Willie Weeks est un bassiste américain légendaire, né le 5 août 1947 à Salemburg, en Caroline du Nord.

Très demandé depuis les années 1960, il a collaboré avec des icônes comme Eric Clapton, David Bowie, Stevie Wonder et les Rolling Stones, couvrant rock, soul, R&B et jazz.

Son jeu polyvalent et son sens du groove en font une référence pour les bassistes.

Débuts et influences

Issu d’un milieu rural, Willie Weeks commence la basse électrique au début des années 1960, influencé par la country, le pop et le R&B diffusés à la radio, ainsi que par des maîtres comme James Jamerson, Ron Carter et Ray Brown.

À 12 ans, il forme un groupe gospel où il passe progressivement à la basse, utilisant une Fender Precision Bass standard de l’époque.

Willie Weeks a développé son style en jouant dans plusieurs groupes au début des années 1960.

Ces expériences en live et en enregistrements locaux lui ont permis d’affiner sa précision rythmique et son adaptabilité, essentiels pour le travail en studio.

Avec les Fabulous Amazers, un groupe R&B influencé par la Motown, il a appris à verrouiller des grooves solides.

Chez Gypsy, plus orienté rock et soul, il a exploré des lignes plus dynamiques et des interplay avec guitares, posant les bases de sa polyvalence future.

Moment emblématique

Son solo de basse de plus de 3 minutes sur « Voices Inside (Everything Is Everything) » de l’album Live (1972) de Donny Hathaway est considéré comme une anthologie par les bassistes.

Enregistré avec une Fender Precision Bass 1962 à travers un Ampeg SVT, ce morceau impressionne les rockeurs britanniques et ouvre des portes avec Ronnie Wood, les Stones et George Harrison.

Ce dernier déclare même préférer Willie Weeks à Paul McCartney pour la basse lors d’une conférence en 1974.

Sur sa reconnaissance via le solo Hathaway :  » Où que je sois, quelqu’un me reconnaît grâce à ce solo de basse iconique. Ce n’est pas comparable à la célébrité de Michael Jackson – je ne suis pas assailli par les fans – mais j’ai acquis une certaine notoriété. »

Extrait Solo : Voices Inside

Collaborations majeures

Il a participé à des centaines d’albums et tournées : Stevie Wonder (Innervisions, 1973), David Bowie (Young Americans, 1975), Eric Clapton (Crossroads Guitar Festival 2007, albums Clapton 2010 et Old Sock 2013), les Doobie Brothers, Aretha Franklin, B.B. King et bien d’autres comme Michael McDonald, John Mayer ou Vince Gill. Il apparaît aussi dans Blues Brothers 2000.

Style de Jeu

Willie Weeks est un maître du groove, surnommé « King of Tone & Taste » pour son timing impeccable, sa simplicité musicale et son choix instinctif des notes parfaites.

Il joue fingerstyle avec des cordes à filets plats (flatwounds), privilégiant le placement précis des notes plutôt que la vitesse ou les solos flashy.

Il sait parfaitement jouer « lay back » pour relaxer ou avancer pour driver le groupe.

Sa signature Sonore

Sa couleur / signature sonore est un son chaud et rond, obtenu avec sa Fender Precision vintage (1962), flatwounds.

Il baisse le potentiomètre de volume de la basse à environ 60-80%. Willie Weeks utilise cette astuce pour adoucir l’attaque, obtenir un son plus chaud et rond, moins agressif qu’à volume max.

Pas d’effets : pur DI direct pour clarté studio et punch.

Matos

Willie Weeks est resté fidèle aux basses Fender tout au long de sa carrière, privilégiant des modèles vintage pour leur son chaud et punchy.

Son instrument principal est une Fender Precision Bass de 1962 rouge, utilisée sur des classiques comme Donny Hathaway et Stevie Wonder, avec un son rond via Ampeg SVT.

Il possède aussi une Precision Bass 1958 au manche en érable pour une attaque plus brillante, et une Fender Jazz Bass 1964 pour les lignes jazzy.

Pour les sessions acoustiques ou unplugged, il opte pour une Kay acoustic bass, légère et résonnante.

Avec son groove intemporel et son sens du « tone & taste », Willie Weeks incarne la classe absolue du bassiste de session.

Une légende dont chaque note sert la musique avant tout.

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Deux modèles emblématiques

La Jazz Bass et la Précision Bass restent encore de nos jours les deux Basses les plus influentes de toute l’histoire de la Basse.

C’est Léo Fender qui a conçu ces deux Basses jouées par des millions de Bassistes à travers le monde.

L’histoire débute avec la Précision en 1951, puis plus tard continue avec la Jazz Bass créée en 1960.

En savoir plus

Tous ceux qui ont joué sur les deux modèles, savent que nous avons là des conceptions très différentes en terme de sensation de jeu et de son.

Très souvent, les Bassistes débutants se demandent quelles sont les différences entre ces deux modèles emblématiques de la marque Fender.

Quelles sont les principales différences ?

La Jazz Bass permet d’obtenir plusieurs sons différents alors que la précision délivre un seul type de son.

Avec la Jazz Basse on peut utiliser les deux micros pour obtenir un son classique.

En utilisant uniquement le micro chevalet on obtient plus de médium et de punch

En utilisant uniquement le micro manche on obtient un son qui se rapproche de la Précision.

Quand on souhaite avoir un seul son qui fonctionne pour tout ce que l’on joue, la Précision est parfaite.

À noter que le placement des micros joue un rôle essentiel dans le son d’une Basse.

La Jazz Bass a donc cet avantage de pouvoir changer de son à « la volée » simplement en contrôlant le choix des micros utilisés.

Autre paramètre important :

La largeur de manche d’une Précision Bass se situe entre 41,3 et 44,5mm tandis que celui d’une Jazz Bass est presque toujours de 38mm.

Si vous êtes souvent amené à interpréter des solos de Basse le manche plus fin de la Jazz Bass sera sans aucun doute un avantage pour la plupart des Bassistes.

Alors que quand on recherche un son vintage à souhait, utiliser une Précision montée avec des filets plats sera le Graal !

Comparons les deux sons de Basse

Jeu aux doigts / Jazz Bass – Précision

Jeu au médiator / Jazz Bass – Précision

A choisir si :

Tu joues du rock très fort avec un médiator.

Tu as besoin d’un son vintage super chaud.

Tu aimes un manche assez « épais » et « large ».

Tu peux te satisfaire d’un seul son, mais qui est polyvalent et infaillible.

Tu veux rendre heureux les ingénieurs lors des sessions d’enregistrement.

Quelques Bassistes célèbres qui utilisent un modèle Précision :

James Jamerson

Carol Kaye

Duck Dunn

Sting

Steve Harris

John Deacon

A choisir si :

Tu souhaites avoir à disposition une large gamme d’options de tonalités. 

Tu aimes jouer sur un manche plutôt fin.

Tu aimes ce son clair, profond et grave.

Tu utilises beaucoup la technique SLAP.

Quelques Bassistes célèbres qui utilisent un modèle Jazz Bass :

Jaco Pastorius

Geddy Lee

Marcus Miller

John Paul Jones

Aston Barrett

Jannick Top

Conclusion

La Basse que vous utilisez modifie votre façon de jouer en fonction de son son et des sensations de jeux que vous ressentez en la jouant. 

Un même Bassiste ne jouera donc pas de la même manière, quand il utilisera une Précision ou une Jazz Bass.

Ces deux types de Basse sont incontournables et c’est la raison pour laquelle la plupart des Bassistes professionnels possèdent un modèle de chaque.

Fais moi savoir dans les commentaires quel modèle à ta préférence et si possible pourquoi ?

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Le maître du groove discret

Sean Hurley est un bassiste américain de session, reconnu pour sa précision rythmique et son sens unique du groove. 

Né le 21 septembre 1973 à Pittsfield (Massachusetts), il s’est imposé comme l’un des bassistes les plus demandés de la scène de Los Angeles. 

Depuis 2006, il accompagne régulièrement John Mayer en studio et sur scène, devenant une référence mondiale du bassiste de session moderne.

Biographie et débuts

Sean débute la musique avec le saxophone à l’école primaire, avant de tomber amoureux de la basse à l’âge de 11 ans. 

Rapidement, il joue dans des groupes locaux et des orchestres scolaires. 

À seulement 16 ans, il part en tournée avec le chanteur folk Arlo Guthrie.

Après un court passage au Berklee College of Music, il décide de se lancer pleinement dans une carrière professionnelle. 

Il rejoint tout d’abord le groupe Vertical Horizon, participant à l’album à succès Everything You Want (1999), puis s’installe à Los Angeles en 2000. 

Très vite, il se forge une réputation de bassiste de studio et de tournée incontournable.

Collaborations majeures

Au fil des ans, Sean Hurley a accompagné une impressionnante variété d’artistes. Parmi les plus marquants :

John Mayer, Alanis Morissette, Gwen Stefani, Ringo Starr, Robin Thicke, Michael Bublé, Lizzy McAlpine, Colbie Caillat …ainsi qu’une multitude d’autres stars de la pop, du rock et du R&B.

Mais c’est surtout sa collaboration avec John Mayer qui reste la plus marquante. On peut l’entendre sur les albums Born and Raised, Paradise Valley et Sob Rock, où il combine simplicité et subtilité avec une élégance rare.

Influences et inspirations

Adolescent, Sean se nourrit de rock classique (AC/DC, Rush), avant de découvrir les grands maîtres de la basse : Jaco Pastorius, James Jamerson, Paul McCartney ou encore Billy Sheehan. 

L’écoute de l’album Voodoo de D’Angelo a également été déterminante, notamment grâce au son de Pino Palladino, qu’il considère comme un modèle.

Style de jeu

Sean Hurley est reconnu pour son approche minimaliste et efficace :

– Il privilégie les fondamentales, et sait se mettre au service de la chanson.

– Son groove repose sur une écoute fine des batteurs et une grande précision rythmique.

– Selon les morceaux, il alterne entre lignes posées et lignes plus propulsives.

– Il aime introduire des lignes mélodiques inspirées de Paul McCartney, quand la musique s’y prête.

Comme il le résume lui-même : « J’aime jouer les fondamentales. La simplicité sert souvent mieux la chanson, mais parfois il faut aussi oser sortir du rôle traditionnel. »

Approche et philosophie

Sean se définit avant tout comme un serviteur de la musique.

En studio, il commence par écouter attentivement le morceau, écrire une grille d’accords et avancer avec le producteur.

Sur le plan rythmique, il dit  » chercher à jouer avec la grosse caisse tout en écoutant les subdivisions de la charley, car ce sont elles qui clouent le groove. « 

Sa priorité reste la connexion avec le batteur et l’adaptation à la production pour ne jamais surjouer.

Matériel

Sean Hurley est particulièrement attaché à ses instruments et à leur sonorité.

Basses principales : Fender Precision Bass 1961 (sa basse emblématique, qui a inspiré un modèle Custom Shop signature), Fender Jazz Bass 1969, Lakland 5 cordes.

Autres modèles utilisés : Gibson Les Paul Signature Bass, Kay Pro Bass K162VHS, Guild Starfire IV, Fender American Elite Precision Bass.

Amplis préférés : Ampeg B15 (son favoris pour le studio), Fender Super Bassman Pro 300W, divers cabinets Fender/Ampeg.

Effets clés : Compresseur Origin Effects Cali76, Xotic Bass BB Preamp, fuzz Wren and Cuff Pickle Pie B, overdrive EBS Valve Drive, octaver EBS OctaBass, DI Evil Twin Eclair.

Il utilise souvent un étouffe-cordes (mousse sous les cordes), héritée de la tradition Motown, pour obtenir ce son feutré et précis qui le caractérise.

Le son Sean Hurley

Sean Hurley évoque une notion technique importante au sujet de l’attaque des notes à la basse : en ne frappant pas fort la corde dès le départ, on évite un pic de dynamique initial trop important (un « transitoire » fort), ce qui permet à la note d’avoir du début à la fin une dynamique plus stable et constante.

Ce contrôle donne un son plus homogène, perçu comme plus puissant et « plein » sur toute la durée de la note, contrairement à une attaque forte qui créerait un pic suivi ensuite d’une chute rapide de niveau sonore. Ce paramètre de jeu est d’ailleurs également abordé par de nombreux grands bassistes.

Conclusion

Sean Hurley incarne parfaitement l’archétype du bassiste de session moderne : solide techniquement, adaptable à tous les styles, mais toujours guidé par une philosophie simple – servir la chanson avant tout.

Dans la lignée de Jamerson, McCartney et Pino Palladino, il perpétue un art du groove discret mais essentiel, qui lui vaut d’être considéré parmi les plus grands bassistes de Los Angeles.

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Égalisation de la Basse par Style Musical

Maîtriser l’égalisation de la basse est essentiel. Chaque style musical exige des réglages spécifiques pour que la basse s’intègre parfaitement au mix, soutenant le groove sans dominer les autres instruments.

Ce guide détaille les fréquences clés à booster, couper ou surveiller pour 8 styles populaires, basé sur des pratiques éprouvées en live.

Testez toujours en contexte dans le mix avec les autres instruments, pour ajuster au plus près de ce que demande le projet .

Style Rock

Pour un son de basse rock, sculpter les fréquences pour un punch agressif et une présence mid-forward, avec des graves solides mais contrôlés.

Basses fréquences (30-100 Hz)

Booster autour de 50-80 Hz pour le corps et le punch fondamental, renforçant l’impact avec la grosse caisse.

Couper sous 30-40 Hz pour éliminer le rumble et gagner en clarté.

Bas-médiums (100-400 Hz)

Renforcer légèrement 120-250 Hz pour la chaleur et le poids, évitant la boue en réduisant si conflit avec le kick.

Médiums et hauts (400 Hz+)

Booster 600-900 Hz et 1-2 kHz pour l’attaque, la définition et l’agressivité des notes, essentiel pour percer le mix.

Atténuer au-dessus de 3 kHz pour contrôler la brillance.

Style Funk

Pour un son de basse funk, sculpter les fréquences pour un groove punchy et précis, avec des graves serrés, un creux dans les bas-médiums et une attaque nette.

Basses fréquences (40-100 Hz)

Booster modérément 50-80 Hz pour un fond solide, en coupant sous 40 Hz pour éviter la boue et garder la précision du slap.

Bas-médiums (100-400 Hz)

Creuser autour de 200-300 Hz pour apporter de la clarté et éviter les conflits avec le kick.

Médiums et hauts (800 Hz+)

Renforcer 800 Hz-2 kHz pour l’articulation et le « pop » des cordes, avec un léger boost à 3-5 kHz si slap.

Style Reggae

Pour un son de basse reggae typique, les fréquences à sculpter visent un grave profond et chaleureux, avec une réduction des médiums pour éviter la boue et une légère présence dans les hauts médiums pour l’attaque rythmique.

Basses fréquences (20-100 Hz)

Booster modérément autour de 40-80 Hz pour obtenir la puissance sub et le « groove » reggae profond, sans excès pour éviter le rumble inutile.

Couper en dessous de 30-40 Hz avec un high-pass pour nettoyer les infrasons non reproductibles.

Bas-médiums (100-300 Hz)

Réduire légèrement 150-250 Hz pour plus de clarté et de rondeur, car cette zone peut rendre le son boueux en conflit avec le kick. Cela préserve la chaleur essentielle au reggae tout en laissant de la place aux autres instruments.

Médiums et hauts (300 Hz+)

Atténuer 300-800 Hz pour creuser les médiums et accentuer le « scooped » reggae. Boostez subtilement 1-2 kHz pour l’articulation des notes et l’attaque, et coupez au-dessus de 3-5 kHz si besoin pour enlever la brillance excessive. 

Style Blues

Pour un son de basse blues, surveiller les fréquences qui apportent une chaleur organique et un growl rond, typiques d’une walking bass.

Basses fréquences (40-100 Hz)

Booster autour de 60-80 Hz pour le corps chaleureux et la puissance fondamentale, renforçant le feel shuffle sans excès.

Couper sous 30-40 Hz pour éliminer le rumble et garder la clarté.

Bas-médiums (100-400 Hz)

Renforcer légèrement 120-250 Hz pour le poids et la rondeur, en réduisant si boue autour de 200-300 Hz pour éviter les conflits avec le kick. Cela préserve le ton boisé blues.

Médiums et hauts (400 Hz+)

Booster 600-1 kHz pour le growl et l’articulation des notes, avec un léger cut à 2-4 kHz si trop nasal, en visant un son mat et expressif qui perce sans agressivité.

Style Metal

Pour un son de basse metal, sculpter les fréquences pour un growl agressif et précis, avec des graves puissants mais serrés, une attaque mid-forward et une présence haute pour percer les guitares saturées.

Basses fréquences (30-80 Hz)

Booster fortement autour de 40-60 Hz pour le rumble subsonique et l’impact viscéral, en coupant sous 30 Hz pour contrôler le rumble et aligner avec le kick.

Bas-médiums (80-300 Hz)

Renforcer 80-120 Hz pour le punch et le corps, en creusant agressivement 200-400 Hz pour éviter la boue et laisser respirer la grosse caisse.

Médiums et hauts (500 Hz+)

Booster 700 Hz-1.5 kHz pour le growl mordant et l’articulation, avec un léger pic à 2-5 kHz pour la présence et le claquement des cordes, tout en atténuant au-dessus de 8 kHz si trop agressif.

Style Jazz

Le jazz demande des réglages spéciaux pour obtenir un son rond, précis et acoustique ce qui permet de soutenir les improvisations sans dominer.

Basses fréquences (40-100 Hz)

Booster subtilement 50-80 Hz pour obtenir un son chaleureux, en coupant sous 40 Hz pour une propreté essentielle au walking bass jazz.

Bas-médiums (100-400 Hz)

Renforcer légèrement 150-250 Hz pour le corps boisé, en réduisant autour de 300 Hz si nasillard. On cherche à préserver la rondeur typique d’une contrebasse ou Jazz Bass.

Médiums et hauts (500 Hz+)

Accentuer 800 Hz-2 kHz pour l’articulation et les harmoniques naturelles, avec un cut doux au-dessus de 4 kHz pour éviter la brillance excessive et rester smooth.

Style Pop

Pour un son de basse pop, sculpter les fréquences pour une présence claire et moderne, avec des graves serrés, une attaque punchy et une définition qui perce sur tous les systèmes, typique des productions comme celles de Mark Ronson ou Max Martin.

Basses fréquences (40-100 Hz)

Booster modérément 60-90 Hz pour le poids fondamental et le groove, en coupant sous 40 Hz pour éviter la boue.

Bas-médiums (100-400 Hz)

Renforcer légèrement 120-200 Hz pour le corps, en creusant 250-350 Hz pour la clarté et complémenter le kick sans conflit.

Médiums et hauts (500 Hz+)

Accentuer 800 Hz-2 kHz pour l’articulation et le snap, avec un boost subtil à 3-5 kHz pour la brillance pop, tout en contrôlant le harsh.

Style Chanson

Pour la variété française (comme chez Goldman, Souchon ou Obispo), les réglages basse privilégient un son chaleureux et discret qui soutient la voix sans la noyer, avec un équilibre rond pour les arrangements orchestraux ou rock léger.

Basses fréquences (40-100 Hz)

Booster modérément 50-80 Hz pour une chaleur enveloppante et un groove subtil, en coupant sous 35 Hz pour une propreté du son.

Bas-médiums (100-400 Hz)

Renforcer légèrement 120-220 Hz pour le corps et la rondeur, en creusant 250-350 Hz pour laisser de l’espace à la voix et aux pads/claviers typiques.

Médiums et hauts (500 Hz+)

Accentuer doucement 800 Hz-2 kHz pour l’articulation claire des notes, avec un cut au-dessus de 4 kHz pour un son smooth et non agressif, idéal pour les mixes vocaux français.

Conclusion

Adapter toujours ces réglages au contexte de votre son de groupe.

Commencer par des boosts/cuts modérés (±3-6 dB) pour explorer sans déformer le son source, puis affiner (Test A/B avec bypass EQ).

Dans les commentaires, partage ton EQ préféré pour la basse : quels boosts/cuts utilises-tu et pour quel style musical ? Ton retour inspirera la communauté !

Glossaire

Le « Rumble » désigne les vibrations ou bruits de très basses fréquences (souvent sous 50-60 Hz) qui produisent un grondement sourd, indésirable dans un mix.

Le « Harsh » désigne un son agressif, strident ou irritant pour l’oreille, souvent dû à un excès de fréquences aiguës (typiquement 3-8 kHz) qui rend le timbre fatigant, nasal ou métallique.

Le « Snap » évoque le transient initial d’une note de basse – rapide et incisif – souvent boosté dans les mids (800 Hz-2 kHz) pour faire ressortir l’articulation. En funk ou pop, il rend les lignes rythmiques « vivantes » et énergiques.

Le « Mid-forward » (littéralement « médiums avancés ») décrit une courbe EQ où les mids ressortent par rapport aux graves et aigus, créant un son direct, mordant et proéminent – opposé à « mid-scooped » (creux mids). Cela donne à la basse du punch pour percer guitares ou voix, comme en rock ou metal.

Le « Growl » évoque la vibration harmonique d’un instrument saturé : puissant, texturé et « sale », sans être harsh (strident). En metal ou blues, il rend la basse vivante et incisive, perçant les guitares. 

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Laura Lee Ochoa est née en 1986 à Houston, aux États-Unis.

Elle a d’abord étudié le piano et la guitare durant son enfance.

Sa rencontre avec Mark Speer (guitariste de Khruangbin) en 2007, autour d’une passion commune pour la musique afghane, a été déterminante.

À cette époque, Laura était professeure de mathématiques et avait étudié l’histoire de l’art, se spécialisant dans l’art du Proche-Orient ancien.

C’est En 2009, sur les conseils de Mark Speer, qu’elle se tourne vers la basse. 

Elle raconte que, dès qu’elle a pris une basse en main, tout lui a semblé naturel et évident, comme une révélation musicale.

« Je n’avais jamais vraiment écouté la basse avant, je la ressentais plus que je ne l’entendais. Quand j’ai joué de la basse, tout a eu du sens. Certaines choses viennent naturellement, et la basse, c’était ça pour moi. »

Elle commence alors à apprendre la basse en autodidacte. Elle s’exerce quotidiennement après ses journées d’enseignement. 

Plus tard, Mark Speer l’a invitée à partir en tournée avec le groupe Yppah, qui assurait la première partie de Bonobo en Amérique du Nord.

Cette tournée a été sa première expérience professionnelle sur scène : elle jouait sans ampli, branchée directement dans la sono, partageait des chambres de motel avec le groupe, et vivait la vie de musicienne itinérante.

Khruangbin

À l’issue de sa tournée avec le groupe Yppah, elle exprime à Mark son envie de monter un groupe : c’est ainsi que Khruangbin est né, en 2011, avec l’arrivée du batteur Donald « DJ » Johnson, un ami de Mark issu d’un groupe de gospel local.

Le nom du groupe signifie « avion » ou « machine volante » en thaïlandais, ce qui reflète l’esprit de voyage et de métissage musical qui caractérise leur projet.

Leur musique est principalement instrumentale et difficile à étiqueter.

On y retrouve des influences de soul, funk thaïlandais, dub, rock psychédélique, surf rock, disco iranien, musiques africaines, caribéennes et espagnoles.

Laura Lee décrit son approche de la basse dans Khruangbin comme étant celle d’un moteur qui impulse la dynamique du groupe.

Elle explique que la composition commence toujours par ses lignes de basse, qui posent la base rythmique et mélodique, avant d’être rejointes par la batterie puis la guitare.

Cette approche fait de la basse un élément central et structurant dans la musique du trio.

Parmi leur discographie, l’album le plus connu est généralement considéré comme étant Con Todo El Mundo, sorti en 2018.

Le groupe est nommé « Best New Artist » aux Grammy Awards 2025, preuve de leur percée sur la scène internationale malgré un style atypique et instrumental.

Son Style

Laura Lee s’est imposée comme une bassiste au style unique, caractérisé par des lignes mélodiques et groovy, 

Son approche est très instinctive, privilégiant la mélodie et le groove plutôt que la virtuosité technique

Laura Lee n’a pas suivi de formation académique à la basse, ce qui l’a amenée à développer une technique personnelle. 

Elle joue notamment en associant son annulaire et son auriculaire de la main gauche, une approche qui rappelle la technique Simandl du contrebassiste classique, mais appliquée à la basse électrique.

Elle explique que cette limitation technique la pousse à jouer « différemment », rendant son jeu plus « rebondissant » et mélodique, à l’image de James Jamerson qui jouait avec un seul doigt.

Extrait

Backing Track (Sans Basse)

« Le meilleur conseil que j’ai reçu : Quand tu doutes, enlève des notes. Plus tu deviens bon, plus tu as tendance à jouer beaucoup de notes parce que tu connais la théorie et que tu peux le faire. Mais quand tu enlèves quelques notes, ça sonne tout de suite plus cool et groovy. » 

Ses Influences

Laura Lee cite des influences variées, allant de la soul au funk psychédélique. 

Elle mentionne notamment Bettye Swann, Fontella Bass, Doris Duke et Otis Clay comme sources d’inspiration majeures pour son jeu de basse, qui se distingue par des lignes mélodiques simples mais accrocheuses.

Son approche instinctive et mélodique de la basse est en partie inspirée par James Jamerson, le légendaire bassiste de la Motown.

Ses Basses

Basses principales :

SX Jazz Bass Vintage :

C’est une copie Fender Jazz Bass équipée de micros DiMarzio ultra Jazz. C’est sa Basse principale, offerte par Mark Speer.

Fender Edition Limitée Laura Lee Jazz Bass :

Cette basse est un instrument conçu pour répondre aux choix esthétiques de Laura Lee. Équipée de micros DiMarzio® Ultra Jazz, cette basse offre des graves profonds, des aigus percussifs et des harmoniques riches. Le manche Custom en forme de “U” est surmonté d’une touche en palissandre et de 21 frettes jumbo.

Son parcours atypique, de prof de maths à musicienne internationale, inspire de nombreux fans et Bassistes.

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Avant l’apparition de la basse électrique,

il y avait deux choix possibles pour remplir le rôle de basse :

Utiliser la contrebasse ou le Tuba

Comme nous l’avons vu dans l’article Histoire de la Basse, quand Léo Fender débarqua dans le paysage musical avec sa basse, cela permit de résoudre le problème du volume sonore ainsi que de la clarté et de l’attaque du son.

La basse pouvait maintenant  jouer un nouveau rôle.

L’ instrument n’était plus noyé dans la masse sonore, mais clairement perçue dans le mixage.

Cela permit aux bassistes de se mettre plus en avant.

Sur le modèle Précision de Leo Fender, il n’ y a que deux potentiomètres :

Un potentiomètre pour le volume et un potentiomètre pour la tonalité.

Depuis, les possibilités de choix se sont multipliées :

• Nombre et  types de micros utilisés
• Placement des micros
• Types de cordes
• Electronique active/passive
• Equalisation intégrée à la basse
• Nombre de cordes
• Présence ou absence de frettes
• etc.

Comment le bassiste construit-il sa « signature sonore » ?

La manière dont chaque bassiste règle les éléments mis à sa disposition sur la basse elle même, sur l’ampli, et parfois sur les pédales d’effets, apporte une première réponse à cette question portant sur la construction de son « son » de basse.

1 / Choix de l’équipement : Basse – Ampli – Effets

Une basse ne sonne pas d’une seule manière, puisque sur chaque instrument il y a de nombreuses possibilités de réglage.

De plus, vous l’avez remarqué, aucune basse ne sonne de la même façon. Chaque modèle a un timbre différent.

Le bassiste choisit donc sa basse en fonction de ces différences, et du contexte musical dans lequel il va évoluer.

Ajouter des pédales d’effets au binôme Basse/Ampli.

Crunch, Overdrive, Fuzz, Distorsion, ou Saturation : Le premier effet utilisé à la basse fut la distorsion naturelle des amplificateurs. 

Dans les années 1960, on fabriqua des pédales ayant pour but de générer cet effet, c’est ce que l’on appela : fuzzbox. 

Paul McCartney enregistra « Think For Yourself » en utilisant une pédale de fuzz à la basse pour la première fois.

Compresseur : Cet effet est particulièrement prisé par les « slappeurs », étant donnée la grande amplitude des dynamiques générée par cette technique.

Un compresseur permet d’éviter les pics de volume lors d’attaques trop puissantes en diminuant la dynamique du signal.

Lire l’article complet sur l’effet de compression

Chorus : Il permet d’épaissir le son en lui ajoutant le même signal retardé et légèrement modifié.

Il donne l’impression que deux basses jouent simultanément.

Delay :  Cet effet permet de répèter dans le temps le son d’origine en pouvant agir sur le nombre de répétitions et sur la vitesse de répétitions.

  Jaco Pastorius l’utilisa dans son solo Slang.

Pour le funk, on trouve couramment des bassistes utilisant une pédale wah-wah ou une pédale d’octaver.

Notez qu’ aujourd’hui encore, beaucoup de bassistes n’utilisent pas de pédales d’effets.

2 / Signature Sonore

Comprendre la différence entre le timbre et le son n’est pas évident, et prête souvent à confusion.

• Le Timbre : Définition du timbre :  la qualité particulière du son qui permet d’identifier la source sonore. Pour la basse électrique, différents éléments rentrent en ligne de compte pour la construction du timbre. Il ne faut pas oublier d’y ajouter l’importance de l’équipement lié à l’amplification et les effets. Le timbre dépend donc de l’addition de tous ces éléments.

• Le Son : Le « son » d’un bassiste, n’est pas aussi facile à définir.  Le son est lié à l’instrumentiste, au musicien, et non à l’instrument ou au dispositif instrumental. Tout est dans les mains ! La manière dont le bassiste joue de son instrument, modèle de manière radicale le son de l’instrument. Nous pouvons utiliser ici le terme de «signature sonore».

En résumé :

On commence par choisir les éléments que l’on souhaite mettre en relations (Basse/Ampli/Effets). 

Ces éléments sont choisis en fonction du style de musique pratiqué, mais également de ses envies, de ses attentes et souvent dans les premières années, de copier un bassiste modèle.

On ajoute quelque chose au timbre de son instrument.

Ce n’est pas le « son » de l’instrument qui est imposé au musicien, mais bien l’inverse.

On le crée, le modèle selon notre désir et ce que l’on veut exprimer.

L’importance de la main droite

Souvent négligée dans les premières années de pratique, la façon dont on utilise notre main droite à la basse est déterminante  pour ancrer sa propre signature sonore.  

Les remarques qui suivent sont encore plus flagrantes lorsque l’on enregistre une basse directement dans une carte son sans traitement.

• Les doigts attaquent près du chevalet : Son nasillard – Beaucoup d’attaque – Peu de sustain – Peu de basses fréquences.

• Les doigts attaquent au centre : Bonne équilibre pour le sustain – Basses fréquences bien équilibrées – Bonne équilibre également pour l’ attaque.

• Les doigts attaquent près du manche : Moins d’attaque – Moins de médium – Plus de basse – Plus difficile pour contrôler la dynamique des basses fréquences.

Il y a toute une palette sonore disponible à partir de ces trois positions.

En variant de quelques centimètres on peut obtenir un son très différent de celui obtenu avec la position précédente.

Trouvez les placements précis qui correspondent  au sons que vous aimez.

Autres techniques utilisées pour élargir la palette sonore de l’ instrument :

• Le palme mute : permet d’obtenir un son avec moins de sustain – plus court – plus sourd

• Le médiator : souple ou dure, prenez le temps de bien le choisir.  Variez l’angle d’attaque pour obtenir des sons différents.

• Le slap : technique de jeu qui permet d’obtenir un jeu très percussif. On utilise le pouce pour frapper les cordes et l’index pour tirer les cordes.

Signatures Sonores de quelques grands Bassistes …

Un exemple frappant !

 

Conclusion

 

 

 

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Le Bassiste Francis Rocco Prestia est né en 1951 en Californie et décédé en 2020.

Il est principalement connue pour son association de longue date avec le groupe :

Tower of Power – funk / R & B

Adolescent, il commence par jouer de la guitare électrique puis passe rapidement à la Basse, par manque de Bassiste dans son groupe.

Francis Rocco Prestia dit être très fier d’avoir eu l’occasion de pouvoir développer son style personnel dans un groupe comme Tower of Power.

Beaucoup de gars me disent: « Je connais toutes tes lignes de basse. » Je leur dis : « C’est bien, mais maintenant il faut apprendre tes propres lignes de basse ! » 

Influences

Francis Rocco Prestia fait partie de ces bassistes qui ont contibué à écrire l’histoire de la Basse.

Francis a été influencé par la musique de James Brown, de Sly & The Family Stone, Booker T. and the M.G.’s.

Les bassistes qui ont inspiré Francis sont : James Jamerson, Duck Dunn, Chuck Rainey, Jerry Jemmott, David Hood ou encore Willie Weeks. 

Il a également rencontré Larry Graham, dont l’approche percutante a eu un impact sur lui. 

A noter que de son côté Francis a inspiré un des plus grand bassiste de tous les temps : Jaco Pastorius.

« La réalité c’est que nous sommes ce que nous sommes. Si nous changeons notre façon de jouer, si nous changeons notre approche de la musique, cela ne nous ressemblera plus. »

Son jeu de Basse

Rocco Prestia utilise principalement deux ingrédients pour construire ses lignes de Basse :

Les ghost notes avec des nuances de notes plus ou moins étouffées et le jeu à base de doubles-croches.

Il délivre ainsi un son caractéristique qui rend son jeu inimitable.

Au fil du temps, Francis Prestia a commencé à ajouter des notes et des accents. 

Il s’est rendu compte qu’en produisant un jeu plus percutant et avec des notes staccato, son jeu semblait mieux s’arranger avec le jeu de Dave Garibaldi (Batterie).

Techniquement, la plupart du temps la main gauche utilise le couple index/majeur pour fretter le notes et les deux autres doigts servent à étouffer les cordes.

A propos de sa façon de jouer la Basse : «C’est juste la façon dont je joue. Je n’y ai jamais beaucoup réfléchi. Je n’avais pas réalisé que c’était quelque chose de spécial … les gens ont commencé à réagir. Ce n’était pas une pensée comme « J’essaye de faire ceci » ou « J’essaie de faire ça ». C’est juste ma façon de jouer. »

Jouer des lignes de Basse de Francis Rocco Prestia :

Soul With a Capital’S

South of the Boulevard

Evolution d’un Groove, d’une Rythmique

Rocco mettait l’accent sur l’importance du ressenti avant l’analyse technique : « Je joue en fonction de ce que je ressens, puis seulement après j’analyse la partie. »

Il recommandait de partir de l’ensemble et d’affiner progressivement, tout en restant attentif aux autres musiciens.

Écouter ce qui se passe autour de soi, ne pas gêner, et toujours privilégier le travail du groupe avant les libertés personnelles.

Enfin, il insistait sur la qualité et la rondeur du son : « Je veux un son gros, rond et profond, façon Motown ou Memphis. C’est essentiel, surtout dans un big band, que la basse perce le mix. »

Son Matériel

Durant les années 70 et 80, il a principalement utiliser le modèle Précision de chez Fender.

Il utilise également des modèles de la marque ESP montés avec des micros Seymour Duncan.

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Nik West, est née 1989 à Phoenix, en Arizona.

Elle s’impose comme une figure incontournable du funk contemporain, alliant virtuosité à la basse, voix puissante et présence scénique électrisante.

Son père, guitariste accompli, lui enseigne la guitare rythmique dès ses 13 ans et initie toute la fratrie au chant.

Avec ses sœurs (claviers, batterie, violon, guitare) et son frère aîné, elle forme son premier groupe familial.

Au lycée, inspirée par « Wanna Be Startin’ Somethin‘ » de Michael Jackson, elle se tourne vers la basse, instrument qu’elle considère comme sa vraie passion malgré ses talents vocaux.

Carrière et collaborations

Repérée par Fender, qui lui offre un endorsement pour sa basse 6 cordes, Nik West enchaîne les performances avec des géants : Prince, John Mayer, Macy Gray, Parliament Funkadelic, Dave Stewart (Eurythmics), Quincy Jones, Santana et Larry Graham.

Elle impressionne avec une reprise de « Back in Black » d’AC/DC, conquérant Steven Tyler et Lenny Kravitz, et compose pour ESPN et Disney.

Bootsy Collins à propos de Nik West : « Elle ramène le groove funk et j’adore tout ce qu’elle représente ! »

Style de jeu

Nik West puise ses influences principales chez des maîtres du funk et de la basse : Larry Graham, pionnier du slap avec Sly & the Family Stone, Louis Johnson des Brothers Johnson pour son groove précis et percutant, et Marcus Miller pour sa polyvalence jazz-funk sophistiquée.

Ces racines se traduisent par un style de slap très dynamique, où elle frappe les cordes pour produire des sons explosifs et rebondisants, typiques du funk old-school revisité.

Ses lignes de basse, pulsent avec une régularité cardiaque irrésistible, créant un groove dansant qui fait bouger les foules, comme en témoigne sa reprise funk de « Back in Black » ou ses solos live électrisants.

Matos

Nik West joue principalement des modèles de la série Fender American Ultra.

« La Jazz Bass me donne tout. Je peux emmener cette basse en tournée et en obtenir cinq ou six sons différents. »

A propos de sa signature sonore : « Je veux un son clair, et que l’on entende précisément ce que je joue. Je suis une bassiste qui se place devant, et il est impératif que tout le monde reconnaisse ces notes, que ce soit en solo ou sur le groove. Si votre son n’est pas bon, votre show ne l’est pas, votre attitude non plus.« 

Elle affectionne aussi les basses Kala U- Bass, compactes et portables, idéales en tournée, ainsi que des modèles Warwick ou Music Man pour leurs graves profonds.

Endorsée par Fender et SWR (amplis), elle adapte son équipement à son style dynamique, passant de basses 4 à 6 cordes pour des lignes de basse percutantes et des solos endiablés.

Nommée « l’icône de la basse de cette génération » par Rolling Stone et « la reine des bassistes » par Rolling Stone France, elle fusionne funk, soul et rock avec une énergie contagieuse.

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Jerry Barnes est  bassiste, compositeur et producteur américain, surtout connu comme étant le bassiste du groupe légendaire Chic, mené par Nile Rodgers. 

Il s’est imposé comme une figure incontournable de la scène funk, soul et pop internationale grâce à son groove, son énergie sur scène et son professionnalisme en studio.

Les Débuts

Né à New York, Jerry Barnes grandit dans un environnement musical. Il commence la basse à l’adolescence vers 15 ans, inspiré par les grands noms du funk et de la soul. 

Dès ses débuts, il se distingue par son sens du rythme et sa capacité à s’intégrer dans différents styles musicaux.

Il a émergé professionnellement avec le duo Juicy, avec sa sœur Katreese Barnes, avec un succès en 1985 sur le titre « Sugar Free ».

Il se fait remarquer dans les années 80 et 90 en tant que musicien de session et membre du duo Alyson Williams & Jerry Barnes. Il fonde également le groupe Ava Cherry & The Streetwise, puis Ava Cherry & The Astronettes, et collabore avec de nombreux artistes de la scène new-yorkaise.

Carrière et Collaborations

En parallèle de ses activités de studio, Jerry Barnes devient un producteur recherché, travaillant avec des artistes comme Chaka Khan, Roberta Flack, Whitney Houston, Aretha Franklin, Bette Midler, Prince, Will Downing, Celine Dion, Diana Ross et David Bowie.

En 1995, il rejoint Nile Rodgers et intègre la formation live de Chic. Après le décès de Bernard Edwards, bassiste fondateur du groupe, Jerry Barnes prend la relève sur scène et en studio, assurant la continuité du son mythique de Chic.

Il participe à de nombreux festivals et tournées mondiales, partageant la scène avec les plus grands noms de la musique funk, disco et pop. 

Il est également co-fondateur du studio Perfect Pair Music à New York, où il produit et enregistre de nombreux artistes.

Son Style

Le jeu de Jerry Barnes est marqué par un groove puissant, une grande précision rythmique et une énergie communicative. 

Il maîtrise aussi bien le slap que le jeu aux doigts, et sait apporter une touche moderne tout en respectant la tradition funk/disco.

Son approche de la basse est très mélodique, tout en restant au service du morceau. Il possède une capacité rare à faire « danser » les lignes de basse, ce qui en fait un héritier naturel du style de Bernard Edwards.

Ses Influences

Bernard Edwards 

James Jamerson 

Larry Graham 

Bootsy Collins 

Marcus Miller

Jaco Pastorius

Technique de « chucking : Jerry Barnes utilise la technique inventée par Bernard Edwards, mais de façon moins extrême pour préserver ses doigts. Il conseille de s’entraîner progressivement à cette technique pour développer des callosités, tout en restant attentif à la douleur et à l’intégrité des ongles.

Positionnement des mains : Il adapte la position de sa main droite selon la sonorité recherchée, alternant entre le jeu aux doigts, le slap et la technique de chucking. Il recommande d’être flexible et de ne pas forcer une technique qui ne convient pas à sa propre physiologie.

Groove et placement rythmique : Pour Jerry Barnes, le plus important est de rester dans le style de Chic, c’est-à-dire de jouer des lignes simples mais très efficaces, en parfaite synchronisation avec la batterie et la guitare. Il insiste sur le fait que le groove doit primer sur la virtuosité pure. Chaque note doit être jouée de façon très nette et bien articulée.

Exemple son Jerry Barnes :

Matos

Il joue principalement sur une basse Atelier Z, inspirée du modèle Fender Jazz, légère et confortable. Il utilise aussi des amplis Ampeg et Aguilar, et accorde une grande importance à la qualité du son sur scène et en studio.

Jerry Barnes Signature d’Atelier Z / Caractéristiques principales :

• Préampli conçu sur mesure pour une large palette sonore
• Micros à haut rendement pour une clarté de signal 
• Design ergonomique pour un confort de jeu optimal
• Ingénierie de précision pensée pour la performance professionnelle
• Développée en collaboration avec Jerry Barnes.

 » J’ai toujours joué sur des Fender Jazz Bass autant que possible, toute ma vie. Et la plupart des gens font leur propre version d’une Fender Jazz, d’une Music Man ou d’une Precision Bass. Quand Johnny Motohashi est venu me voir pour fabriquer une basse, à ce moment-là, ce n’était pas censé être une basse signature. Je lui ai dit : “jusqu’à quel point peux-tu alléger une Fender Jazz sans qu’elle perde son timbre ?” Comme tu le sais, le poids d’une basse influe parfois sur la sonorité et le sustain. Il m’en a fabriqué une – celle que je joue actuellement – et la seule modification que j’ai demandée, c’était d’ajouter des micros bobinés façon années 60, mais placés comme dans les années 70. Et c’est celle que je joue depuis dix ans maintenant ! « 

Jerry Barnes s’est imposé comme l’un des bassistes les plus respectés de la scène funk et pop mondiale. 

Héritier du groove de Bernard Edwards, il perpétue l’esprit de Chic tout en apportant sa touche personnelle, moderne et inspirante.

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Errol Holt, alias « Flabba », est un bassiste, chanteur et producteur jamaïcain né en 1950 à Kingston.

Il est surtout connu comme membre fondateur et leader du groupe Roots Radics, pilier du reggae des années 1970-80.

 Il est également le bassiste attitré d’Israel Vibration sur scène et en studio.

« Au début, je jouais de la guitare, mais un jour on m’a mis une basse dans les mains… Je n’ai jamais copié personne, je restais dans ma cour à inventer mon style en me disant : »‘Je vais tuer tous les bassistes de Jamaïque ! »

Autres Artistes : The Morwells, Prince Far I & The Arabs, Yellowman, Triston Palmer, Don Carlos, Johnny Osbourne, Bunny Wailer, et il a produit pour des artistes majeurs comme Gregory Isaacs (notamment l’album Night Nurse), Beres Hammond et Delroy Wilson

Style de Jeu et Son

Approche rythmique : Flabba Holt est célèbre pour ses lignes de basse profondes, simples mais hypnotiques, qui portent la pulsation du reggae roots et du dub. Son jeu est décrit comme « lancinant », « lourd » et « radical », avec un groove mécanique et une grande économie de notes, privilégiant la répétition et l’espace, ce qui laisse respirer la musique.

Technique de jeu : Il joue souvent sur le temps, avec des notes courtes et précises, parfois syncopées. Il accorde une grande importance à la « mise en place » avec la batterie, considérant la basse comme la locomotive du groupe.

Flabba Holt a toujours cherché à développer son propre style, et évite d’imiter d’autres bassistes.
« On m’a dit de jouer comme [Leroy] Sibbles ou Robbie [Shakespeare], ou le gars de la Motown [James Jamerson], mais j’ai toujours voulu sonner comme moi »

Pour Flabba Holt, le bassiste est le fondement du groupe reggae, celui qui donne la direction et la cohésion rythmique.

Il valorise l’originalité, la simplicité et la puissance du groove.

Son approche a contribué à définir le son du reggae roots et du dancehall, en particulier à travers le style « rub-a-dub » des Roots Radics, caractérisé par des basses lourdes et hypnotiques.

Extrait Racial Injustice – Israel Vibration

« Quand tu joues la basse reggae, c’est vraiment une histoire de feeling, de pulsation, d’être calé avec la batterie. C’est la locomotive du groupe. »

Les basses qu’il utilise :

Basse Höfner (type violon), souvent branchée sur un ampli Ampeg SVT (quand il accompagnait Israel Vibration sur scène). Cette combinaison apporte un son très rond et puissant, apprécié pour le reggae roots traditionnel.

Basse Steinberger : Ce modèle à la forme caractéristique sans tête (“headless”) se distingue de ses instruments plus traditionnels comme la Höfner. Ce type de Basse est Apprécié pour sa légèreté et son sustain.

Et aussi : Jazz Bass Fender

Flabba Holt est une légende vivante de la basse reggae, reconnu pour son jeu unique, sa créativité, et son rôle central dans l’évolution du reggae moderne.

Sa philosophie : rester authentique, inventer, et porter la musique par la force du groove.

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