notez qu’ aujourd’hui encore, beaucoup de bassistes n’utilisent pas de pédales d’effets.

2 / Signature Sonore

Comprendre la différence entre le timbre et le son n’est pas évident, et prête souvent à confusion.

• Le Timbre : Définition du timbre :  la qualité particulière du son qui permet d’identifier la source sonore. Pour la basse électrique, différents éléments rentrent en ligne de compte pour la construction du timbre. Il ne faut pas oublier d’y ajouter l’importance de l’équipement lié à l’amplification et les effets. Le timbre dépend donc de l’addition de tous ces éléments.

• Le Son : Le « son » d’un bassiste, n’est pas aussi facile à définir.  Le son est lié à l’instrumentiste, au musicien, et non à l’instrument ou au dispositif instrumental. Tout est dans les mains ! La manière dont le bassiste joue de son instrument, modèle de manière radicale le son de l’instrument. Nous pouvons utiliser ici le terme de «signature sonore».

En résumé :

On commence par choisir les éléments que l’on souhaite mettre en relations (Basse/Ampli/Effets). 

Ces éléments sont choisis en fonction du style de musique pratiqué, mais également de ses envies, de ses attentes et souvent dans les premières années, de copier un bassiste modèle.

On ajoute quelque chose au timbre de son instrument.

Ce n’est pas le « son » de l’instrument qui est imposé au musicien, mais bien l’inverse.

On le crée, le modèle selon notre désir et ce que l’on veut exprimer.

L’importance de la main droite

Souvent négligée dans les premières années de pratique, la façon dont on utilise notre main droite à la basse est déterminante  pour ancrer sa propre signature sonore.  

Les remarques qui suivent sont encore plus flagrantes lorsque l’on enregistre une basse directement dans une carte son sans traitement.

• Les doigts attaquent près du chevalet : Son nasillard – Beaucoup d’attaque – Peu de sustain – Peu de basses fréquences.

• Les doigts attaquent au centre : Bonne équilibre pour le sustain – Basses fréquences bien équilibrées – Bonne équilibre également pour l’ attaque.

• Les doigts attaquent près du manche : Moins d’attaque – Moins de médium – Plus de basse – Plus difficile pour contrôler la dynamique des basses fréquences.

Il y a toute une palette sonore disponible à partir de ces trois positions.

En variant de quelques centimètres on peut obtenir un son très différent de celui obtenu avec la position précédente.

Trouvez les placements précis qui correspondent  au sons que vous aimez.

Autres techniques utilisées pour élargir la palette sonore de l’ instrument :

• Le palme mute : permet d’obtenir un son avec moins de sustain – plus court – plus sourd

• Le médiator : souple ou dure, prenez le temps de bien le choisir.  Variez l’angle d’attaque pour obtenir des sons différents.

• Le slap : technique de jeu qui permet d’obtenir un jeu très percussif. On utilise le pouce pour frapper les cordes et l’index pour tirer les cordes.

Signatures Sonores de quelques grands Bassistes …

Un exemple frappant !

Conclusion

Au fil des années de pratique, on développe – souvent inconsciemment – un son bien à nous.

De telle sorte, que ceux qui nous connaissent bien pourront dire les yeux bandés :

C’est : « Votre Prénom » qui joue

J’espère que cet article vous aura aidé à prendre conscience de ce processus.

Vous pourrez ainsi agir sur ce point, en assumant totalement vos choix.

Enfin, si vous pouvez vous enregistrer régulièrement, faites des écoutes en focalisant sur cet aspect de votre jeu.

Une dernière piste à creuser, qui illustre bien le sujet traité dans cet article, nous est délivré par Jannick Top : «Un artiste devient artiste quand il a fait de son défaut principal, une particularité. » 

L’article Comment un bassiste construit-il son « son » ? est apparu en premier sur .

Nik West, est née 1989 à Phoenix, en Arizona.

Elle s’impose comme une figure incontournable du funk contemporain, alliant virtuosité à la basse, voix puissante et présence scénique électrisante.

Son père, guitariste accompli, lui enseigne la guitare rythmique dès ses 13 ans et initie toute la fratrie au chant.

Avec ses sœurs (claviers, batterie, violon, guitare) et son frère aîné, elle forme son premier groupe familial.

Au lycée, inspirée par « Wanna Be Startin’ Somethin‘ » de Michael Jackson, elle se tourne vers la basse, instrument qu’elle considère comme sa vraie passion malgré ses talents vocaux.

Carrière et collaborations

Repérée par Fender, qui lui offre un endorsement pour sa basse 6 cordes, Nik West enchaîne les performances avec des géants : Prince, John Mayer, Macy Gray, Parliament Funkadelic, Dave Stewart (Eurythmics), Quincy Jones, Santana et Larry Graham.

Elle impressionne avec une reprise de « Back in Black » d’AC/DC, conquérant Steven Tyler et Lenny Kravitz, et compose pour ESPN et Disney.

Bootsy Collins à propos de Nik West : « Elle ramène le groove funk et j’adore tout ce qu’elle représente ! »

Style de jeu

Nik West puise ses influences principales chez des maîtres du funk et de la basse : Larry Graham, pionnier du slap avec Sly & the Family Stone, Louis Johnson des Brothers Johnson pour son groove précis et percutant, et Marcus Miller pour sa polyvalence jazz-funk sophistiquée.

Ces racines se traduisent par un style de slap très dynamique, où elle frappe les cordes pour produire des sons explosifs et rebondisants, typiques du funk old-school revisité.

Ses lignes de basse, pulsent avec une régularité cardiaque irrésistible, créant un groove dansant qui fait bouger les foules, comme en témoigne sa reprise funk de « Back in Black » ou ses solos live électrisants.

Matos

Nik West joue principalement des modèles de la série Fender American Ultra.

« La Jazz Bass me donne tout. Je peux emmener cette basse en tournée et en obtenir cinq ou six sons différents. »

A propos de sa signature sonore : « Je veux un son clair, et que l’on entende précisément ce que je joue. Je suis une bassiste qui se place devant, et il est impératif que tout le monde reconnaisse ces notes, que ce soit en solo ou sur le groove. Si votre son n’est pas bon, votre show ne l’est pas, votre attitude non plus.« 

Elle affectionne aussi les basses Kala U- Bass, compactes et portables, idéales en tournée, ainsi que des modèles Warwick ou Music Man pour leurs graves profonds.

Endorsée par Fender et SWR (amplis), elle adapte son équipement à son style dynamique, passant de basses 4 à 6 cordes pour des lignes de basse percutantes et des solos endiablés.

Nommée « l’icône de la basse de cette génération » par Rolling Stone et « la reine des bassistes » par Rolling Stone France, elle fusionne funk, soul et rock avec une énergie contagieuse.

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Pourquoi la Jazz Bass Fender est considérée comme l’une des basses les plus emblématiques et polyvalentes de l’histoire. 

La Jazz Bass est reconnue pour sa grande polyvalence sonore, grâce à ses deux micros qui permettent de nombreuses variations de timbre.

La grande polyvalence sonore de la Jazz Bass repose principalement sur la présence de ses deux micros :

Micro “manche” près du manche  

Micro “chevalet” près du chevalet

Cette configuration, combinée avec des contrôles de volume indépendants pour chaque micro et une tonalité globale, permet d’obtenir une immense variété de sons adaptés à de nombreux styles musicaux.

Détail du fonctionnement et des possibilités :

Micro manche :

Produit un son rond, profond et chaleureux, souvent utilisé pour des lignes de basse douces, reggae, soul ou jazz.

En mettant uniquement ce micro, le timbre se rapproche de celui d’une Precision Bass, mais avec un peu plus de clarté et de présence dans les aigus.

Micro chevalet :

Génère un son plus brillant, claquant et focalisé dans les médiums, avec une attaque nette.

C’est le choix favori pour les styles funk (ex : Jaco Pastorius), le jeu en harmoniques, ou pour des lignes solistes très articulées.

Combinaison des deux micros :

Quand les deux micros sont ouverts, cela crée un son équilibré – la fameuse “Jazz Bass growl” : un creux dans les médiums offrant à la fois rondeur, clarté et dynamique.

Idéal pour le slap, le rock moderne, la pop, ou tout style nécessitant un son à la fois épais et défini.

Variations intermédiaires :

En dosant le volume respectif des micros, on obtient des couleurs intermédiaires très nuancées.

Par exemple, en réduisant légèrement le micro chevalet tout en gardant le manche à fond, on garde la rondeur tout en ajoutant de la définition.

Inversement, on peut atténuer le micro manche pour un son punchy mais plus fin, parfait pour percer dans le mix.

Rôle de la tonalité :

Le bouton de tonalité permet d’assombrir ou d’éclaircir encore davantage chaque réglage, apportant des variations subtiles ou radicales.

Résultat :

Avec une seule basse, nous pouvons couvrir des sons feutrés (ballades, reggae) jusqu’à des sons acérés et agressifs (funk, solo), tout cela sans avoir à changer d’instrument.

Cette flexibilité a séduit des bassistes de tous horizons, contribuant au statut iconique de la Jazz Bass.

Quelques précisions utiles

Les micros de style vintage sur l’ American Vintage II 1966  offrent généralement un son chaud et rond, avec une richesse caractéristique, tandis que les micros modernes sur l’ American Professional II, privilégient une plus grande clarté et définition du son. 

Le choix entre ces deux types de micros dépend donc largement des préférences personnelles. 

Côté jouabilité, les manches vintage présentent un rayon plus petit et une forme en U, ce qui peut rendre le jeu un peu plus exigeant pour certains musiciens. 

En comparaison, les manches des modèles plus récents, comme l’American Professional II, adoptent une forme en C plus fine, conçue pour offrir un confort optimal. Leur rayon plus large rend ces manches plus plats et souvent plus accessibles. 

Comme pour le son, la sensation au toucher reste une affaire de goût, il est donc préférable d’essayer directement les différents modèles pour choisir celui qui convient le mieux.

Différents sons caractéristiques utilisés par les grands Bassistes :

Jaco Pastorius

Jaco Pastorius est célèbre pour avoir créé un son unique et immédiatement reconnaissable sur la Jazz Bass. Ce “son Jaco” repose sur une combinaison de réglages précis et de techniques de jeu avancées.

Détail du “son Jaco” sur Jazz Bass :

Jaco réglait sa Jazz Bass en n’utilisant quasi exclusivement que le micro chevalet, avec le micro “manche” coupé ou très atténué. Ce choix produit un son focalisé, brillant, riche en médiums supérieurs et en harmoniques, mais avec moins de grave et de rondeur qu’un micro manche.

Cette configuration donne plus d’attaque, de “claquant” et de précision à chaque note.

La position “chevalet seul” favorise la résonance des harmoniques naturelles, qui deviennent plus présentes, perçantes et faciles à faire sortir de l’instrument. Jaco exploitait cette propriété pour jouer des passages entiers basés sur les harmoniques (comme dans “Portrait of Tracy”).

Jeu très articulé :

En se positionnant avec la main droite près du chevalet, Jaco obtenait un jeu particulièrement “sec”, rapide et précis. 

Le son Pastorius :

Exemples incontournables :

“Teen Town”, “Come On, Come Over” ou “The Chicken” sont des titres où s’entend parfaitement ce son claquant et très vivant, avec des notes qui ressortent, scintillent et s’articulent avec une grande précision.

Portrait complet de Jaco Pastorius

Geddy Lee

Geddy Lee, le célèbre bassiste du groupe Rush, est reconnu pour son son à la fois agressif et très présent lorsqu’il joue sur une Fender Jazz Bass. 

Détail du son “Gedy Lee” sur Jazz Bass :

Geddy Lee utilise les deux micros (manche et chevalet) de la Jazz Bass en position maximum.

Ce réglage produit un son très équilibré, au spectre large : la rondeur du micro manche s’associe à la brillance et la précision du micro chevalet.

Geddy joue avec une technique très agressive de la main droite, Il a une attaque très nette : il “frappe” les cordes plutôt que de les caresser, ce qui accentue la percussion du son.

Cette approche donne au son beaucoup d’attaque et de définition, ce qui est idéal pour percer dans un mix rock puissant.

Pour conserver ce son claquant et la réactivité de l’instrument, Geddy Lee utilise généralement des cordes assez neuves (souvent des Rotosound Swing Bass), qui ajoutent des harmoniques aiguës et du mordant à chaque note.

Son action est assez basse, lui permettant de jouer vite et de garder une certaine souplesse.

Geddy mise avant tout sur le son naturel de la basse : très peu d’effets, parfois une légère saturation naturelle venant de l’ampli ou du préampli pour ajouter du grain, mais la base du son reste dans le réglage des micros et l’attaque.

Le son Geddy Lee :

Le son Geddy Lee sur Jazz Bass est :

• Puissant, incisif, très articulé.
• Idéal pour les lignes de basse complexes, rapides et véloces.
• Toujours très “lisible” dans le mix grâce à la clarté des deux micros et une attaque affirmée.

Portrait complet de Geddy Lee

Marcus Miller

Marcus Miller est largement reconnu pour son son distinctif, moderne et funky, qu’il obtient en grande partie grâce à une Fender Jazz Bass équipée d’un système actif. 

Voici les caractéristiques principales de son son et comment il l’obtient

Marcus Miller reconnu pour son son distinctif, moderne et funky, utilise une Jazz Bass Fender équipée d’un circuit électronique actif (notamment souvent une préamplification Bartolini ou Sadowsky), qui lui permet de modifier le son directement depuis la basse avec plus de contrôle et de puissance.

L’électronique active amplifie le signal, booste les basses et/ou les aigus, et permet d’obtenir un son plus “punchy” et brillant.

Comme Geddy Lee, Marcus Miller joue souvent avec les deux micros ouverts à fond, ce qui produit un son large en dynamique, avec beaucoup de présence dans toutes les fréquences. Ce réglage donne un son très coloré, avec des basses profondes, des médiums clairs et des aigus brillants.

Grâce au circuit actif, Marcus ajoute souvent un boost sur les basses fréquences et sur les aigus, ce qui renforce la puissance, la clarté et la définition du son, le rendant idéal pour le slap et le funk.

Sa technique combine un slap puissant, et des passages fingerstyle très dynamiques. Sa main droite frappe les cordes avec précision tout en gardant une expressivité et une dynamique très marquées.

Le son Marcus Miller :

Le son de Marcus Miller sur Jazz Bass est :

• Très moderne, clair et brillant.
• Puissant, avec un fort impact dans le bas du spectre.
• Parfaitement adapté au funk, au jazz fusion et à tous les styles nécessitant un son dynamique et expressif.
• Reconnue comme une référence pour la technique slap grâce à cette combinaison de circuit actif, réglages à fond et maîtrise technique.

Portrait complet de Marcus Miller

Bobby Vega

Bobby Vega est un bassiste légendaire, particulièrement reconnu pour sa technique de jeu distincte sur Jazz Bass. Il utilise un médiator pour attaquer les cordes.

Cette technique donne une attaque plus nette, incisive et percussive, mais en gardant un groove fluide et très musical.

Le son obtenu est plus “tranchant” et brillant, avec une attaque prononcée qui aide à faire ressortir chaque note dans un contexte de groupe dense.

Bobby combine un jeu très rythmique avec des accents sur des contretemps ou des backbeats, créant un groove très dansant et entraînant.

Sa façon de jouer développe un motif régulier de 16e notes où certaines sont particulièrement accentuées, ce qui donne une grande dynamique et un effet presque “percussif” dans la ligne de basse.

Il utilise une Jazz Bass souvent avec les deux micros ouverts à fond, avec peut-être un léger ajustement tonal pour garder le son brillant mais sans agressivité excessive.

Son son conserve la rondeur caractéristique de la Jazz Bass, mais l’usage du médiator lui apporte sa signature incisive.

Le son Bobby Vega :

Le son de Bobby Vega sur Jazz Bass est :

• Très incisif et claquant grâce au médiator.
• Rythmiquement dynamique avec un groove marqué, souvent en lignes 16e notes.
• Parfait pour des musiques nécessitant un son précis et énergique, capable de ressortir dans un mix chargé.

Portrait complet de Bobby Vega

Aston “Family Man” Barrett

Aston “Family Man” Barrett, le célèbre bassiste de Bob Marley & The Wailers, est reconnu pour son son reggae profond et feutré sur Fender Jazz Bass. Voici l’astuce principale de réglage qui lui permet d’obtenir ce son emblématique :

Aston Barrett jouait presque uniquement avec le micro manche activé, ce qui donne un son très rond, chaud et plein, idéal pour le groove reggae.

Il baissait le potentiomètre de tonalité pour atténuer les aigus et obtenir un son plus feutré, plus doux dans les hautes fréquences, ce qui renforce la chaleur et la rondeur du son.

Aston attaquait les cordes près du micro manche, ce qui contribue à un son plus doux, moins brillant, avec une attaque adoucie qui est caractéristique du style reggae roots.

Souvent, il utilisait des cordes à filet plat qui produisent un son plus vintage, moins claquant que les cordes à filet rond, renforçant ce timbre feutré.

Le son Aston Barrett :

Le son Aston Barrett est :

• Son profond, chaud et pas agressif s’intègre parfaitement aux grooves lents, syncopés et “laid-back” typiques du reggae.
• Le réglage adoucit les fréquences aigues tout en gardant un punch net dans les basses pour que la ligne de basse porte la chanson sans écraser les autres instruments.
• Le micro manche renforce le bas du spectre et offre une grande musicalité, propice aux lignes mélodiques répétitives caractéristiques du reggae roots.

Portrait complet d’Aston Barrett

Astuce pour assombrir encore plus le son :

Cette variation subtile du volume du micro manche est utile pour affiner le son et éviter qu’il soit trop brillant ou trop clair.C’est ce qui différencie la Jazz Bass de la Precision. Cette nuance donne un grain davantage « vintage » ou « classique », que beaucoup recherchent pour un son Jazz Bass se rapprochant de la Precision.

• Micro chevalet coupé à zéro
• Tonalité baissée au minimum
• Micro manche à fond, puis légèrement atténué en volume pour assombrir le son

Conclusion

La Jazz Bass s’adapte à quasiment tous les styles musicaux (funk, rock, reggae, jazz, soul…) simplement en ajustant les micros, la tonalité, la technique de main droite ou le choix des cordes.

Cette basse permet de passer d’un son vintage et feutré à un son moderne et brillant, ce qui fait sa popularité auprès de Bassistes de style très différents.

En commentaire, partage la façon dont tu utilises ta Jazz Bass !

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Les bassistes qui ont écrit l’histoire de la basse et continuent de nous inspirer.

Découvrez plus de 80 portraits de bassistes, de pionniers et légendes historiques aux artistes contemporains.

Parcourez leurs parcours, leurs styles et leur influence sur l’évolution de la basse.

Les portraits sont classés par ordre chronologique de naissance, pour vous permettre de parcourir l’histoire de la basse à travers les générations.

Monk Montgomery – 1921/1982

William Howard « Monk » Montgomery fut un bassiste de jazz américain pionnier de la basse électrique. Il a probablement été  le premier à avoir enregistrée une partie de Basse en studio. Frère du guitariste Wes Montgomery et du vibraphoniste Buddy Montgomery, il a su adapter son jeu de la contrebasse à la basse électrique, contribuant ainsi à son intégration dans le jazz moderne.

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Carol Kaye – 1935

Carol Kaye, est une bassiste et musicienne de studio emblématique, reconnue pour son rôle dans l’industrie musicale américaine. Membre du Wrecking Crew, elle a joué sur des milliers d’enregistrements, collaborant avec des artistes légendaires tels que les Beach Boys et Stevie Wonder. Son style distinctif, avec l’utilisation d’un médiator, a contribué à des classiques comme Good Vibrations et Pet Sounds. Pionnière dans un milieu dominé par les hommes, Kaye a ouvert la voie pour de nombreuses bassistes et continue d’inspirer par son enseignement et son héritage musical.

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Bill Wyman – 1936

Bill Wyman était le bassiste des Rolling Stones de 1962 à 1993, il était reconnu comme le membre le plus discret du groupe. Après son départ des Stones, il a poursuivi une carrière solo prolifique, fondant notamment le groupe Bill Wyman’s Rhythm Kings. Photographe, auteur et restaurateur, Wyman continue de faire de la musique, ayant sorti un nouvel album « Drive My Car » en août 2024.

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James Jamerson – 1936/1983

James Jamerson, bassiste américain des années 60, a transformé le rôle de la basse dans la musique populaire. En intégrant jazz et blues à son jeu, il a créé des lignes syncopées qui ont marqué des centaines de hits de Motown. Son style innovant a influencé de nombreux artistes, redéfinissant ainsi la basse dans le rock et le funk.

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Chuck Rainey – 1940

Chuck Rainey, est un bassiste américain légendaire. Considéré comme l’un des bassistes les plus enregistrés de l’histoire, il a joué sur plus de 1 000 albums avec des artistes comme Aretha Franklin, Steely Dan et Quincy Jones. Il a commencé la basse dans les années 60. Sa carrière s’étend du rhythm and blues au jazz-rock, faisant de lui un musicien de session polyvalent et influent. C’est une véritable légende dans le monde des Bassistes.

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Donald « Duck » Dunn – 1941/2012

Donald « Duck » Dunn, bassiste emblématique des années 60, a joué un rôle clé au sein de Booker T. and the M.G.’s et des studios Stax. Avec ses lignes de basse puissantes, il a contribué à des classiques d’Otis Redding et de Wilson Pickett, façonnant le son de la soul. Son style unique et sa présence sur scène ont également marqué le film The Blues Brothers, consolidant son héritage dans la musique américaine.

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Paul McCartney – 1942

Paul McCartney est l’un des bassistes les plus influents de l’histoire de la musique. Il a crée des lignes de Basse mémorables qui ont marqué des générations. En plus de son travail avec les Beatles, il a connu un immense succès avec son groupe Wings et dans sa carrière solo, consolidant sa réputation d’auteur-compositeur exceptionnel.

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Jack Bruce – 1943/2014

Jack Bruce, est reconnu comme l’un des plus grands bassistes de rock. Membre fondateur du groupe Cream aux côtés d’Eric Clapton et Ginger Baker, il a révolutionné le jeu de basse avec des lignes fluides et improvisées, mêlant blues et jazz. Sa carrière solo a également été marquée par des albums influents, consolidant son statut d’icône musicale.

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John Entwistle – 1944/2002

John Entwistle, est considéré comme l’un des plus grands bassistes de rock. Membre fondateur des Who, il a révolutionné le rôle de la basse avec son jeu virtuose et ses lignes mélodiques audacieuses. Surnommé « Thunderfingers », il a souvent échangé les rôles avec le guitariste Pete Townshend sur scène, créant un son puissant et innovant. Sa carrière a été marquée par des performances mémorables et une influence durable sur de nombreux Bassiste.

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Noel Redding – 1945/2003

Noel Redding était le Bassiste membre fondateur du Jimi Hendrix Experience. Il est surtout connu pour avoir accompagné Hendrix de 1966 à 1969. Bien que guitariste à l’origine, il a été recruté comme bassiste du groupe et a contribué à deux compositions sur leurs albums : « She’s So Fine » et « Little Miss Strange ». Après son départ du groupe, il a poursuivi une carrière musicale avec des projets comme Fat Mattress et le Noel Redding Band

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Fred Thomas – 1945

Fred Thomas, est un bassiste américain surtout connu pour sa collaboration de plus de trente ans avec James Brown. Il a contribué à de nombreux succès funk et R&B des années 1970, notamment sur des titres comme « Hot Pants » et « Papa Don’t Take No Mess. » Sa technique de jeu, est axée sur un groove solide et mélodique. Il a redéfinit le rôle de la basse dans la musique funk, influençant ainsi des générations de Bassistes.

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Lemmy Kilmister – 1945/2015

Lemmy Kilmister, était une légende du rock, célèbre pour avoir été le bassiste, chanteur et leader du groupe de heavy metal Motörhead. Sa voix rauque, son jeu de basse puissant et son attitude rock’n’roll ont marqué durablement la scène musicale jusqu’à sa mort en 2015.

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John Paul Jones – 1946

John Paul Jones, bassiste essentiel de Led Zeppelin, est reconnu pour son apport créatif au groupe. Son jeu de basse, inspiré par la soul et le groove Motown, a introduit des riffs puissants et funky. En plus de ses lignes mémorables, il a enrichi le son du groupe avec ses compétences aux claviers, apportant une dimension éclectique à des morceaux tels que Kashmir et No Quarter. Sa musicalité et son approche innovante ont été cruciales dans la définition du son unique de Led Zeppelin.

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Larry Graham – 1946

Larry Graham, est un bassiste révolutionnaire, reconnu comme l’inventeur de la technique du slap. En jouant avec Sly & The Family Stone, il a introduit un style percutant qui a redéfini le rôle de la basse dans le funk. Son approche rythmique et mélodique a inspiré de nombreux Bassistes et a contribué à façonner le son de la musique funk des années 70. Plus tard, avec son groupe Graham Central Station, il a continué à explorer et à enrichir ce style, consolidant son héritage en tant que pionnier du genre.

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Aston Barrett – 1946/2024

Aston « Family Man » Barrett, est un bassiste légendaire, connu pour son rôle essentiel au sein du groupe The Wailers. Il a contribué à façonner le son du reggae avec des lignes de basse innovantes et groovy sur des albums emblématiques de Bob Marley, tels que Catch A Fire et Rastaman Vibration. Son style unique a influencé de nombreux Bassistes et a établi des standards pour le jeu de basse dans le style reggae. Incontournable !

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Tony Levin – 1946

Tony Levin, est un bassiste et compositeur américain renommé, surtout connu pour son travail avec Peter Gabriel et King Crimson. Il a popularisé l’utilisation du Chapman Stick, un instrument à cordes qui lui permet de créer des textures sonores uniques. Levin a joué sur plus de 500 albums, apportant une approche innovante à la basse électrique avec des techniques telles que l’utilisation de Funk Fingers. Son style mélodique et rythmique a redéfini le rôle de la basse dans le rock progressif et le jazz fusion, influençant de nombreux Bassistes.

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Willie Weeks – 1947

Willie Weeks est un bassiste américain reconnu pour sa musicalité et son groove exceptionnel. Très demandé en studio comme sur scène, il a accompagné des artistes majeurs tels que Donny Hathaway, Eric Clapton ou encore George Harrison. Sa ligne de basse sur l’album Live de Donny Hathaway est devenue légendaire, illustrant son sens du placement et de l’émotion. Discret mais influent, il est considéré comme un maître de l’accompagnement, capable de sublimer chaque morceau avec simplicité et profondeur.

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Paul Jackson – 1947/2021

Paul Jackson était un bassiste américain de jazz-funk. Membre fondateur des Headhunters, il a révolutionné le jeu de basse aux côtés d’Herbie Hancock. Célèbre pour sa ligne de basse de « Chameleon », il est considéré comme un génie du funk, ayant développé un style unique caractérisé par des lignes de basse complexes et créatives. En fin de carrière, il a vécu au Japon où il a continué à composer et à se produire avec le Paul Jackson Trio.

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Leland Sklar – 1947

Leland Sklar est un bassiste américain. Musicien de session légendaire, il a joué sur plus de 2 500 albums et collaboré avec des artistes comme James Taylor, Jackson Browne, Phil Collins et Carole King. Reconnaissable à sa longue barbe blanche, surnommé « Father Time », il continue d’être actif dans la musique avec le groupe The Immediate Family. En 2020, il a lancé une chaîne YouTube populaire où il partage son expérience musicale.

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Jannick Top – 1947

Jannick Top, est un bassiste et compositeur français qui a profondément influencé le rock progressif et le jazz fusion. Membre fondateur du groupe Magma. Il accorde sa basse de la même façon qu’un violoncelle, ce qui lui confère un son distinctif. Sa composition emblématique De Futura illustre son approche créative, mêlant complexité rythmique et mélodique. En plus de son travail avec Magma, Top a collaboré avec de nombreux artistes, apportant sa touche unique à des projets variés, renforçant ainsi son statut de pionnier dans le domaine de la basse moderne.

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Phil Lynott – 1949/1986

Phil Lynott, était chanteur et bassiste du groupe de hard rock Thin Lizzy. Cofondateur du groupe en 1969, il en était le principal auteur-compositeur et leader charismatique. Lynott a développé un style musical unique, fusionnant hard rock, soul et influences celtiques. Il a connu le succès international avec des hits comme « Whiskey in the Jar » et « The Boys Are Back in Town ». En parallèle de Thin Lizzy, il a mené une carrière solo et collaboré avec d’autres artistes comme Gary Moore.

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Tina Weymouth – 1950

Tina Weymouth est une bassiste américaine emblématique, fondatrice des Talking Heads et du Tom Tom Club. Autodidacte à la basse depuis les années 1970, elle est reconnue pour son groove minimaliste, funky et syncopé qui a défini le son new wave, avec des collaborations clés sur des titres comme « Psycho Killer » et « Genius of Love ».

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Flabba Holt – 1950

Errol « Flabba » Holt est un bassiste jamaïcain emblématique, fondateur du groupe Roots Radics et bassiste historique du groupe Israel Vibration. Actif depuis les années 1970, il est reconnu pour son rôle clé dans la définition du son reggae avec un groove puissant et des collaborations avec des légendes comme Gregory Isaacs et Barrington Levy.

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Bernard Paganotti – 1950

Bernard Paganotti, est un bassiste français renommé. Il débute la basse à 14 ans et se fait connaître avec le groupe Magma dans les années 70. Fondateur de Weidorje en 1976, il sort ensuite des albums solo avec Paga Group. Paganotti est reconnu pour son style unique mêlant jazz fusion et rock progressif. Musicien de session très demandé, il a collaboré avec de nombreux artistes comme Francis Cabrel, Johnny Hallyday et Mylène Farmer.

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Jaco Pastorius – 1951/1987

Jaco Pastorius, est le bassiste révolutionnaire qui a transformé le rôle de la basse dans le jazz et la musique moderne. Innovateur de la Basse fretless, il a créé des lignes de basse fluides et mélodiques, redéfinissant ainsi le soliste dans des groupes comme Weather Report. Son album éponyme de 1976, avec des morceaux emblématiques comme Donna Lee, a mis en lumière sa virtuosité et son approche harmonique unique. Reconnu pour son influence durable, il est souvent cité comme l’un des plus grands bassistes de tous les temps.

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Sting – 1951

Sting, est un bassiste emblématique qui a redéfini le rôle de la basse dans la pop et le rock. Avec The Police, il a intégré des influences reggae et ska dans ses lignes de basse, créant des rythmes accrocheurs qui soutiennent ses mélodies vocales. Son jeu est caractérisé par une approche mélodique où chaque note compte. Ses riffs sont souvent construit autour de motifs simples mais ultra efficaces. Sa capacité à chanter tout en jouant de la basse ajoute une dimension unique à sa musique, faisant de lui un artiste complet.

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John Deacon – 1951

John Deacon, est le bassiste emblématique de Queen. Son jeu allie mélodie et rythme, apportant une profondeur unique aux compositions du groupe. Deacon a écrit des classiques tels que Another One Bites the Dust et You’re My Best Friend, où ses lignes de basse sont à la fois accrocheuses et complexes. Utilisant principalement une Fender Precision Bass, il a su intégrer des éléments de rock, de funk et même de pop dans son style. Sa capacité à créer des grooves mémorables a été essentielle à l’identité sonore de Queen, faisant de lui un pionnier dans le domaine de la basse moderne.

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Stanley Clarke – 1951

Stanley Clarke, est un bassiste et contrebassiste américain majeur du jazz fusion. Co-fondateur du groupe Return to Forever, il a révolutionné le rôle de la basse notamment avec l’utilisation de la technique slap. Son album emblématique School Days (1976) a établi de nouvelles normes pour les bassistes, alliant virtuosité et créativité. Clarke a influencé de nombreux musiciens et continue d’être une figure incontournable du monde de la Basse.

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Bootsy Collins – 1951

Bootsy Collins, est un bassiste clé dans la création du style funk. Il a commencé sa carrière avec James Brown dans les années 60 avant de rejoindre le collectif Parliament-Funkadelic, où il a contribué à façonner le son funk psychédélique. Avec son jeu de basse innovant et son style flamboyant, Bootsy est souvent cité parmi les meilleurs bassistes de tous les temps et continue d’inspirer de nombreux Bassistes.

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Verdine White – 1951

Verdine White, est le bassiste du  groupe d’Earth, Wind and Fire (EWF). Il est un élément clé du groupe qui a vendu plus de 90 millions d’albums. Reconnu comme l’un des 50 meilleurs bassistes de tous les temps par Rolling Stone, Verdine est célèbre pour ses lignes de basse groovy sur des hits comme « September » et « Boogie Wonderland ». Son style unique et sa présence scénique ont contribué au succès mondial d’EWF, l’un des groupes les plus influents de l’histoire de la musique funk et soul.

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Dee Dee Ramone – 1951/2002

Dee Dee Ramone, était le bassiste et compositeur principal des Ramones. Il a composé plus de la moitié des chansons du groupe et a été un élément clé de leur son punk rock. Dee Dee utilisait exclusivement des coups de médiator vers le bas, créant un son agressif et distinctif. Cette technique nécessitait beaucoup d’endurance et de pratique. Il a défini le standard pour des générations de bassistes punk.

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Francis Rocco Prestia – 1951/2020

Francis Rocco Prestia, était un bassiste américain célèbre pour son travail avec Tower of Power. Reconnu pour son style funk percutant et sa technique unique de ghost note, il a contribué à des morceaux emblématiques comme « What is Hip ». Prestia a  inspiré de nombreux bassistes contemporains. Son jeu de Basse est tout simplement inimitable.

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Tom Hamilton – 1951

Tom Hamilton est un Bassiste américain qu est principalement connu comme le bassiste du groupe de hard rock légendaire Aerosmith, dont il est membre fondateur. Il a co-écrit plusieurs tubes du groupe, notamment « Sweet Emotion » (1975) et « Janie’s Got a Gun ». Il a été intronisé au Rock and Roll Hall of Fame en 2001 avec Aerosmith.

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Bernard Edwards – 1952/1996

Bernard Edwards était un bassiste américain. Co-fondateur du groupe Chic avec Nile Rodgers, il est considéré comme l’un des bassistes les plus influents du funk et de la disco. Reconnu pour ses lignes de basse révolutionnaires dans des tubes comme « Le Freak » et « Good Times », il a également produit et composé pour de nombreux artistes tels que Diana Ross, David Bowie et Sister Sledge. Classé 53ème meilleur bassiste de tous les temps par Bass Player Magazine, Edwards reste une légende de la musique funk des années 70 et 80.

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Jean Jacques Burnel – 1952

Jean-Jacques Burnel est un bassiste franco-britannique. Membre fondateur du groupe punk rock The Stranglers depuis 1974, il est reconnu pour son style de basse unique et sa forte personnalité. Chanteur et compositeur, il a contribué à façonner le son du groupe, mélangeant punk, rock et new wave. En parallèle de sa carrière avec The Stranglers, il a mené des projets solo et collaboré avec plusieurs artistes, dont Jacques Dutronc.

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Geddy Lee – 1953

Geddy Lee, est le bassiste, chanteur et claviériste du célèbre groupe Rush. Musicien polyvalent, il est reconnu pour sa technique de basse complexe et ses capacités vocales uniques. Il a contribué à façonner le son unique de Rush pendant plus de 40 ans. Lee a inspiré de nombreux musiciens, dont Steve Harris d’Iron Maiden et Les Claypool de Primus. Geddy Lee continue d’être une figure influente dans le monde du rock, même après la fin de Rush en 2018.

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Billy Sheehan – 1953

Billy Sheehan est un bassiste américain, surnommé « L’Eddie Van Halen de la basse ». il est célèbre pour ses performances techniques exceptionnelles. Membre des groupes Talas, Mr. Big, The Winery Dogs et ayant collaboré avec David Lee Roth et Steve Vai, il a été élu cinq fois « meilleur bassiste rock » par les lecteurs de Guitar Player Magazine. Virtuose reconnu internationalement, il a sorti son premier album solo Compression en 2001 et continue d’être une référence dans le monde du rock et du hard rock.

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Robbie Shakespeare – 1953/2021

Robbie Shakespeare, est un bassiste jamaïcain qui a profondément influencé le reggae moderne. En tant que membre du duo Sly and Robbie, il a développé des lignes de basse innovantes qui ont redéfini le son du reggae et du dancehall. Connu pour son utilisation créative d’effets électroniques, il a créé des rythmiques emblématiques sur des morceaux tels que Murder She Wrote et Bam Bam. Sa capacité à fusionner des styles et à collaborer avec des artistes variés, allant de Peter Tosh à Madonna, a fait de lui une figure incontournable de la musique jamaïcaine. Son héritage perdure grâce à son impact sur la scène musicale mondiale.

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Nathan Watts – 1954

Nathan Watts est un bassiste américain. Il est principalement connu comme le bassiste et directeur musical de Stevie Wonder. Ayant collaboré avec des artistes comme Michael Jackson, Diana Ross et The Jackson Five, il a remporté l’International Bassist Award en 2010. Virtuose du funk et de la soul, il est considéré comme l’un des bassistes les plus talentueux de sa génération.

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Dominique Bertram – 1954

Dominique Bertram est un bassiste et contrebassiste français. Musicien autodidacte ayant débuté la basse à 14 ans en mai 1968, il a travaillé avec de nombreux artistes français renommés comme Francis Cabrel, Véronique Sanson et Patrick Bruel. Il a également collaboré avec le groupe Magma et a une carrière riche dans les styles jazz et rock. Passionné de musique depuis son adolescence, il a commencé par la guitare classique avant de se tourner vers la basse électrique.

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Nathan East – 1955

Nathan East est un bassiste américain. Considéré comme l’un des bassistes les plus enregistrés de l’histoire avec plus de 2 000 collaborations, il a travaillé avec des légendes comme Eric Clapton, Michael Jackson, Phil Collins et Daft Punk. Membre fondateur du groupe Fourplay, il a co-écrit le hit « Easy Lover » et a été nominé plusieurs fois aux Grammy Awards. En 2014, il sort son premier album solo éponyme, confirmant son statut de musicien de session exceptionnel.

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Alain Caron – 1955

Alain Caron est un bassiste et compositeur québécois, reconnu comme l’un des meilleurs bassistes au monde. Il a co-fondé le groupe de jazz fusion UZEB. Il a également une carrière solo prolifique, ayant sorti plus de 20 disques et collaboré avec de nombreux artistes internationaux. Réputé pour sa virtuosité à la basse, il a reçu plusieurs distinctions, dont 11 prix Félix et deux prix Oscar-Peterson. En plus de sa carrière musicale, il donne des master classes à travers le monde et a été honoré d’un doctorat par l’Université du Québec.

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Mike Porcaro – 1955/2015

Mike Porcaro, était un bassiste américain, surtout connu pour son rôle au sein du groupe Toto à partir de 1982. Surnommé « The Groove Master, » il a popularisé l’utilisation de la basse à cinq cordes, apportant une nouvelle dimension au funk et au rock. Son jeu, caractérisé par des grooves subtils et mélodiques, a été essentiel dans les succès de Toto, notamment sur des titres comme « Africa. » Mike a également coécrit plusieurs chansons du groupe, renforçant ainsi son influence sur leur son. 

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Louis Johnson – 1955/2015

Louis Johnson était le bassiste du groupe The Brothers Johnson. Il était surnommé « Thunder Thumbs » pour sa technique de slap révolutionnaire. Célèbre pour ses collaborations avec Michael Jackson sur les albums Off the Wall et Thriller, il a également travaillé avec des artistes comme Quincy Jones, Stevie Wonder et Aretha Franklin. Considéré comme l’un des 100 meilleurs bassistes de tous les temps par Bass Player Magazine, il a contribué à populariser la technique du slap dans la musique funk et pop.

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Paul Simonon – 1955

Paul Simonon, est un bassiste britannique, connu comme membre fondateur du groupe de punk rock The Clash. Son jeu de basse puissant et minimaliste a marqué des titres emblématiques comme « The Guns of Brixton » de l’album London Calling. Simonon est également connu pour avoir brisé sa basse lors d’un concert à New York en 1979, une image devenue iconique. En plus de la musique, il est artiste peintre. Sa contribution à la musique et à l’art en fait une figure incontournable du rock.

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Steve Harris – 1956

Steve Harris est le bassiste Membre fondateur et principal compositeur d’Iron Maiden. Il a signé environ 80% des compositions du groupe. Reconnu comme l’un des bassistes de heavy metal les plus influents, il est célèbre pour sa technique de jeu unique, appelée le « galop », qu’il réalise avec seulement deux doigts. En 2012, il a lancé son projet solo British Lion, continuant d’explorer sa passion musicale au-delà d’Iron Maiden.

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Peter Hook – 1956

Peter Hook, est un Bassiste anglais, célèbre en tant que bassiste et co-fondateur des groupes Joy Division et New Order. Il est reconnu pour son style distinctif, en jouant des mélodies aigües avec un effet de chorus caractéristique. Cette approche a permis à ses lignes de basse de devenir des éléments centraux dans les compositions du groupe, influençant le son post-punk et new wave des années 1980. Hook a ainsi redéfini le rôle de la basse dans la musique moderne, alliant mélodie et rythme de manière novatrice.

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Bobby Vega – 1956

Bobby Vega est un bassiste américain, spécialisé dans le funk et reconnu pour sa technique unique de jeu au médiator. Ayant débuté sa carrière à 15 ans avec Bo Diddley, il a collaboré avec des légendes comme Sly and the Family Stone, Santana, Tower of Power et Etta James. Musicien polyvalent, il compte plus de 5 000 concerts à son actif.Véritable maître du groove !

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Pino Palladino – 1957

Pino Palladino, est un bassiste britannique de renommée mondiale. Musicien de session polyvalent, il est célèbre pour avoir joué avec The Who après la mort de John Entwistle. Il a collaboré avec de nombreux artistes comme D’Angelo, Paul Young et Nine Inch Nails. Initialement adepte de la basse fretless, il est reconnu pour son style unique mêlant funk, soul et rock. Sa carrière s’étend sur plusieurs décennies, faisant de lui l’un des bassistes les plus respectés et demandés de l’industrie musicale.

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Paul Denman – 1957

Paul Denman, est le bassiste du groupe Sade. Membre fondateur, il a contribué à créer ce son unique mêlant jazz, soul et R&B qui a fait la renommée du groupe. Avec Sade Adu, il a participé à plusieurs albums à succès comme Diamond Life et Promise, remportant notamment un Grammy Award. En parallèle, il a également formé le groupe Sweetback dans les années 90, démontrant sa polyvalence musicale. Ses lignes de Basse sont saluées pour leur élégance et leur groove irrésistible.

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Mark King – 1958

Mark King est un bassiste et chanteur britannique. Fondateur du groupe Level 42, il est mondialement reconnu pour son utilisation de la technique slap à la Basse. Surnommé le « King of Slap », il a contribué à populariser le style funk-pop et a connu un succès international avec des titres comme « Something About You » et « Lessons in Love ». En parallèle de sa carrière avec Level 42, il a également sorti des albums solo et continue d’être actif sur la scène musicale.

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Marcus Miller – 1959

Marcus Miller, né le 14 juin 1959 à Brooklyn, est un bassiste et compositeur américain reconnu dans le monde du jazz fusion. Il a révolutionné la basse avec son style unique, alliant funk et jazz, notamment grâce à des techniques comme le slap et le tapping. Collaborateur de Miles Davis, il a coécrit l’album emblématique Tutu, qui a marqué une nouvelle ère dans la musique. Sa capacité à créer des grooves complexes et à mélanger différents genres a fait de lui une figure influente, redéfinissant le rôle de la basse dans la musique contemporaine.

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Éric Serra – 1959

Eric Serra, est un compositeur et bassiste français renommé. Il est surtout connu pour sa collaboration de longue date avec le réalisateur Luc Besson. Il a composé la musique de la plupart de ses films depuis les années 1980. Il a remporté plusieurs Victoires de la Musique et a été nommé aux Césars. En 1995, il a composé la musique du James Bond « GoldenEye ».

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Adam Clayton – 1960

Adam Clayton est le bassiste du groupe irlandais U2 depuis sa formation en 1976, reconnu pour son jeu sobre et mélodique qui soutient les plus grands succès du groupe comme « New Year’s Day » et « With or Without You ». Né en Angleterre en 1960, il a grandi à Dublin et s’est imposé comme une force discrète mais essentielle dans la musique de U2

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Gail Ann Dorsey – 1962

Gail Ann Dorsey est une bassiste et chanteuse américaine. Elle est surtout connue pour avoir été la bassiste attitrée de David Bowie de 1995 à 2004, participant à des tournées emblématiques comme A Reality Tour. Elle a également collaboré avec Boy George, Tears for Fears, et Lenny Kravitz, se distinguant par son groove puissant et sa polyvalence. Elle a sorti plusieurs albums solo, mélangeant rock, funk et soul. Reconnue pour ses harmonies vocales et son jeu de basse expressif, elle est une figure influente dans le monde de la Basse.

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Flea – 1962

Flea, de son vrai nom Michael Peter Balzary, est un bassiste emblématique qui est surtout connu pour son rôle dans le groupe de rock alternatif Red Hot Chili Peppers, qu’il a cofondé avec Anthony Kiedis en 1983. Flea est reconnu pour son style de jeu unique, mêlant funk, psychédélique et punk, et est classé parmi les meilleurs bassistes de tous les temps par le magazine Rolling Stone. En dehors de la musique, il est également acteur et a joué dans plusieurs films célèbres comme Retour vers le futur et The Big Lebowski

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Robert Trujillo – 1964

Robert Trujillo, est un bassiste américain renommé dans l’univers du heavy metal. Depuis 2003, il est le bassiste du légendaire groupe Metallica. Avant de rejoindre Metallica, Trujillo s’est fait connaître au sein du groupe Suicidal Tendencies (1989-1995) et du projet parallèle funk-metal Infectious Grooves. Il est reconnu pour sa virtuosité et son énergie sur scène. Il considère son rôle dans Metallica comme l’un des plus exigeants de sa carrière. Avec plus de quatre décennies d’activité musicale, Robert Trujillo est une figure incontournable du rock et du métal moderne.

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Meshell Ndegeocello – 1968

Meshell Ndegeocello, est une bassiste et chanteuse américaine, pionnière du neo-soul. Elle est reconnue pour son style unique, mêlant funk, jazz et hip-hop, et a collaboré avec des légendes comme Herbie Hancock et Chaka Khan. Première femme élue « bassiste de l’année » par Bass Player Magazine, elle est lauréate d’un Grammy Award.

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Paul Turner – 1968

Paul Turner est un bassiste, reconnu pour son jeu funk-jazz au sein du groupe Jamiroquai dont il est le bassiste depuis 2005. Il a également collaboré avec de nombreux artistes de renom comme Annie Lennox, Tina Turner, et George Michael, et se distingue par une technique maîtrisée du slap et un groove puissant.

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Tim Commerford – 1968

Tim Commerford est un bassiste qui est principalement connu pour son travail avec les groupes Rage Against the Machine, Audioslave, et Prophets of Rage. Commerford a commencé à jouer de la basse à l’âge de 15 ans, influencé par des artistes comme Sid Vicious et Geddy Lee. Il est reconnu pour son style unique, qui combine des éléments de jazz, hip-hop et rock, et a remporté deux Grammy Awards avec Rage Against the Machine.

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Colin Greenwood – 1969

Colin Greenwood est un bassiste principalement connu pour son travail avec le groupe Radiohead. Il a été influencé par des artistes comme Paul McCartney et les groupes de rock alternatif des années 80. Il est reconnu pour son jeu subtil et mélodique, qui soutient avec finesse les compositions atmosphériques du groupe, en mêlant des influences rock, électronique et expérimentale. Son approche discrète mais essentielle a contribué au succès critique et international de Radiohead.

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Sean Hurley – 1973

Sean Hurley est un bassiste américain de session très recherché, reconnu pour sa précision rythmique et son groove subtil. Il s’est notamment fait connaître en jouant avec Vertical Horizon avant de collaborer régulièrement avec John Mayer, Robin Thicke, et de nombreux artistes majeurs de la pop et du rock.

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Stuart Zender – 1974

Stuart Zender est un bassiste britannique principalement connu pour son travail avec Jamiroquai, où il a joué sur leurs trois premiers albums. Ses lignes de basse innovantes ont contribué à la renommée du groupe. Après avoir quitté Jamiroquai en 1998, Zender a collaboré avec des artistes comme Lauryn Hill et a créé le groupe AZUR. Son style de jeu, caractérisé par un groove intense et des techniques de slap, continue d’inspirer les bassistes à travers le monde.

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Ida Nielsen – 1975

Ida Nielsen, est une bassiste et chanteuse danoise. Elle est célèbre pour avoir été la bassiste de Prince dans les groupes The New Power Generation et 3rdeyegirl. Nielsen a commencé à jouer de la basse à 16 ans et a étudié à la Royal Danish Academy of Music. Elle a sorti plusieurs albums solo et tourne avec son groupe, Ida Nielsen & The Funkbots, proposant un mélange de funk, jazz et R&B. Sa collaboration avec Prince a profondément influencé son style musical, et elle est reconnue comme l’une des meilleures bassistes au monde.

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Christopher Wolstenholme – 1978

Christopher Wolstenholme est le bassiste et chanteur du groupe de rock britannique Muse. Multi-instrumentiste, il joue également de la guitare, des claviers, de la batterie et de l’harmonica. Wolstenholme a rejoint Muse à l’âge de 14 ans, bien qu’il n’ait jamais joué de la basse auparavant. Il est connu pour ses lignes de basse puissantes et complexes, comme dans Hysteria, et a également chanté sur plusieurs chansons du groupe. En 2024, il a lancé un projet solo intitulé Chromes.

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Vincen Garcia – 1983

Vincen García est un bassiste espagnol de jazz et funk, reconnu pour son style moderne et énergique. Autodidacte, il a commencé à jouer de la basse au lycée et s’est rapidement imposé sur la scène internationale. Avec son groupe Funkiwis, il a enregistré trois albums et a collaboré avec des artistes comme Cory Wong et Jesús Molina. Son premier album solo, Ventura, a reçu un accueil positif dans le monde entier. García est également très populaire sur les réseaux sociaux, avec plus de 410 000 followers sur Instagram.

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Michael League – 1984

Michael League est un bassiste, compositeur et producteur américain. Il est Leader et fondateur du groupe instrumental de jazz-fusion Snarky Puppy, il est également à l’origine du projet musical international Bokanté et du label indépendant GroundUP Music. Multi-instrumentiste accompli, il a collaboré avec des artistes de renom tels que David Crosby, Esperanza Spalding, et Salif Keïta.

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Thundercat – 1984

Thundercat est un bassiste et chanteur américain. Il est reconnu pour ses collaborations avec Kendrick Lamar, Flying Lotus et Kamasi Washington. Ancien membre de Suicidal Tendencies, il a remporté plusieurs Grammy Awards, notamment pour son album It Is What It Is en 2021. Thundercat est apprécié pour son style unique qui mélange jazz, funk, soul et R&B.

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Esperanza Spalding – 1984

Esperanza Spalding est une bassiste, contrebassiste, chanteuse et compositrice américaine de jazz, reconnue pour son talent précoce et la fusion innovante de jazz, funk, latin et soul dans ses créations. Elle a été la plus jeune artiste de jazz à remporter un Grammy Award du meilleur nouvel artiste et a notamment joué à la Maison Blanche pour le président Barack Obama.

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Laura Lee – 1986

Laura Lee est une bassiste américaine, membre du groupe Khruangbin. Elle est reconnue pour son jeu groovy et ses influences mêlant funk, soul et musiques du monde. Ancienne professeure de mathématiques, elle s’est imposée grâce à son style unique et ses collaborations avec Leon Bridges.

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Nik West – 1989

Nik West est une bassiste américaine, figure emblématique du funk moderne. Elle a collaboré avec des géants comme Prince, Quincy Jones et Dave Stewart des Eurythmics. Elle a débuté sa carrière dans les années 2000 avec un style funk-rock énergique. Sa polyvalence mêle funk, rock et jazz, faisant d’elle une leader charismatique et une bête de scène influente.

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MonoNeon – 1990

MonoNeon est un bassiste et musicien expérimental américain de Memphis . Il est reconnu pour son style unique, mélangeant jazz, funk et rock, et pour ses collaborations avec des artistes comme Prince, Mac Miller et Ne-Yo. MonoNeon a également travaillé avec Nas sur l’album King’s Disease, pour lequel il a reçu un Grammy Award. Il est célèbre pour ses vidéos virales où il réinterprète des sons de la culture pop à la basse.

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Joe Dart – 1991

Joe Dart est un bassiste américain reconnu pour son travail avec le groupe Vulfpeck, qu’il a cofondé en 2011. Dart a étudié à l’Université du Michigan, où il a rencontré ses futurs collègues de Vulfpeck : Jack Stratton, Theo Katzman et Woody Goss. Avec Vulfpeck, Joe Dart a développé un style funk et pop unique, caractérisé par des lignes de basse percutantes et virtuoses, comme dans le morceau emblématique Dean Town. Il est souvent comparé à des maîtres de la basse comme Bernard Edwards et Jaco Pastorius. 

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Mohini Dey – 1996

Mohini Dey est une bassiste indienne virtuose. Enfant prodige, elle commence la basse à 5 ans et devient professionnelle à 10 ans. Elle collabore avec des artistes comme Zakir Hussain, A.R. Rahman, Steve Vai et Jordan Rudess. Mohini se distingue par son style unique, mêlant jazz fusion, rock et influences carnatiques. Elle est reconnue internationalement pour ses reprises virales et ses performances énergiques.

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Kinga Glyk – 1997

Kinga Głyk est une bassiste de jazz fusion reconnue pour sa virtuosité technique et son style unique. Révélée par une reprise solo de Tears in Heaven d’Eric Clapton, elle a collaboré avec des artistes comme Marcus Miller et Michael League (Snarky Puppy). Ses albums, tels que Dream et Feelings, mélangent jazz, R&B et musiques du monde. Lauréate de plusieurs prix, elle est saluée pour son approche narrative et énergique, confirmant son statut de star montante dans le monde de la Basse.

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Mises à jour régulières …

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Jerry Barnes est  bassiste, compositeur et producteur américain, surtout connu comme étant le bassiste du groupe légendaire Chic, mené par Nile Rodgers. 

Il s’est imposé comme une figure incontournable de la scène funk, soul et pop internationale grâce à son groove, son énergie sur scène et son professionnalisme en studio.

Les Débuts

Né à New York, Jerry Barnes grandit dans un environnement musical. Il commence la basse à l’adolescence vers 15 ans, inspiré par les grands noms du funk et de la soul. 

Dès ses débuts, il se distingue par son sens du rythme et sa capacité à s’intégrer dans différents styles musicaux.

Il a émergé professionnellement avec le duo Juicy, avec sa sœur Katreese Barnes, avec un succès en 1985 sur le titre « Sugar Free ».

Il se fait remarquer dans les années 80 et 90 en tant que musicien de session et membre du duo Alyson Williams & Jerry Barnes. Il fonde également le groupe Ava Cherry & The Streetwise, puis Ava Cherry & The Astronettes, et collabore avec de nombreux artistes de la scène new-yorkaise.

Carrière et Collaborations

En parallèle de ses activités de studio, Jerry Barnes devient un producteur recherché, travaillant avec des artistes comme Chaka Khan, Roberta Flack, Whitney Houston, Aretha Franklin, Bette Midler, Prince, Will Downing, Celine Dion, Diana Ross et David Bowie.

En 1995, il rejoint Nile Rodgers et intègre la formation live de Chic. Après le décès de Bernard Edwards, bassiste fondateur du groupe, Jerry Barnes prend la relève sur scène et en studio, assurant la continuité du son mythique de Chic.

Il participe à de nombreux festivals et tournées mondiales, partageant la scène avec les plus grands noms de la musique funk, disco et pop. 

Il est également co-fondateur du studio Perfect Pair Music à New York, où il produit et enregistre de nombreux artistes.

Son Style

Le jeu de Jerry Barnes est marqué par un groove puissant, une grande précision rythmique et une énergie communicative. 

Il maîtrise aussi bien le slap que le jeu aux doigts, et sait apporter une touche moderne tout en respectant la tradition funk/disco.

Son approche de la basse est très mélodique, tout en restant au service du morceau. Il possède une capacité rare à faire « danser » les lignes de basse, ce qui en fait un héritier naturel du style de Bernard Edwards.

Ses Influences

Bernard Edwards 

James Jamerson 

Larry Graham 

Bootsy Collins 

Marcus Miller

Jaco Pastorius

Technique de « chucking : Jerry Barnes utilise la technique inventée par Bernard Edwards, mais de façon moins extrême pour préserver ses doigts. Il conseille de s’entraîner progressivement à cette technique pour développer des callosités, tout en restant attentif à la douleur et à l’intégrité des ongles.

Positionnement des mains : Il adapte la position de sa main droite selon la sonorité recherchée, alternant entre le jeu aux doigts, le slap et la technique de chucking. Il recommande d’être flexible et de ne pas forcer une technique qui ne convient pas à sa propre physiologie.

Groove et placement rythmique : Pour Jerry Barnes, le plus important est de rester dans le style de Chic, c’est-à-dire de jouer des lignes simples mais très efficaces, en parfaite synchronisation avec la batterie et la guitare. Il insiste sur le fait que le groove doit primer sur la virtuosité pure. Chaque note doit être jouée de façon très nette et bien articulée.

Exemple son Jerry Barnes :

Matos

Il joue principalement sur une basse Atelier Z, inspirée du modèle Fender Jazz, légère et confortable. Il utilise aussi des amplis Ampeg et Aguilar, et accorde une grande importance à la qualité du son sur scène et en studio.

Jerry Barnes Signature d’Atelier Z / Caractéristiques principales :

• Préampli conçu sur mesure pour une large palette sonore
• Micros à haut rendement pour une clarté de signal 
• Design ergonomique pour un confort de jeu optimal
• Ingénierie de précision pensée pour la performance professionnelle
• Développée en collaboration avec Jerry Barnes.

 » J’ai toujours joué sur des Fender Jazz Bass autant que possible, toute ma vie. Et la plupart des gens font leur propre version d’une Fender Jazz, d’une Music Man ou d’une Precision Bass. Quand Johnny Motohashi est venu me voir pour fabriquer une basse, à ce moment-là, ce n’était pas censé être une basse signature. Je lui ai dit : “jusqu’à quel point peux-tu alléger une Fender Jazz sans qu’elle perde son timbre ?” Comme tu le sais, le poids d’une basse influe parfois sur la sonorité et le sustain. Il m’en a fabriqué une – celle que je joue actuellement – et la seule modification que j’ai demandée, c’était d’ajouter des micros bobinés façon années 60, mais placés comme dans les années 70. Et c’est celle que je joue depuis dix ans maintenant ! « 

Jerry Barnes s’est imposé comme l’un des bassistes les plus respectés de la scène funk et pop mondiale. 

Héritier du groove de Bernard Edwards, il perpétue l’esprit de Chic tout en apportant sa touche personnelle, moderne et inspirante.

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L’utilisation d’un compresseur à la basse joue plusieurs rôles dans le traitement du son.

C’est un effet pour Basse qui aide à uniformiser le son, à protéger l’équipement et à améliorer l’expérience sonore globale.

Voici les principales fonctions d’un compresseur pour la basse :

1. Uniformisation de la Dynamique

La compression du signal permet de lisser les variations de volume des notes, en réduisant celui des notes plus fortes. Les signaux faibles restent inchangés tant qu’ils ne dépassent pas le seuil de déclenchement.. Cela aide à créer un son plus cohérent, ce qui est particulièrement utile pour la basse, qui peut avoir des pics de dynamique importants.

2. Amélioration du Groove

En contrôlant les transitoires (les attaques rapides des notes), un compresseur peut ajouter du punch et du sustain, ce qui renforce le groove global du morceau. Cela est particulièrement pertinent lors de jeux techniques comme le slap, où le compresseur peut rendre les notes plus intelligibles et équilibrées.

3. Protection de l’Ampli et des Hauts-Parleurs

En limitant les crêtes de volume, le compresseur protège votre ampli et vos baffles des niveaux excessives qui pourraient les endommager. Cela permet d’augmenter le gain d’entrée sans risquer de distorsion indésirable.

4. Ajout de Caractère

Certains compresseurs ajoutent une coloration au son de la basse, enrichissant ainsi le timbre et la texture. Ça peut être particulièrement utile si la basse a été enregistrée directement (DI) sans la coloration d’un ampli.

5. Réduction des Anomalies Sonores

Le compresseur peut aider à gérer les résonances excessives ou les zones mortes sur certaines cordes ou frettes, rendant ainsi le son plus équilibré et agréable à l’écoute.

Comment Régler un Compresseur pour Basse

Pour tirer le meilleur parti d’un compresseur à la basse, il est important de bien régler les paramètres suivants :

Seuil (Threshold) :

Réglez le seuil pour déterminer à quel niveau le compresseur commence à agir.

Pour la basse, un seuil modéré permet de contrôler les pics sans écraser le son.

Ratio :

Un ratio modéré (3:1 à 6:1) est souvent recommandé pour maintenir une dynamique naturelle tout en contrôlant les pics.

Attack :

Réglez l’attaque pour contrôler la rapidité avec laquelle le compresseur réagit aux signaux. Une attaque rapide (moins de 10 ms) peut aider à contrôler les transitoires, tandis qu’une attaque plus lente (20-30 ms) permet aux attaques initiales des notes de passer, ajoutant du punch au son.

Release :

Le réglage du release détermine combien de temps le compresseur met à relâcher la compression après que le signal soit tombé en dessous du seuil. Un release rapide peut donner un son plus percutant, tandis qu’un release plus lent peut rendre le son plus lisse.

Niveau de Sortie (Output Level) : 

Ajustez le niveau de sortie pour compenser tout gain ou perte causé par la compression. Assurez-vous que le niveau final est équilibré avec les autres instruments dans votre mix.

Conseils Pratiques

• Écoutez attentivement : Si vous entendez clairement le compresseur en action, il est probablement réglé trop fort. L’objectif est d’obtenir une compression transparente qui améliore le son sans être audible.
• Testez en contexte : Écoutez votre son dans le mix avec d’autres instruments pour vous assurer que la compression améliore votre présence sans écraser votre dynamique.
• Écoutez les Transitoires : Ajustez l’attack pour laisser passer l’attaque des notes tout en contrôlant les pics de volume.
• Expérimentez : Chaque basse et chaque style de jeu sont différents. N’hésitez pas à ajuster ces paramètres selon vos besoins spécifiques et votre style musical.

Exemples de différentes compressions appliquées sur une Basse

1- Sans compression 2- compression légère 3- compression plus appuyée 4- compression appuyée – compression très appuyée

Différents types de compresseurs que l’on peut trouver sur le marché :

EBS MultiComp Blues Label

Un compresseur polyvalent qui offre des options de compression analogique et numérique. Il est apprécié pour sa transparence et sa capacité à préserver le caractère de la basse.

Voir sur Woodbrass

Markbass Compressore

Connu pour sa simplicité d’utilisation et son efficacité, ce compresseur permet d’obtenir un son chaud et musical, idéal pour les performances live.

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MXR M87 Bass Compressor

Cette pédale est réputée pour sa large gamme de réglages, permettant un contrôle précis du taux de compression, du seuil et du niveau de sortie. Elle est idéale pour un son moderne et clair.

Voir sur Woodbrass

Darkglass Super Symmetry Compressor

Un compresseur haut de gamme qui offre une compression douce et musicale tout en ajoutant une couleur agréable au son. Il est parfait pour les bassistes cherchant à enrichir leur tonalité.

TC Electronic SpectraComp Bass Compressor

Doté d’un algorithme avancé spécialement conçu pour les fréquences de basse, il permet d’obtenir un son équilibré et cohérent sur toutes les cordes.

Voir sur Woodrass

Origin Effects Cali76

Le Cali76 d’Origin Effects s’inspire du légendaire Urei 1176. Conçu avec une approche audiophile, il offre une clarté exceptionnelle et une dynamique préservée, même sur les signaux les plus subtils. Sa transparence et sa musicalité en font un outil idéal pour les bassistes exigeants qui veulent sculpter leur son sans le dénaturer. Que ce soit pour apporter une subtile cohésion ou un sustain plus chantant, le Cali76 se distingue par sa précision et son incroyable réponse.
C’est d’ailleurs le compresseur que j’utilise personnellement sur mon pedalboard.

Témoignages de Bassistes Célèbres

Marcus Miller

Marcus Miller a souvent parlé de l’importance de la compression dans son son. Il utilise des compresseurs pour contrôler les dynamiques de ses lignes de basse, en particulier lorsqu’il joue des passages qui utilisent la technique slap. Marcus Miller souligne que la compression lui permet de maintenir un son cohérent tout en préservant le punch de ses attaques.

Victor Wooten

Victor Wooten a mentionné dans plusieurs interviews que la compression est un outil essentiel pour obtenir un son propre et équilibré. Il utilise des compresseurs pour gérer les différences de volume entre les notes, ce qui est crucial lorsqu’il joue des motifs complexes ou des solos. Victor Wooten insiste sur le fait que la compression doit être subtile pour ne pas écraser la musicalité.

Pino Palladino

Pino Palladino, connu pour son travail avec des artistes comme John Mayer et D’Angelo, utilise également des compresseurs pour ajouter du sustain à ses lignes de basse. Il apprécie particulièrement les compresseurs qui ajoutent une légère saturation harmonique, ce qui enrichit le timbre de sa basse sans perdre sa clarté.

Flea (Red Hot Chili Peppers)

Flea a souvent parlé de son utilisation de la compression pour obtenir un son percutant et dynamique, dans le contexte du funk-rock. Il utilise des compresseurs pour contrôler les transitoires et donner à sa basse une présence marquée dans le mix, tout en maintenant une certaine flexibilité dans son jeu.

Pour aller plus loin …

Quand on branche un compresseur pour basse dans une chaîne d’effets, il existe plusieurs approches. Le choix dépend souvent du son recherché et de la configuration de votre équipement.

Les différents Positionnements

Au Début de la Chaîne :

Placer le compresseur en début de chaîne est une pratique courante. Cela permet de traiter le signal brut de la basse avant qu’il ne soit modifié par d’autres effets comme les overdrives ou les modulations. Cette position aide à uniformiser le niveau des notes dès le départ, ce qui est particulièrement utile pour maintenir une dynamique cohérente.

À la Fin de la Chaîne :

Certains musiciens préfèrent placer le compresseur à la fin de la chaîne d’effets, surtout si l’on veut que le compresseur agisse sur le signal final après qu’il ait été modifié par d’autres effets. Cela peut aider à lisser les variations de volume globales et à donner un son plus cohérent dans le mix final. Cette approche peut également reproduire une compression naturelle que l’on obtient en poussant un ampli à lampes.

Dans la Boucle d’Effets

Si votre ampli dispose d’une boucle d’effets, vous pouvez également expérimenter en plaçant le compresseur dans cette boucle. Cela permet au compresseur d’agir sur un signal déjà amplifié, ce qui peut donner des résultats différents par rapport à une utilisation en série.

Exemples de Chaînes

Chaîne Classique : Basse → Accordeur → Compresseur → Overdrive → Modulation (Chorus/Flanger) → Ampli

Chaîne avec Boucle d’Effets : Basse → Accordeur → Overdrive → Ampli (en utilisant le canal clair) → Boucle d’Effets (Compresseur) → Ampli

Il n’y a pas de règle stricte concernant la position du compresseur dans une chaîne d’effets pour basse. Il est recommandé d’expérimenter différentes configurations pour trouver celle qui convient le mieux à votre style et à votre son. Tester les différentes positions (début, fin ou boucle) vous permettra de découvrir ce qui fonctionne le mieux pour vous.

Conclusion

La compression est un outil précieux qui peut transformer considérablement le son d’une basse. En ajustant soigneusement vos réglages et en expérimentant avec différents types de compresseurs, vous pouvez découvrir une nouvelle dimension dans votre jeu à la Basse.

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Vincen García est un bassiste espagnol reconnu mondialement pour son excellente technique et sa créativité. 

Il a grandi dans un environnement musical. Sa mère est chanteuse et son père trompettiste.

C’est au lycée qu’il a commencé à jouer de la basse dans le groupe de l’école, découvrant ainsi le monde des basses fréquences.

Vincen Garcia a appris à jouer de la basse de manière entièrement autodidacte, développant rapidement ses compétences grâce à son talent naturel.

Grâce à sa capacité innée, il a rapidement réussi à développer son propre son et à commencer à construire un répertoire de motifs rythmiques de plus en plus complexes.

Cette approche autodidacte a permis à Vincen García de se forger un style unique, moderne , qui l’a propulsé vers une carrière internationale dans le monde du jazz / funk.

Les Débuts

En 2014, il a commencé à tourner avec son groupe principal, Funkiwis, marquant ainsi le début de sa carrière professionnelle.

Funkiwis est un groupe de funk-rock espagnol originaire de Valence, formé en 2012. 

Le groupe est connu pour sa fusion distinctive de rythmes funk et de riffs rock, créant ainsi un son énergique.

Il c’est forgé un style unique basé sur un son moderne et des performances pleines d’énergie.

Il a joué dans divers groupes espagnols et orchestres, notamment dans la comédie musicale « Chiquilla » de Seguridad Social.

Tournée avec Cory Wong

En 2023, Vincen Garcia a participé à la tournée européenne de Cory Wong, ce qui lui a permis de gagner en notoriété. 

Il a été embauché pour cette tournée dans des circonstances inhabituelles. 

Après que le bassiste régulier de Wong, Sonny T, ait dû se retirer, Vincen García a contacté Wong via Instagram pour offrir ses services. 

Cory Wong lui a répondu en lui envoyant une playlist de 50 morceaux, le numéro de téléphone de son tour manager, et en lui demandant de le rejoindre à Stockholm dans deux jours. 

Vincen García a ainsi eu seulement 48 heures pour apprendre l’ensemble du répertoire sans répétition préalable, mais il a réussi à s’intégrer rapidement grâce à son talent et au soutien des autres membres du groupe.

Son Style

Son style de jeu mélange funk, fusion, jazz et hip-hop, tout en jouant des rythmes complexes. 

Il possède une excellente technique et une créativité inépuisable.

Il délivre un son moderne et ses performances sont pleines d’énergie.

Il est considéré comme l’un des bassistes les plus prestigieux de la scène jazz et funk mondiale actuelle.

Ses Influences

Il cite quelques Bassistes qui ont eu une influence sur son jeu :

Victor Wooten, Marcus Miller, Jaco Pastorius et Richard Bona. 

Du côté des Bassistes plus modernes : Junior Braguinha, Michael Pipoquinha, Kinga Glyk et Guille Vadala.

Album Solo

Son album « Ventura » sorti en 2023, a contribué à établir sa réputation comme l’un des bassistes les plus prestigieux de la scène jazz et funk mondiale actuelle.

Lors de la présentation de son album les concerts ont été joués à guichets fermés à Londres, Mexico, Valence et Barcelone.

Ses Basses

Vincen García utilise principalement les modèles de basses suivant :

Yamaha BBP34 :

C’est une basse 4 cordes de la série BB Professional, qu’il utilise notamment dans des finitions comme le « Vintage White » pour ses performances et enregistrements.

Yamaha BBP35 :

C’est une version 5 cordes de la même série, reconnue pour sa polyvalence et sa stabilité sonore.

Django Carbon d’Alusonic :

Il s’agit d’une basse fabriquée sur mesure en aluminium, qu’il joue dans certaines vidéos et qui met en avant son style unique.

Ces instruments reflètent son besoin de polyvalence et de précision pour ses performances funk et jazz fusion.

Présence en Ligne et Popularité

Vincen García est très actif sur les réseaux sociaux, notamment sur Instagram où il partage régulièrement des vidéos de ses performances.

Il compte plus de 410 000 abonnés sur Instagram, ce qui en fait l’un des bassistes les plus suivis sur cette plateforme. 

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Le Binôme

Jouer à la basse avec un batteur est sans doute ce qu’il y a de plus formateur pour un bassiste.

C’est l’étape obligatoire pour réellement commencer à développer son jeu et à faire de la musique !

La mission du binôme Basse / Batterie est de fournir au groupe une fondation rythmique qui doit réunir et porter l’ensemble des autres musiciens.

Pour le bassiste comme pour le batteur, il est important de comprendre le rôle que chacun doit tenir au sein de ce duo afin que le couple fonctionne et que la symbiose tant recherchée soit effective.

Créer l’Osmose

Le tout premier critère à prendre en compte est  la complicité qui doit exister entre les deux musiciens.

Il faut développer de part et d’autre, une sorte de sixième sens basée sur l’observation et l’écoute.

Cela permettra d’anticiper, de prévoir les différents enchainements, nuances à venir, afin d’aller toujours dans la même direction.

Les points de synchronisation.

Dans la plupart des cas, pour que la rythmique basse / Batterie groove, les deux musiciens se mettront d’accord sur le schéma rythmique de base.

La grosse-caisse et les notes graves de la basse fourniront souvent cette base … ce sont les points de synchronisation qui réunissent les deux instruments.

Exemple d’un schéma rythmique  joué par la basse. La grosse-caisse du batteur peut se synchroniser sur cette base rythmique :

Basse/Batterie – 84 Bpm

Batterie – 84 Bpm

Habillage

Ensuite, à tour de rôle l’un des deux éléments du duo pourra enrichir son jeu, le but étant de chercher à tenir un équilibre constant au service du titre.

Quand les deux instruments sont correctement synchronisés, il faut faire une recherche sur les accents et la dynamique.

Pour cela les deux instrumentistes feront tourner la rythmique synchronisée et chercheront à habiller – chacun à sa manière – la rythmique de base.

Parfois on ajoutera une syncope, ou alors un silence, … ne pas perdre de vue que tout cela se fait en restant totalement connecté à son binôme.

Schéma rythmique enrichi par la ligne de basse. Ici, la batterie laissera la basse s’exprimer en adoptant un jeu très peu chargé. Le groove de base est ainsi préservé.

Basse/Batterie – 84 Bpm

Batterie – 84 Bpm 

Autres contextes

Exemple 1 :

Dans l’exemple qui suit, c’est la batterie qui à un jeu plus ouvert que la basse qui reste droite et joue à l’unisson avec la guitare.

A toi de jouer ! 84 Bpm

Exemple 2 :

Une ligne Basse/Batterie signée Flea/Chad Smith qui montre bien la cohésion basse/grosse-caisse.

La grosse caisse marque bien la figure de base tout en tournant autour du motif de basse.

La ligne de basse de Flea :

Ce qui fera la différence !

Planifier régulièrement des répétitions sans le groupe au complet pour travailler avec le batteur.

Ces moments privilégiés aideront énormément à souder le binôme, à la fois humainement et musicalement.

Avec l’expérience, vous allez développer un couple basse / batterie unique qui pourra devenir l’arme secrète de votre groupe.

Pour ceux qui n’ont pas de groupe, pas d’ami batteur : n’attendez pas !

Il est assez facile de se procurer des boucles de batterie pour commencer à travailler dans ce sens.

Mieux, un séquencer te permettra de programmer tes propres rythmiques de batterie et  tu pourras ainsi improviser une rythmique qui collera parfaitement à ce que vous souhaitez.

Si tu peux t’ enregistrer, cela sera un plus valider objectivement  le résultat. 

Le mieux reste cependant  d’avoir un batteur sous la main, et à terme un groupe pour que tout cela prenne sens.

Ecouter le tandem basse/batterie

Important ! Quand tu écoutes de la musique, ne te focalises pas uniquement sur la ligne de basse.

Tout d’abord, essaye de comprendre comment interagit la basse avec la batterie, puis ensuite avec le reste du groupe.

Dans la plupart des cas, la basse et la batterie sont connectés de façon évidente.

Un bon bassiste ne joue jamais une ligne de basse seul dans son coin, en espérant que comme par magie celle-ci colle à la musique qu’il doit accompagner.

Tu veux aller plus loin et apprendre à utiliser la relation entre basse et batterie pour améliorer ton groove, ton placement et ta régularité ? Découvre la formation « Basse Batterie – L’Arme Secrète » et passe progressivement de la compréhension à la pratique.

Quelques exemples de duos Basse/Batterie à écouter :

• Flea et Chad Smith / Red Hot Chili Peppers
• Sting et Stewart Copeland  / Police
• Francis « Rocco » Prestia et Garibaldi / Tower of Power
• Aston Barrett et Carly Barrett / Bob Marley
• Jannick Top et Christian Vander / Magma
• Paul Jackson et Mike Clarke /  The Headhunters
• John Paul Jones et John Bonham / Led Zeppelin
• Anthony Jackson et Steve Gadd / Michel Petrucciani
• Mike Porcaro et Jeff Porcaro / Toto
• Marcus Miller et All Foster / Miles Davis
• Tony Levin et Manu Katché / Peter Gabriel
• Robbie Shakespeare et Sly Dunbar / la terre entière !

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