Le groove est probablement l’une des notions les plus importantes à la basse… et pourtant l’une des plus difficiles à expliquer.

On reconnaît assez facilement qu’un bassiste « groove », mais lorsqu’il s’agit d’expliquer précisément pourquoi, les choses deviennent beaucoup plus compliquées.

Le groove ne dépend pas uniquement des notes que vous jouez. Le rythme, le placement, la dynamique, la régularité, le son, l’interaction avec la batterie et surtout l’intention que vous mettez dans votre jeu participent tous à cette sensation particulière.

Deux bassistes peuvent ainsi jouer exactement la même ligne de basse et produire deux sensations complètement différentes.

Alors, qu’est-ce qui fait réellement groover une ligne de basse ? Et surtout, comment développer son propre groove ?

Dans cet article, nous allons voir les principaux éléments qui permettent de construire un groove solide et musical, ainsi que les pistes de travail qui vous permettront de développer progressivement votre propre façon de groover.

Qu’est-ce que le groove à la basse ?

Le groove est une sensation. C’est ce qui donne envie de bouger, de taper du pied ou simplement de se laisser porter par la musique.

À la basse, le groove est particulièrement important car la basse se trouve au croisement de la rythmique et de l’harmonie. Elle participe à la pulsation du morceau tout en établissant une relation très étroite avec la batterie et les autres instruments.

Mais le groove ne consiste pas simplement à jouer « en rythme ».

Un bassiste peut jouer toutes les bonnes notes, respecter le tempo et pourtant produire une ligne qui manque de groove. À l’inverse, une ligne de basse parfois très simple peut immédiatement donner envie de bouger lorsqu’elle est jouée avec le bon placement, la bonne dynamique et la bonne intention.

Le groove naît donc de la combinaison de plusieurs éléments : le timing, le placement rythmique, la régularité, la dynamique, l’articulation, le son et l’interaction avec les autres musiciens.

C’est aussi pour cette raison qu’il est difficile de donner une définition unique du groove. Il ne s’agit pas d’une technique précise que l’on pourrait apprendre puis appliquer systématiquement. Il s’agit plutôt d’une capacité à faire vivre une ligne de basse dans le temps.

Et contrairement à une idée reçue, avoir du groove ne signifie pas nécessairement jouer beaucoup de notes. Une ligne extrêmement simple peut être très groovy si chaque note est parfaitement placée et interprétée.

Le groove commence donc moins par ce que vous jouez que par la manière dont vous le jouez.

Comment développer son groove à la basse ?

Pour mieux comprendre comment se construit le groove, il faut prendre en compte plusieurs éléments ou paramètres essentiels.

Le timing : développer son horloge interne

Un bon timing, ce n’est pas seulement être capable de jouer avec un métronome.

C’est développer une pulsation suffisamment solide pour que le tempo continue d’exister intérieurement, même lorsque le métronome disparaît.

Voici quelques pistes pour travailler votre timing :

Travaillez avec un métronome, en cherchant avant tout la régularité plutôt que la vitesse.

Commencez très lentement. Un tempo lent permet de mieux entendre et contrôler chaque placement.

Jouez une seule note. Vous pouvez ainsi vous concentrer entièrement sur la pulsation, sans être distrait par les déplacements ou les difficultés techniques.

Écoutez attentivement la batterie. Cherchez notamment la relation entre votre ligne de basse et la grosse caisse.

Retirez progressivement le métronome. L’objectif est de développer votre horloge interne et de vérifier que vous êtes capable de conserver la pulsation même lorsque le clic disparaît.

Pour en savoir +

Le placement rythmique : savoir où placer ses notes

Le timing et le placement rythmique sont deux notions étroitement liées, mais elles ne désignent pas exactement la même chose.

Le timing consiste à maintenir une pulsation stable et régulière. Le placement rythmique, quant à lui, concerne l’endroit précis où vous choisissez de placer vos notes par rapport à cette pulsation.

Deux bassistes peuvent jouer exactement la même ligne de basse au même tempo et produire pourtant une sensation très différente.

De manière générale, il existe trois grandes possibilités :

Sur le temps : les notes sont jouées exactement sur la pulsation.

Derrière le temps : les notes sont légèrement retardées. On obtient alors une sensation plus détendue, souvent appelée laid-back.

Devant le temps : les notes sont légèrement anticipées, ce qui crée davantage de tension et d’énergie.

L’objectif n’est pas de jouer systématiquement derrière ou devant le temps. L’important est d’être capable de choisir volontairement votre placement en fonction de l’effet musical recherché.

Un excellent exercice consiste à jouer une ligne de basse très simple, puis à exagérer volontairement ces trois placements. Vous développerez ainsi une meilleure perception du temps et des différentes sensations qu’il est possible de créer.

Plus votre placement rythmique sera maîtrisé, plus vous serez capable d’influencer la sensation de groove produite par votre ligne de basse.

La dynamique : faire vivre la ligne

La dynamique correspond aux différences d’intensité dans votre jeu. À la basse, elle joue un rôle essentiel dans la sensation de groove.

Une ligne de basse peut être parfaitement en place rythmiquement et pourtant manquer de vie si toutes les notes sont jouées avec exactement la même intensité.

Pour faire vivre une ligne, il faut donc apprendre à donner plus ou moins d’importance à certaines notes.

Vous pouvez notamment :

Accentuer certaines notes pour leur donner davantage de poids 

Jouer d’autres notes plus discrètement afin de créer du relief 

Utiliser les silences pour laisser respirer la ligne 

Travailler vos articulations, en jouant certaines notes de manière plus courte ou plus longue 

Varier votre attaque, afin que toutes les notes ne produisent pas exactement la même sensation.

Les ghost notes sont également très intéressantes dans ce travail. Elles permettent notamment d’ajouter une dimension percussive à une ligne de basse et de créer du mouvement sans nécessairement ajouter de nouvelles notes mélodiques.

La dynamique ne consiste donc pas à jouer certaines notes « fort » et d’autres « doucement » au hasard. Il s’agit de donner une intention à chaque note et de créer une hiérarchie dans la ligne de basse.

Écoutez attentivement les grands bassistes : même lorsqu’ils jouent une ligne très simple et répétitive, toutes les notes ne sont généralement pas interprétées de la même manière.

C’est notamment cette capacité à faire varier l’intensité, l’articulation et l’espace entre les notes qui permet à une ligne de basse de respirer et de prendre vie.

Pour en savoir + sur la Technique des notes-mortes

La constance : maintenir le groove

Le groove ne doit pas être présent uniquement pendant deux mesures.

Un bassiste peut avoir un excellent groove sur une courte phrase et perdre progressivement sa stabilité lorsqu’il doit répéter cette même ligne pendant plusieurs minutes. 

Être capable de tenir une ligne de basse dans la durée est donc une véritable compétence.

La constance concerne plusieurs aspects de votre jeu :

Le tempo : votre pulsation doit rester stable 

Le son : votre attaque et votre timbre doivent rester maîtrisés 

L’intensité : évitez que votre jeu devienne progressivement plus faible ou plus fort sans intention musicale 

Le placement : la position de vos notes par rapport au tempo doit rester cohérente 

La qualité des attaques : chaque note doit conserver la même précision, même après plusieurs répétitions.

C’est particulièrement important lorsque la ligne de basse est très répétitive. Jouer quatre mesures correctement est une chose. 

Être capable de les répéter pendant plusieurs minutes sans perdre le tempo, le son, le placement ou l’intentionen est une autre.

Pour travailler cette constance, choisissez une ligne de basse relativement simple et répétez-la suffisamment longtemps pour que la difficulté ne soit plus de mémoriser les notes, mais de maintenir la qualité de votre jeu dans le temps.

Vous pouvez également vous enregistrer. Il est parfois difficile de percevoir soi-même les petites variations de tempo, d’intensité ou de placement qui apparaissent progressivement. Une écoute extérieure permet de repérer beaucoup plus facilement ces fluctuations.

Le véritable défi n’est donc pas seulement de trouver le groove, mais de savoir le tenir.

L’assurance : jouer chaque note avec conviction

Vous pouvez avoir un excellent timing, un bon placement rythmique, une belle dynamique et suffisamment de constance pour tenir une ligne pendant plusieurs minutes. Pourtant, si vous jouez chaque note avec hésitation, le groove peut disparaître.

L’assurance ne signifie pas jouer plus fort, ni chercher à impressionner. Elle consiste simplement à assumer pleinement chaque note que vous jouez.

Lorsque vous connaissez votre ligne de basse, que vous comprenez son rythme et que vous savez précisément où vous souhaitez placer vos notes, votre jeu gagne naturellement en assurance.

À l’inverse, une note jouée avec hésitation, une attaque incertaine ou un changement de doigté effectué au dernier moment peuvent immédiatement faire perdre de la solidité à votre ligne.

C’est notamment pour cette raison qu’il est important de travailler lentement. En prenant le temps de comprendre et de maîtriser chaque passage, vous pourrez ensuite le jouer avec beaucoup plus de confiance lorsque le tempo augmentera.

L’assurance vient également de votre capacité à écouter ce que vous jouez. Ne vous contentez pas de vérifier si vous avez joué les bonnes notes. Écoutez leur son, leur placement, leur intensité et leur relation avec la batterie.

Au final, le groove ne se résume pas à une succession de paramètres techniques. Il y a aussi une part d’intention et d’engagement dans votre manière de jouer.

Il faut jouer chaque note avec le cœur, et avec 110 % de conviction !

Pour développer votre propre groove

Pour développer votre propre groove, sortez régulièrement de votre zone de confort.

Jouez des lignes différentes de celles que vous avez l’habitude de jouer, explorez de nouveaux rythmes, essayez d’autres façons de placer vos notes et restez ouvert à de nouvelles influences.

N’hésitez pas non plus à revenir régulièrement à des lignes très simples. Elles vous permettront de vous concentrer davantage sur votre placement, votre son, votre dynamique et votre interprétation.

Une dernière chose…

Écoutez tous les styles de musique. Soyez curieux !

Le groove ne se trouve pas uniquement dans les musiques que vous aimez déjà. Écoutez du funk, du jazz, du rock, du reggae, de la soul, du hip-hop, du blues, de la musique africaine, de la musique latine…

Vous n’êtes pas obligé d’aimer tous les styles que vous écoutez. Mais chacun peut vous apporter quelque chose.

Écoutez les bassistes, bien sûr, mais aussi les batteurs. Observez leur relation, leur façon de construire la pulsation, de créer des espaces, de jouer avec les accents et de faire évoluer une ligne.

La curiosité nourrit le jeu, et le jeu nourrit le groove.

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Apprends à jouer la ligne de basse de Soul With a Capital ‘S’ de Tower of Power avec une tablature, une partition et des pistes audio à 120 BPM. Ce cours te permet de travailler les doubles-croches, les notes mortes et la précision rythmique du jeu de Rocco Prestia.

Apprends la ligne de basse avec les supports audio

Pour travailler Soul With a Capital ‘S’ de Tower of Power, tu disposes de plusieurs supports :

• La vidéo pour découvrir la ligne de basse et observer son interprétation.
• La basse avec la batterie à 120 BPM pour travailler le groove en situation musicale.
• La batterie seule à 120 BPM pour jouer toi-même la ligne de basse et vérifier ta précision rythmique.
• La partition et la tablature pour retrouver les notes et suivre la structure de la ligne de basse.

Commence par écouter attentivement le morceau, puis travaille la ligne de basse à ton rythme. L’objectif n’est pas seulement d’enchaîner les notes, mais de gagner en précision et en régularité.

Basse – Batterie / 120 Bpm

À toi de jouer ! Batterie / 120 Bpm

Présentation du morceau

Soul With a Capital ‘S’ est un titre du groupe de funk Tower of Power, paru sur l’album T.O.P. en 1993.

À la basse, Francis « Rocco » Prestia propose une ligne particulièrement représentative de son style : un groove dense, précis et très rythmé, qui repose autant sur le placement des notes que sur leur enchaînement.

C’est un excellent morceau pour travailler le jeu funk aux doigts, notamment les doubles-croches, les notes mortes et la régularité de la main droite.

Les difficultés techniques de cette ligne de basse

Cette ligne de basse est représentative du jeu funk de Rocco Prestia. Elle repose sur plusieurs éléments techniques qu’il faut apprendre à maîtriser pour obtenir un groove précis et régulier.

• Les doubles-croches : elles donnent à la ligne de basse sa densité rythmique et demandent une grande régularité dans le jeu.
• Les notes mortes : elles apportent du relief au groove grâce à des sons percussifs, sans hauteur de note clairement définie.
• Les notes courtes : elles doivent être jouées avec précision pour conserver la netteté et le rebond du groove.
• Les notes de passage chromatiques : elles permettent de relier les notes principales et enrichissent le mouvement de la ligne de basse.

L’ensemble demande une bonne coordination de la main droite et un contrôle précis de la durée des notes. Le principal défi est de conserver un débit régulier tout en donnant au groove sa souplesse et son énergie.

Il faut toutefois garder à l’esprit qu’il sera difficile pour la plupart des bassistes de reproduire exactement le groove de Rocco Prestia.

Au-delà des notes et du rythme, son jeu se distingue par une façon très personnelle de muter les notes, c’est-à-dire de contrôler leur durée et de les étouffer avec précision.

Cette maîtrise des notes étouffées contribue directement au rebond, à la netteté et au caractère si particulier de son groove.

Ne te décourage donc pas si ton interprétation ne sonne pas comme l’original : cherche d’abord à obtenir un jeu régulier, des notes courtes et un placement rythmique précis.

Conseils pour jouer la ligne de basse de Soul With a Capital ‘S’

Cette ligne de basse demande de la précision et de l’endurance. Pour la maîtriser, prends le temps de travailler chaque élément séparément avant de chercher à retrouver le groove original.

1. Commence lentement

Même si les pistes sont proposées à 120 BPM, commence à un tempo plus lent. Augmente progressivement la vitesse lorsque tu arrives à jouer la ligne sans perdre en régularité.

2. Alterne l’index et le majeur

La main droite doit rester régulière pour assurer le débit de doubles-croches. Travaille l’alternance index-majeur et veille à ce que les deux doigts produisent un son homogène.

3. Contrôle la durée des notes

Ne te concentre pas uniquement sur les notes à jouer. Apprends aussi à contrôler leur durée et à étouffer les cordes au bon moment. C’est essentiel pour retrouver la netteté et le rebond caractéristiques du jeu de Rocco Prestia.

4. Reste détendu

Évite les tensions inutiles dans la main droite et l’avant-bras. Si tu sens que tu te crispes ou que tu perds en précision, ralentis le tempo et reprends le passage concerné.

5. Travaille avec la batterie seule

Lorsque tu maîtrises la ligne de basse, utilise la piste de batterie à 120 BPM. Tu pourras ainsi vérifier ton placement rythmique et travailler ta régularité sans être guidé par la basse de l’enregistrement.

À toi de jouer !

Soul With a Capital ‘S’ est un excellent exercice pour développer ta précision rythmique, ton contrôle des notes mortes et ta régularité à la main droite.

Ne cherche pas à reproduire immédiatement toute la finesse du jeu de Rocco Prestia. Commence par maîtriser la ligne de basse, puis concentre-toi progressivement sur les nuances, les notes étouffées et le placement rythmique qui donnent à ce groove toute sa personnalité.

Le secret : travailler lentement, rester détendu et privilégier la précision plutôt que la vitesse.

Tu veux apprendre ce morceau en détail ?

Retrouve Soul With a Capital ‘S’ dans Session Basse en Ligne – Vol. 2 (Intermédiaire / Avancé) pour approfondir son apprentissage et travailler cette ligne de basse de façon plus complète.

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Le Binôme

Jouer à la basse avec un batteur est sans doute ce qu’il y a de plus formateur pour un bassiste.

C’est l’étape obligatoire pour réellement commencer à développer son jeu et à faire de la musique !

La mission du binôme Basse / Batterie est de fournir au groupe une fondation rythmique qui doit réunir et porter l’ensemble des autres musiciens.

Pour le bassiste comme pour le batteur, il est important de comprendre le rôle que chacun doit tenir au sein de ce duo afin que le couple fonctionne et que la symbiose tant recherchée soit effective.

Créer l’Osmose

Le tout premier critère à prendre en compte est  la complicité qui doit exister entre les deux musiciens.

Il faut développer de part et d’autre, une sorte de sixième sens basée sur l’observation et l’écoute.

Cela permettra d’anticiper, de prévoir les différents enchainements, nuances à venir, afin d’aller toujours dans la même direction.

Les points de synchronisation.

Dans la plupart des cas, pour que la rythmique basse / Batterie groove, les deux musiciens se mettront d’accord sur le schéma rythmique de base.

La grosse-caisse et les notes graves de la basse fourniront souvent cette base … ce sont les points de synchronisation qui réunissent les deux instruments.

Exemple d’un schéma rythmique  joué par la basse. La grosse-caisse du batteur peut se synchroniser sur cette base rythmique :

Basse/Batterie – 84 Bpm

Batterie – 84 Bpm

Habillage

Ensuite, à tour de rôle l’un des deux éléments du duo pourra enrichir son jeu, le but étant de chercher à tenir un équilibre constant au service du titre.

Quand les deux instruments sont correctement synchronisés, il faut faire une recherche sur les accents et la dynamique.

Pour cela les deux instrumentistes feront tourner la rythmique synchronisée et chercheront à habiller – chacun à sa manière – la rythmique de base.

Parfois on ajoutera une syncope, ou alors un silence, … ne pas perdre de vue que tout cela se fait en restant totalement connecté à son binôme.

Schéma rythmique enrichi par la ligne de basse. Ici, la batterie laissera la basse s’exprimer en adoptant un jeu très peu chargé. Le groove de base est ainsi préservé.

Basse/Batterie – 84 Bpm

Batterie – 84 Bpm 

Autres contextes

Exemple 1 :

Dans l’exemple qui suit, c’est la batterie qui à un jeu plus ouvert que la basse qui reste droite et joue à l’unisson avec la guitare.

A toi de jouer ! 84 Bpm

Exemple 2 :

Une ligne Basse/Batterie signée Flea/Chad Smith qui montre bien la cohésion basse/grosse-caisse.

La grosse caisse marque bien la figure de base tout en tournant autour du motif de basse.

La ligne de basse de Flea :

Ce qui fera la différence !

Planifier régulièrement des répétitions sans le groupe au complet pour travailler avec le batteur.

Ces moments privilégiés aideront énormément à souder le binôme, à la fois humainement et musicalement.

Avec l’expérience, vous allez développer un couple basse / batterie unique qui pourra devenir l’arme secrète de votre groupe.

Pour ceux qui n’ont pas de groupe, pas d’ami batteur : n’attendez pas !

Il est assez facile de se procurer des boucles de batterie pour commencer à travailler dans ce sens.

Mieux, un séquencer te permettra de programmer tes propres rythmiques de batterie et  tu pourras ainsi improviser une rythmique qui collera parfaitement à ce que vous souhaitez.

Si tu peux t’ enregistrer, cela sera un plus valider objectivement  le résultat. 

Le mieux reste cependant  d’avoir un batteur sous la main, et à terme un groupe pour que tout cela prenne sens.

Ecouter le tandem basse/batterie

Important ! Quand tu écoutes de la musique, ne te focalises pas uniquement sur la ligne de basse.

Tout d’abord, essaye de comprendre comment interagit la basse avec la batterie, puis ensuite avec le reste du groupe.

Dans la plupart des cas, la basse et la batterie sont connectés de façon évidente.

Un bon bassiste ne joue jamais une ligne de basse seul dans son coin, en espérant que comme par magie celle-ci colle à la musique qu’il doit accompagner.

Tu veux aller plus loin et apprendre à utiliser la relation entre basse et batterie pour améliorer ton groove, ton placement et ta régularité ? Découvre la formation « Basse Batterie – L’Arme Secrète » et passe progressivement de la compréhension à la pratique.

Quelques exemples de duos Basse/Batterie à écouter :

• Flea et Chad Smith / Red Hot Chili Peppers
• Sting et Stewart Copeland  / Police
• Francis « Rocco » Prestia et Garibaldi / Tower of Power
• Aston Barrett et Carly Barrett / Bob Marley
• Jannick Top et Christian Vander / Magma
• Paul Jackson et Mike Clarke /  The Headhunters
• John Paul Jones et John Bonham / Led Zeppelin
• Anthony Jackson et Steve Gadd / Michel Petrucciani
• Mike Porcaro et Jeff Porcaro / Toto
• Marcus Miller et All Foster / Miles Davis
• Tony Levin et Manu Katché / Peter Gabriel
• Robbie Shakespeare et Sly Dunbar / la terre entière !

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C’est une qualité fondamentale pour un bassiste. Elle permet de jouer avec davantage de régularité, de mieux s’intégrer à la batterie et aux autres musiciens, et de construire un groove solide.

Mais précision rythmique et groove ne sont pas exactement la même chose.

Un bassiste peut être parfaitement régulier, suivre une pulsation avec précision et pourtant manquer de groove. À l’inverse, un bassiste peut avoir un groove intéressant tout en étant parfois instable dans le tempo.

L’objectif est donc de développer les deux : une bonne précision rythmique pour être solide dans le temps, et un bon groove pour donner du mouvement et de la personnalité à son jeu.

Pourquoi travailler la mesure en 4/4 ?

La mesure en 4/4 est un excellent point de départ pour développer sa précision rythmique. Elle permet de travailler la sensation de la pulsation, la durée d’une mesure et la capacité à se repérer dans un cycle régulier.

Avant de chercher à jouer des rythmes complexes ou des fills élaborés, il est donc utile de savoir sentir et maintenir une mesure simple sans dépendre constamment du métronome.

C’est précisément ce que les exercices suivants vont te permettre de travailler.

Le métronome : un outil pour développer sa pulsation intérieure

Le métronome est indispensable pour travailler la précision rythmique, mais son utilisation ne doit pas se limiter à jouer une note sur chaque clic.

Si le métronome marque constamment tous les temps, il peut parfois devenir une béquille : on suit le clic sans réellement développer sa propre sensation du tempo.

Pour développer une véritable pulsation intérieure, il faut progressivement apprendre à maintenir le tempo même lorsque le métronome intervient moins souvent.

C’est l’objectif des exercices que je te propose dans cet article.

Exercice 1 : placer le métronome sur les contretemps

Dans cet exercice, le métronome marque uniquement les contretemps, tandis que ton pied continue de marquer chaque temps.

L’objectif est de ne plus dépendre du clic sur chaque temps, mais de maintenir intérieurement la pulsation tout en utilisant le métronome comme un repère.

Cet exercice permet également de mieux ressentir la relation entre la pulsation et la charley du batteur, qui joue souvent un rôle essentiel dans la perception du rythme.

Voici un exemple audio basé sur une ligne de basse du talentueux Stuart Zender :

Métronome sur les contretemps – 85 Bpm

Pour commencer, joue une figure rythmique simple, comme dans l’exemple audio ci-dessous.

L’objectif est de rester parfaitement régulier tout en maintenant intérieurement la pulsation, malgré le fait que le métronome ne marque que les contretemps.

La basse joue 8 croches par mesure et le métronome joue les contretemps à 85 bpm.

Exercice 2 : placer le métronome sur les temps 2 et 4

Dans ce deuxième exercice, le métronome marque uniquement les temps 2 et 4, tandis que ton pied continue de marquer les temps 1 et 3.

Tu peux ainsi travailler ta capacité à maintenir la pulsation intérieure tout en utilisant le métronome comme un repère partiel.

Cet exercice permet également de mieux ressentir le rôle de la caisse claire, qui marque traditionnellement les temps 2 et 4 dans de nombreux grooves.

Ligne de basse de Stuart Zender avec le métronome sur les temps 2 et 4 :

La basse joue 8 croches par mesure et le métronome joue les temps 2 et 4 à 85 bpm.

Comme pour le premier exercice, commence par une ligne de basse simple que tu maîtrises parfaitement. Ton attention doit pouvoir se concentrer sur la pulsation et le placement rythmique, plutôt que sur les difficultés techniques de la ligne.

Une fois l’exercice maîtrisé à ce tempo, tu peux progressivement augmenter la difficulté ou réduire les repères donnés par le métronome.

Pour aller plus loin

Il existe de nombreuses façons de travailler sa pulsation intérieure. Une étape supplémentaire consiste par exemple à ne faire entendre au métronome que le premier temps de chaque mesure.

Plus le nombre de repères diminue, plus tu dois être capable de maintenir intérieurement la pulsation et de retrouver précisément le début de chaque mesure.

Basse en Ligne sur YouTube

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Rencontre avec la Basse et invention du slap

Il a commencé à travailler la musique avec sa mère (pianiste) quand il avait 15 ans. 

Il jouait dans un club ou il y avait un orgue avec pédalier. 

Il avait pris l’habitude de jouer sa partie de guitare plus les basses au pied. 

Mais un jour l’orgue est tombé en panne. 

Il a donc loué une basse pour jouer le bas du spectre en attendant que l’orgue soit réparé. 

L’orgue ne fût jamais réparé … il resta donc à jouer la basse. 

C’est donc par accident que Larry se retrouve à jouer la basse. 

Ensuite la formation se réduisit juste piano basse. Larry commenca à cogner sur les cordes pour compenser le manque de rythmique batterie. 

De cette façon, Il inventa la technique du slap, qui inspira et inspire encore de nombreux bassistes.

Tout jeune, Graham accompagne John Lee Hooker ou Jimmy Reed.

Ça ne m’intéressait pas de jouer de la bonne manière, parce que dans ma tête, la basse, c’était du temporaire.

Sly & The Family Stone

En 1968, il débute sa carrière au sein du célèbre groupe de funk psychédélique,  Sly & the Family Stone.

On les retrouve à Woodstock en 1969. C’est sans réaliser l’ampleur de la foule que le groupe débuta son concert : il faisait nuit.

Au premier break, un rugissement incroyable : un demi-million de personnes applaudissent !

C’est indescriptible, ça change ta vie. Tu te sens plus fort que jamais.

Le même soir Larry se fait un nouvel  admirateur en la personne de Jimmy Hendrix.

Le guitariste lui propose de faire un « boeuf », mais Sly très possessif, lui interdit.

Par la suite le climat se dégrada au sein de la Family Stone … jusqu’à ce soir de 1972 où Graham et sa femme sautent par la fenêtre d’un hôtel pour ne plus jamais revenir.

Graham Central Station

En 1973, Larry Graham fonde le groupe Graham Central Station.

Le bassiste endosse le lead vocal et déchaîne sa basse. Ecoutez la fantastique ligne de basse du titre Hair pour goûter à son groove.

Poussé par un élan d’énergie surpuissant, le groupe dévaste tout  sur son passage !

La rencontre avec Prince

A propos de sa relation avec Prince : «  Nous avions les mêmes goûts et ressentions les émotions au même moment. »

C’est au milieu des années 90, que pour la première fois, Larry Graham joua sur scène avec Prince, qui avait demandé au gardien du temple funk de se joindre à son groupe.

Au final, Larry restera durant toute la tournée.

Après chaque concert ils passaient la nuit à discuter ensemble … Ils deviendront ainsi les meilleurs amis du monde.

Prince à propos de Larry : «Ce qui était dingue, c’est qu’il connaissait tous mes codes. Où que j’aille, il suivait, comme s’il avait fait partie de mon groupe pendant des années. J’étais abasourdi.»

Son matériel

Basse de la marque Moon  – Type Jazz-bass fabriqué au Japon

Il nomme sa quatre cordes : Sunshine

Il nomme sa cinq cordes : Moonshine

Effets : Fuzz & Phaser

Son jeu

Sa technique de slap est toute en puissance.

Son pouce frappe les cordes d’une façon particulière – en buté sur la corde inférieure.

Pour ces solos, il couple souvent  un effet Fuzz et un effet Phaser. Le son et le phrasé obtenu rappel souvent le style du guitariste Jimi Hendrix.

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A toi de jouer cette ligne de Basse : The Chamber de Lenny Kravit

Le titre « The Chamber » est paru en 2014 dans le dixième album studio de Lenny Kravitz : Strut. 

Lenny Kravitz fait partie de ces artistes à part entière qui jouent eux même tous les instruments qu’ils enregistrent, c’est à dire voix, batterie, guitare, basse. 

Durant cette tournée, c’est la talentueuse Gail Ann Dorsey qui tient la basse sur scène.

Voici une analyse de cette partie de basse :

La ligne de basse est construite sur une structure de 8 mesures qui se répètent en boucle.

Cette répétition crée un groove constant et entraînant qui soutient l’ensemble du morceau.

Le rythme de la basse est à la fois simple et percutant. 

Cette efficacité rythmique est typique du style funk-rock de Kravitz, créant une base solide pour les autres instruments et la voix.

La partie de basse principale est développée dans le pont du morceau, ce qui montre une évolution intéressante de la ligne tout en maintenant la cohérence du groove.

Le son de la basse s’inscrit dans la production globale de l’album « Strut », qui est  moderne avec des éléments vintage.

La basse a un son à la fois punchy et chaleureux, caractéristique du style de Kravitz.

Bien que Lenny Kravitz ait joué lui-même la basse sur l’enregistrement studio,c’est la talentueuse Gail Ann Dorsey qui interprète cette partie en live lors des tournées.

« The Chamber » est un exemple de l’approche de Kravitz en matière de composition : simple mais efficace, avec un groove puissant qui soutient l’ensemble du morceau.

Gail Ann Dorsey / Lenny Kravitz

Gail Ann Dorsey, célèbre bassiste et chanteuse, a collaboré avec Lenny Kravitz lors de sa tournée européenne « Raise Vibration » en 2018. 

Cette collaboration est intervenue après sa longue et fructueuse période de travail avec David Bowie, qui a duré près de vingt ans.

Elle considère que son rôle auprès de Kravitz est complémentaire et de soutien, adaptant ses lignes de basse pour convenir parfaitement à l’interprétation du chanteur.

Bien que la musique de Kravitz soit différente de celle de Bowie, Gail Ann Dorsey applique les mêmes bases musicales dans son approche. 

Sa polyvalence et sa capacité à s’adapter à différents styles musicaux, acquises au cours de sa carrière variée, lui permettent de s’intégrer parfaitement dans le style rock et funk de Lenny Kravitz

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Basse en Ligne Youtube

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Cold Sweat

James Brown

A vous de jouer ! Piste Batterie + Rythmique – 112 Bpm

En 1967, James Brown enregistre le titre Cold Sweat.

Ce morceau, qui remporte un vif succès commercial, est considéré comme le titre qui donne naissance au style Funk.

Dans ce morceau, tout est rythme !

Un seul accord hypnotique est joué sur le couplet.

Le bassiste Bernard Odum et le batteur Clyde Stubblefield, nous livrent ici une rythmique coulée dans le béton. 

La ligne de basse de Bernard Odum est considérée comme la première ligne de basse funk.

Le nouveau son de James Brown, va atteindre son apothéose entre 1969 et 1974.

Un son brut, sans fioritures, un chant appuyant la pulsation rythmique de l’ensemble, une basse syncopée mise en avant dans le mix et une batterie aux rythmes complexes et accrocheurs…

Le funk est en route ! L’omniprésence rythmique de Cold Sweat fascine par son riff obsédant qui se répète pendant plus de sept minutes1.

Autres lignes de basse  de James Brown sur Basse en Ligne :

Papa’s got a brand new bag

Soul Power

Give it up or Turnit a Loose

En savoir plus sur Bernard Odum

Bernard Odum (10 juin 1932 – 17 août 2004) était un bassiste américain connu pour avoir joué dans le groupe de James Brown dans les années 1960.

 Il a commencé à jouer avec James Brown en 1956 et est devenu un membre à temps plein du groupe de JamesBrown en 1958. 

Bernard Odum a joué sur des succès tels que « Papa’s Got A Brand New Bag » (1965), « I Got You (I Feel Good) » (1965), et « Cold Sweat » (1967). 

En 1969, Odum et la plupart des autres musiciens du groupe de James Brown l’ont quitté en raison d’un différend salarial et d’autres problèmes, ce qui a incité Brown à créer un nouveau groupe d’accompagnement, The J.B.’s. 

Concernant le matériel utilisé, il a joué une Fender Precision Bass de 1956, avec des cordes à fil plat, pendant la plus grande partie de sa carrière.

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La minute nécessaire ? C’est pour ceux qui veulent apprendre rapidement une ligne de basse ! Root Down

Root Down

Rock Candy Funk Party

Basse-Batterie /  102 Bpm

A toi de jouer ! Batterie / 102 Bpm

Le titre Root Down a été enregistré en 2013 sur l’album We Want Groove du groupe Rock Candy Funk Party.

Le concept de l’ album :

Une dizaine de jours en studio.

Rien n’est écrit au préalable, tout est improvisé et composé sur place.

A la basse,  c’est Mike Merritt (fils du bassiste de Art Blakey and the Jazz Messengers) qui contribue à faire tourner l’ensemble d’une façon très efficace. Peu de notes mais une partie de basse extrêmement groovy !

C’est vraiment agréable à faire tourner à la basse … addictif !

Très belle performance pour la production de cette jam instrumentale. Du funk rock parfait, puissant.

Rock Candy Funk Party nous propose ici un mélange du groove de Prince et du funk de James Brown !

Une belle alchimie et un groove  communicatif !

A toi de jouer… Bon Groove !!

Le riff de Base

Jouer aussi dans le même style :

Give it up or Turnit a Loose – James Brown

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En savoir +

Mike Merritt est né en 1955 aux Etats-unis. Mike a été influencé et guidé par son père, le bassiste jazz Jymie Merritt. Après avoir joué dans un groupe de Jazz appelé Forerunners / Nuclei, il a joué avec le bluesman Johnny Copeland jusqu’en 1989. Depuis il a joué avec de nombreux artistes : Popa Chubby, Chubby Checker, Bruce Springsteen, …
Il est membre de The Basic Cable Band, présenté dans l’émission-débat de fin de soirée «Conan», qui est diffusée en semaine à 23 h sur TBS.

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She Caught the Katy

Blues Brothers

Le titre She Caught the Katy (and Left Me a Mule to Ride) est devenu un pilier du répertoire blues, notamment grâce à la version emblématique des Blues Brothers qui ouvre le film de 1980.

Écrit à l’origine par Taj Mahal et James Rachell en 1968, ce morceau illustre parfaitement l’art de Donald « Duck » Dunn, bassiste légendaire du label Stax, dont le jeu sur ce titre est une véritable leçon de groove et de dynamique.

Une empreinte rythmique unique

La ligne de basse enregistrée par « Duck » Dunn sur cette version est souvent citée comme l’une de ses meilleures lignes de Basse, alliant simplicité apparente et force brute.

Sa performance se caractérise par une attaque franche et puissante de la main droite, qui donne au morceau cette impulsion vitale et ce « son sale » si caractéristique du blues traditionnel, tout en restant ancrée dans la précision exemplaire qui a fait sa renommée.

L’approche technique de « Duck » Dunn

Technique main droite : 

Il était célèbre pour son utilisation des cordes à filets plats (flatwounds), notamment les LaBella, qui offraient ce sustain court et cette profondeur sonore unique. Son attaque vigoureuse, très incisif, permettait de faire ressortir des accents marqués et des syncopes qui propulsent le morceau.

Fondations et nuances : 

Au-delà de la puissance, sa ligne de basse repose sur un mélange intelligent de notes courtes (staccato) et de notes tenues, entrecoupées de glissés (slides).

Instrument : 

Bien qu’il ait utilisé plusieurs instruments au cours de sa carrière, notamment sa fidèle Precision Bass de 1959, sa présence sur les enregistrements des Blues Brothers avec ce modèle iconique a largement contribué à définir le son « P-Bass » classique dans la culture populaire.

Cette ligne de Basse, revitalise le genre en offrant une assise dynamique qui permet aux cuivres et à la voix de s’exprimer pleinement, confirmant le statut de « Duck » Dunn comme l’un des architectes les plus influents du groove moderne.

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La minute nécessaire ? C’est pour ceux qui veulent apprendre rapidement une ligne de basse ! If i like it do it

If I Like It I Do It

Jamiroquai

Basse-Batterie /  109 Bpm

A vous de jouer ! Batterie / 109 Bpm

Enregistré à Londres durant l’hiver 1992/1993, l’album « Emergency on planet earth » sort et bouscule la planète entière.  

Cet album est listé dans les 1001 albums qu’il faut avoir entendu avant de mourir.

Ce morceau est une véritable tuerie ! Stuart Zender nous livre ici une ligne de basse ultra groggy !

Tout y est ! Rythmiquement c’est très syncopé avec une utilisation de figures de notes à base de doubles-croches et harmoniquement c’est également très riche, très mélodique.

Cette ligne de basse se suffit amplement à elle même.

Testez ce groove juste avec  une voix et une percussion du type tambourin et vous serez surpris du résultat.

Pour en savoir plus sur ce bassiste :  Stuart Zender … le groove avant tout !

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Basse en Ligne sur Youtube

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