Le meilleur morceau de basse à travailler n’est pas forcément le plus simple. Il doit être adapté à ton niveau actuel, tout en te permettant de progresser.

Pour choisir un morceau adapté, il faut donc tenir compte de plusieurs éléments : la vitesse, le rythme, les déplacements sur le manche, les techniques utilisées et la difficulté d’interprétation.

Voici quelques repères pour choisir tes morceaux en fonction de ton niveau.

Tu débutes la basse

Privilégie des lignes de basse relativement simples, avec peu de déplacements sur le manche et un rythme que tu peux reproduire sans difficulté.

À ce stade, ton objectif est surtout de parvenir à :

• Jouer les bonnes notes
• Rester en rythme
• Garder une pulsation régulière
• Jouer la ligne du début à la fin sans t’arrêter

Une ligne simple est déjà un excellent exercice si tu arrives à la jouer proprement, régulièrement et avec un bon son.

Tu as un niveau intermédiaire

Tu peux commencer à choisir des lignes comportant davantage de déplacements, de syncopes, de variations rythmiques ou de difficultés techniques.

Tu peux alors porter davantage ton attention sur :

• Le placement rythmique
• Les articulations
• Les nuances
• Les changements de position
• L’interaction avec la batterie et les autres instruments

Tu as un niveau avancé

Tu peux t’attaquer à des lignes qui demandent une excellente maîtrise technique et rythmique, mais aussi une véritable capacité d’interprétation.

Une ligne avancée n’est d’ailleurs pas forcément rapide.

Sa difficulté peut venir du placement, des articulations, des nuances, des déplacements sur le manche ou de la précision nécessaire pour reproduire le jeu du bassiste original.

Qu’est-ce qui rend une ligne de basse difficile ?

La difficulté d’une ligne de basse ne dépend pas uniquement du nombre de notes ou de sa vitesse.

Une ligne composée de quelques notes peut être difficile à jouer correctement si elle demande un placement rythmique précis, un groove particulier ou une interprétation très maîtrisée.

À l’inverse, une ligne rapide peut parfois être plus facile qu’elle n’en a l’air si son rythme et son doigté sont réguliers.

Le meilleur morceau pour progresser est donc celui qui te met légèrement en difficulté, sans être complètement hors de portée.

Comment les morceaux sont-ils classés ?

Les 150+ morceaux de cette sélection, sont répartis selon trois niveaux : débutant, intermédiaire et avancé.

Cette classification reste indicative. 

La difficulté d’une ligne de basse dépend de nombreux facteurs : sa vitesse, son rythme, les déplacements sur le manche, les techniques utilisées, mais aussi le niveau d’interprétation nécessaire pour la faire réellement sonner.

Un morceau classé « débutant » peut donc parfaitement rester intéressant pour un bassiste intermédiaire ou avancé. 

À l’inverse, un bassiste peut être capable de jouer une partie d’un morceau avancé sans être encore capable d’en reproduire toutes les subtilités.

Pourquoi continuer à jouer des morceaux faciles quand on progresse ?

Ce n’est pas parce que vous avez atteint un niveau intermédiaire ou avancé que vous devez abandonner les morceaux plus simples.

Au contraire, revenir régulièrement à des lignes de basse accessibles peut être un excellent moyen de progresser.

Une ligne simple vous permet de porter davantage votre attention sur la manière dont vous la jouez, et pas uniquement sur les notes à jouer.

Pour le plaisir

La première raison est tout simplement le plaisir.

Vous aimez particulièrement une ligne de basse ? Vous avez envie de jouer un morceau même s’il est considéré comme facile ? Alors jouez-le !

Il n’y a aucune raison de délaisser un morceau simplement parce que vous êtes capable de jouer des lignes plus difficiles.

Pour améliorer votre interprétation

Ce n’est pas parce qu’une ligne de basse est simple rythmiquement, harmoniquement ou techniquement qu’il est facile de bien l’interpréter.

J’entends régulièrement des bassistes jouer des lignes de basse dites « simples » avec beaucoup de difficultés à les rendre réellement convaincantes. Pourtant, ils possèdent toutes les connaissances techniques nécessaires pour les jouer.

La difficulté ne se trouve alors plus dans les notes elles-mêmes, mais dans le placement, les articulations, les nuances, le son, la régularité et le groove.

Une ligne simple est donc un excellent terrain de travail pour améliorer votre interprétation.

Pour développer un jeu de basse conscient

Plus une ligne est simple, plus vous pouvez vous concentrer sur ce que vous êtes réellement en train de jouer.

Vous pouvez par exemple porter votre attention sur :

Le placement rythmique 

Les intervalles entre les notes 

Les articulations 

Les nuances 

Les silences 

Le son 

Votre interaction avec la batterie.

Le simple fait de parfaitement comprendre ce que vous jouez et pourquoi vous le jouez va très clairement s’entendre dans votre interprétation.

C’est ce que j’appelle développer un jeu de basse « conscient ».

Pour préparer les morceaux plus difficiles

Jouer des morceaux simples ne signifie pas non plus qu’il faut rester dans sa zone de confort.

Vous pouvez régulièrement vous essayer à des morceaux situés au-dessus de votre niveau. Dans ce cas, inutile de chercher immédiatement à jouer le morceau en entier.

Choisissez plutôt un passage court, ralentissez-le fortement et cherchez à comprendre précisément ce que vous jouez : rythme, notes, doigté, déplacements sur le manche, articulations…

Vous pouvez ainsi travailler une difficulté nouvelle sans vous retrouver confronté à l’ensemble des difficultés du morceau.

L’idéal est donc d’alterner les deux approches : revenir à des lignes simples pour perfectionner votre jeu, et vous confronter progressivement à des lignes plus difficiles pour continuer à repousser vos limites.

Voici maintenant ma sélection de plus de 150 morceaux de basse, classés en trois niveaux : débutant, intermédiaire et avancé.

Niveau Débutant

Niveau Intermédiaire

Niveau Avancé

Pour conclure :

Le classement des morceaux par niveau est avant tout un point de départ. Le morceau qui te fera le plus progresser est celui qui correspond à ton niveau tout en te permettant de travailler une nouvelle difficulté.

Tu peux donc commencer par une ligne relativement simple, puis progressivement t’intéresser à son placement, ses articulations, ses nuances, son son et son groove.

Et surtout, ne cherche pas uniquement à jouer les bonnes notes. Écoute attentivement le bassiste original et cherche à comprendre pourquoi et comment il joue chaque note.

C’est aussi comme cela que tu transformes un simple morceau en véritable outil de progression.

Article similaire : Comment un Bassiste construit-il son « son » ?

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Tu débutes la basse et tu ne sais pas par où commencer ?

Pour débuter la basse, il n’est pas nécessaire de tout apprendre en même temps. Les premières étapes consistent à maîtriser la tenue de l’instrument, le jeu en butée, les premières notes, le rythme et progressivement la dextérité.

Le plus efficace est de progresser étape par étape, en maîtrisant les bases avant d’ajouter de nouvelles difficultés.

Je te propose donc une progression simple en 5 cours gratuits, conçue pour te guider pas à pas :

1. Accorder correctement sa basse
2. Apprendre le jeu en butée
3. Jouer ses premières notes et sa première gamme
4. Travailler le rythme avec les croches
5. Développer sa dextérité

Chaque étape prépare la suivante.

Tu peux suivre les cinq cours dans l’ordre et avancer à ton rythme.

Cours n°1 – Accorder sa Basse

Apprends à accorder ta basse simplement avant de commencer à jouer.

Cours n°2 – Le jeu en butée

Apprends à utiliser le jeu en buté pour jouer tes premières notes avec précision.

Cours n°3 – Ma première gamme

Découvre ta première gamme et apprends à la jouer simplement.

Cours n°4 – Le Jeu en croches

Apprends à jouer en croches et développe ta régularité rythmique.

Cours n°5 – Dextérité

Développe la souplesse et la précision de tes doigts pour jouer plus facilement.

Tu veux poursuivre ta progression ?

Ces 5 cours t’ont permis de poser les premières bases.
Si tu souhaites maintenant suivre un parcours complet et progressif pour continuer à développer ton jeu, découvre Basse Intégrale – Niveau Débutant.

FAQ

Faut-il déjà savoir jouer de la musique pour commencer la basse ?

Non. Ces cours sont conçus pour les débutants absolus. Tu peux commencer la basse même si tu pars complètement de zéro.

Faut-il connaître le solfège pour commencer la basse ?

Non, il n’est pas nécessaire de connaître le solfège pour débuter la basse.

Tu peux apprendre tes premières notes, travailler ton rythme et commencer à jouer sans connaître la théorie musicale.

En revanche, apprendre progressivement à lire et comprendre le rythme peut devenir un véritable avantage pour gagner en précision.

Quel matériel faut-il pour débuter ?

Pour commencer, il te faut simplement une basse, un ampli ou un casque adapté, ainsi qu’un accordeur. Un accordeur gratuit sur smartphone peut parfaitement convenir.

Combien de temps faut-il pratiquer ?

Pour commencer, vise 15 à 20 minutes de pratique, 4 à 5 fois par semaine.

Pas besoin de passer des heures avec ta basse. Ce qui compte surtout, c’est de pratiquer régulièrement.

Il vaut mieux jouer 20 minutes plusieurs fois dans la semaine que faire une seule séance de 2 heures le dimanche.

En répétant régulièrement les mêmes gestes et les mêmes exercices, tu donnes à ton cerveau le temps de les mémoriser et de les rendre progressivement plus naturels.

La régularité est donc plus importante que la durée de chaque séance.

Que faire si je bloque sur un exercice ?

Ne cherche pas immédiatement à aller plus vite.

Reprends la leçon précédente, ralentis le tempo et répète l’exercice tranquillement.

Lorsque tu te sens plus à l’aise, reprends progressivement la suite du programme.

Jouer lentement et régulièrement permet de construire des bases solides avant d’augmenter la difficulté.

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Des formations structurées pour progresser réellement à la basse.

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Chaque programme se concentre sur un objectif précis : travailler un style, développer une technique, améliorer ton groove, apprendre à construire tes propres lignes de basse ou approfondir tes connaissances musicales.

Tu avances à ton rythme grâce à des vidéos, des exercices et des ressources complémentaires, avec une approche directement inspirée de la pratique de la basse, de la scène, du studio et de l’enseignement.

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Willie Weeks est un bassiste américain légendaire, né le 5 août 1947 à Salemburg, en Caroline du Nord.

Très demandé depuis les années 1960, il a collaboré avec des icônes comme Eric Clapton, David Bowie, Stevie Wonder et les Rolling Stones, couvrant rock, soul, R&B et jazz.

Son jeu polyvalent et son sens du groove en font une référence pour les bassistes.

Débuts et influences

Issu d’un milieu rural, Willie Weeks commence la basse électrique au début des années 1960, influencé par la country, le pop et le R&B diffusés à la radio, ainsi que par des maîtres comme James Jamerson, Ron Carter et Ray Brown.

À 12 ans, il forme un groupe gospel où il passe progressivement à la basse, utilisant une Fender Precision Bass standard de l’époque.

Willie Weeks a développé son style en jouant dans plusieurs groupes au début des années 1960.

Ces expériences en live et en enregistrements locaux lui ont permis d’affiner sa précision rythmique et son adaptabilité, essentiels pour le travail en studio.

Avec les Fabulous Amazers, un groupe R&B influencé par la Motown, il a appris à verrouiller des grooves solides.

Chez Gypsy, plus orienté rock et soul, il a exploré des lignes plus dynamiques et des interplay avec guitares, posant les bases de sa polyvalence future.

Moment emblématique

Son solo de basse de plus de 3 minutes sur « Voices Inside (Everything Is Everything) » de l’album Live (1972) de Donny Hathaway est considéré comme une anthologie par les bassistes.

Enregistré avec une Fender Precision Bass 1962 à travers un Ampeg SVT, ce morceau impressionne les rockeurs britanniques et ouvre des portes avec Ronnie Wood, les Stones et George Harrison.

Ce dernier déclare même préférer Willie Weeks à Paul McCartney pour la basse lors d’une conférence en 1974.

Sur sa reconnaissance via le solo Hathaway :  » Où que je sois, quelqu’un me reconnaît grâce à ce solo de basse iconique. Ce n’est pas comparable à la célébrité de Michael Jackson – je ne suis pas assailli par les fans – mais j’ai acquis une certaine notoriété. »

Extrait Solo : Voices Inside

Collaborations majeures

Il a participé à des centaines d’albums et tournées : Stevie Wonder (Innervisions, 1973), David Bowie (Young Americans, 1975), Eric Clapton (Crossroads Guitar Festival 2007, albums Clapton 2010 et Old Sock 2013), les Doobie Brothers, Aretha Franklin, B.B. King et bien d’autres comme Michael McDonald, John Mayer ou Vince Gill. Il apparaît aussi dans Blues Brothers 2000.

Style de Jeu

Willie Weeks est un maître du groove, surnommé « King of Tone & Taste » pour son timing impeccable, sa simplicité musicale et son choix instinctif des notes parfaites.

Il joue fingerstyle avec des cordes à filets plats (flatwounds), privilégiant le placement précis des notes plutôt que la vitesse ou les solos flashy.

Il sait parfaitement jouer « lay back » pour relaxer ou avancer pour driver le groupe.

Sa signature Sonore

Sa couleur / signature sonore est un son chaud et rond, obtenu avec sa Fender Precision vintage (1962), flatwounds.

Il baisse le potentiomètre de volume de la basse à environ 60-80%. Willie Weeks utilise cette astuce pour adoucir l’attaque, obtenir un son plus chaud et rond, moins agressif qu’à volume max.

Pas d’effets : pur DI direct pour clarté studio et punch.

Matos

Willie Weeks est resté fidèle aux basses Fender tout au long de sa carrière, privilégiant des modèles vintage pour leur son chaud et punchy.

Son instrument principal est une Fender Precision Bass de 1962 rouge, utilisée sur des classiques comme Donny Hathaway et Stevie Wonder, avec un son rond via Ampeg SVT.

Il possède aussi une Precision Bass 1958 au manche en érable pour une attaque plus brillante, et une Fender Jazz Bass 1964 pour les lignes jazzy.

Pour les sessions acoustiques ou unplugged, il opte pour une Kay acoustic bass, légère et résonnante.

Avec son groove intemporel et son sens du « tone & taste », Willie Weeks incarne la classe absolue du bassiste de session.

Une légende dont chaque note sert la musique avant tout.

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Un intervalle est la distance qui sépare deux notes. Comprendre les intervalles permet au bassiste de mieux comprendre les accords, de construire des lignes de basse et de choisir les notes qui vont créer de la stabilité, de la tension ou du mouvement.

En pratique, les intervalles permettent notamment de comprendre la relation entre la fondamentale, les notes de l’accord et les notes utilisées pour créer des lignes mélodiques ou des transitions.

Les accords majeurs, mineurs et dominants sont notamment de bons contextes pour comprendre le rôle des différents intervalles.

Toutes les notes n’ont pas le même effet sur un accord. Une même note peut être très stable dans un contexte et créer davantage de tension dans un autre.

Le but du travail des intervalles n’est donc pas simplement de mémoriser des distances entre les notes, mais d’apprendre à entendre leur couleur et à comprendre comment les utiliser dans une ligne de basse.

Les intervalles simples

Un intervalle est dit simple lorsqu’il est inférieur ou égal à l’octave. Au-delà de l’octave, on parle d’intervalle composé.

Voici les principaux intervalles que tout bassiste peut apprendre à reconnaître et à utiliser :

• la fondamentale
• la seconde
• la tierce
• la quarte
• la quinte
• la sixte
• la septième

La Fondamentale

La fondamentale est la note qui donne son nom à l’accord. Elle joue un rôle essentiel dans le travail du bassiste, car elle constitue généralement le principal point de référence de la ligne de basse.

Jouer la fondamentale permet d’établir clairement la base harmonique et de donner une forte sensation de stabilité.

C’est souvent à partir d’elle que l’on comprend les autres intervalles : par exemple, depuis Do, Ré est une seconde, Mi une tierce, Fa une quarte et Sol une quinte.

Pour construire une ligne de basse, la fondamentale constitue donc un point de départ essentiel, mais elle n’est pas la seule note disponible.

La Seconde

La seconde correspond à la distance entre deux notes séparées d’un ton ou d’un demi-ton.

Depuis Do :

• Ré est une seconde majeure
• Ré♭ est une seconde mineure. Do♯ se trouve sur la même case de la basse et produit le même son, mais porte un autre nom dans l’analyse théorique : c’est un unisson augmenté.

À la basse, les secondes sont particulièrement intéressantes pour créer du mouvement, des notes de passage et des déplacements mélodiques. La seconde mineure peut notamment produire une tension forte, tandis que la seconde majeure offre généralement un mouvement plus ouvert.

La seconde prend donc tout son intérêt lorsqu’elle est utilisée dans le contexte d’une ligne de basse plutôt que comme une note isolée.

Exemples à partir de la note Do :

Pour aller plus loin :

Tout ce qu’un Bassiste doit savoir sur l’intervalle de seconde

La Tierce

La tierce joue un rôle central dans la définition de la couleur d’un accord.

La tierce majeure contribue notamment à caractériser les accords majeurs, tandis que la tierce mineure caractérise les accords mineurs.

Depuis Do :

• Mi est une tierce majeure
• Mi♭ est une tierce mineure

Pour un bassiste, savoir reconnaître et entendre la différence entre ces deux intervalles permet de mieux comprendre l’harmonie et de choisir des notes qui mettent en valeur la qualité de l’accord.

La tierce peut également apporter une dimension plus mélodique à une ligne de basse, notamment lorsqu’elle est associée à la fondamentale et à la quinte.

Exemples à partir de la note Do :

Pour aller plus loin :

Tout ce qu’un Bassiste doit savoir sur l’intervalle de Tierce

La Quarte

La quarte juste correspond à une distance de cinq demi-tons.

Depuis Do, Fa est une quarte juste.

La quarte peut être utilisée comme note de passage, comme élément mélodique ou dans différents contextes harmoniques. Elle peut également créer une tension particulière lorsqu’elle est jouée en même temps que la tierce d’un accord.

Selon le contexte, on rencontre également la quarte augmentée et la quarte diminuée, qui correspondent à des intervalles différents sur le plan harmonique.

À la basse, il est surtout intéressant de développer l’écoute de la quarte et de comprendre comment elle s’intègre dans une ligne plutôt que de considérer l’intervalle comme intrinsèquement consonant ou dissonant.

Exemples à partir de la note Do :

La Quinte

La quinte juste est l’un des intervalles les plus utilisés par les bassistes.

Depuis Do, Sol est une quinte juste.

Elle renforce la relation avec la fondamentale et apporte généralement une sensation de stabilité. L’association fondamentale-quinte constitue ainsi une base très efficace pour construire des lignes de basse simples, solides et orientées vers le groove.

La quinte est particulièrement présente dans de nombreux styles de musique, du rock à la pop en passant par le funk, la soul et la musique country.

La quinte peut également être diminuée ou augmentée, ce qui modifie considérablement sa couleur et son rôle harmonique.

Exemples à partir de la note Do :

Pour aller plus loin :

Tout ce qu’un Bassiste doit savoir sur l’intervalle de Quinte

La Sixte

La sixte peut être majeure ou mineure.

Depuis Do :

• La est une sixte majeure
• La♭ est une sixte mineure

À la basse, la sixte apporte généralement une couleur plus mélodique que la fondamentale ou la quinte. Elle peut notamment être utilisée pour enrichir une ligne, créer des déplacements mélodiques et développer certaines sonorités caractéristiques du funk, de la soul, du blues ou des approches pentatoniques.

La sixte majeure est notamment utilisée dans la gamme pentatonique majeure et dans certains contextes modaux, comme le mode dorien.

Comme pour les autres intervalles, son effet dépend cependant du contexte harmonique et des notes qui l’entourent.

Exemples à partir de la note Do :

La Septième

La septième peut être majeure ou mineure.

Depuis Do :

• Si est une septième majeure
• Si♭ est une septième mineure

La septième est particulièrement importante dans la compréhension des accords de septième. La septième mineure, par exemple, fait partie de la structure caractéristique d’un accord dominant 7 et d’un accord mineur 7.

À la basse, elle peut également servir à enrichir une ligne, à créer une tension ou à construire un fill.

Son intérêt dépend beaucoup du contexte harmonique : une septième ne produit pas la même sensation selon l’accord joué et la manière dont elle est utilisée dans la ligne de basse.

Exemples à partir de la note Do :

Comment utiliser les intervalles pour construire une ligne de basse ?

Connaître les intervalles ne consiste pas seulement à savoir les nommer : il faut aussi comprendre leur fonction dans une ligne de basse.

Pour construire une ligne de basse, on peut commencer par la fondamentale, puis utiliser la quinte pour renforcer la stabilité de l’accord et la tierce pour en préciser la couleur majeure ou mineure.

Les autres intervalles peuvent ensuite servir à créer davantage de mouvement :

• les secondes peuvent relier deux notes
• les tierces peuvent apporter une dimension mélodique et préciser la qualité de l’accord
• les quartes peuvent fonctionner comme notes de passage ou créer certaines tensions
• les sixtes peuvent enrichir la ligne mélodiquement
• les septièmes peuvent apporter de la tension et caractériser certains accords

Il n’existe donc pas d’intervalle « bon » ou « mauvais » dans l’absolu. Son effet dépend du contexte harmonique, de la durée de la note, de son placement rythmique et des notes qui l’entourent.

Comment travailler les intervalles à la basse ?

Une bonne manière de travailler les intervalles consiste d’abord à les jouer depuis une même fondamentale, puis à apprendre à reconnaître leur couleur à l’oreille.

Par exemple, à partir de Do, vous pouvez jouer successivement :

Do → Ré → Mi → Fa → Sol → La → Si

puis revenir vers Do en essayant d’identifier chaque intervalle avant de le jouer.

Vous pouvez ensuite intégrer ces intervalles dans de petites lignes de basse, des grooves ou des exercices de création de fills.

L’objectif n’est pas seulement de connaître le nom d’un intervalle, mais de pouvoir l’entendre, le retrouver sur le manche et savoir pourquoi vous choisissez de l’utiliser.

Conclusion

Les intervalles constituent un vocabulaire essentiel pour comprendre l’harmonie et construire des lignes de basse.

La fondamentale, la tierce et la quinte permettent notamment de comprendre une grande partie de la structure des accords. Les secondes, quartes, sixtes et septièmes offrent ensuite d’autres possibilités pour créer du mouvement, de la tension et des couleurs mélodiques.

Plus votre oreille reconnaîtra rapidement la couleur de chaque intervalle, plus vous pourrez les utiliser consciemment dans vos lignes de basse, vos grooves et vos fills.

Commencez par entendre les intervalles, puis apprenez à les utiliser musicalement. C’est cette association entre l’oreille, le manche et l’harmonie qui permet véritablement de les maîtriser.

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Deux modèles emblématiques

La Precision Bass et la Jazz Bass comptent parmi les modèles les plus influents de l’histoire de la basse électrique.

Fender a lancé la Precision Bass en 1951, puis la Jazz Bass en 1960. Ces deux modèles ont ensuite marqué durablement l’histoire de la basse électrique et sont devenus des références utilisées par des générations de bassistes.

En savoir plus

Tous ceux qui ont joué sur les deux modèles, savent que nous avons là des conceptions très différentes en terme de sensation de jeu et de son.

Très souvent, les Bassistes débutants se demandent quelles sont les différences entre ces deux modèles emblématiques de la marque Fender.

Quelles sont les principales différences ?

La Jazz Bass offre davantage de possibilités de réglage grâce à ses deux micros indépendants, tandis que la Precision privilégie une électronique plus simple et un caractère sonore immédiatement identifiable.

Avec la Jazz Bass on peut utiliser les deux micros pour obtenir un son classique.

En utilisant principalement le micro chevalet, on obtient généralement un son plus présent dans les médiums, avec davantage d’attaque et de définition.

En privilégiant le micro manche, on obtient un son plus rond et plus proche, dans son caractère général, de celui que l’on associe traditionnellement à la Precision Bass.

Si tu recherches une basse simple, polyvalente et immédiatement identifiable, la Precision constitue une valeur sûre.

À noter que le placement des micros joue un rôle essentiel dans le son d’une Basse.

La Jazz Bass a donc cet avantage de pouvoir changer de son à « la volée » simplement en contrôlant le choix des micros utilisés.

Autre paramètre important :

Au niveau du sillet, le manche d’une Precision Bass mesure généralement autour de 43 mm de large, contre environ 38 mm pour une Jazz Bass. Cette différence de quelques millimètres est immédiatement perceptible en main et contribue à la sensation de jeu propre à chaque modèle.

Le manche plus étroit de la Jazz Bass peut donner une sensation de jeu plus confortable aux bassistes qui préfèrent avoir les cordes plus rapprochées sous les doigts.

Si tu recherches un son vintage particulièrement rond et feutré, l’association Precision Bass + cordes à filets plats constitue un grand classique. 

Comparons les deux sons de Basse

Jeu aux doigts / Jazz Bass – Précision

Jeu au médiator / Jazz Bass – Précision

A choisir si :

Tu joues du rock très fort avec un médiator.

Tu as besoin d’un son vintage super chaud.

Tu aimes un manche assez « épais » et « large ».

Tu peux te satisfaire d’un seul son, mais qui est polyvalent et infaillible.

Tu veux rendre heureux les ingénieurs lors des sessions d’enregistrement.

Quelques Bassistes célèbres qui utilisent un modèle Précision :

James Jamerson

Carol Kaye

Duck Dunn

Sting

Steve Harris

John Deacon

A choisir si :

Tu souhaites avoir à disposition une large gamme d’options de tonalités. 

Tu aimes jouer sur un manche plutôt fin.

Tu aimes ce son clair, profond et grave.

Tu pratiques beaucoup le slap et tu apprécies les sonorités très définies et riches en aigus.

Quelques Bassistes célèbres qui utilisent un modèle Jazz Bass :

Jaco Pastorius

Geddy Lee

Marcus Miller

John Paul Jones

Aston Barrett

Jannick Top

Conclusion

Le profil du manche, la disposition des micros et la réponse sonore d’une basse influencent les sensations de jeu et peuvent naturellement modifier la manière dont un bassiste attaque les cordes, se déplace sur le manche et construit son son.

Un même bassiste peut ainsi adapter son toucher, son attaque ou ses réglages lorsqu’il passe d’une Precision à une Jazz Bass, notamment en raison des différences de manche et d’électronique..

Ces deux modèles occupent une place particulière dans l’histoire de la basse électrique et restent aujourd’hui très présents chez les bassistes professionnels.

Fais moi savoir dans les commentaires quel modèle à ta préférence et si possible pourquoi ?

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Le maître du groove discret

Sean Hurley est un bassiste américain de session, reconnu pour sa précision rythmique et son sens unique du groove. 

Né le 21 septembre 1973 à Pittsfield (Massachusetts), il s’est imposé comme l’un des bassistes les plus demandés de la scène de Los Angeles. 

Depuis 2006, il accompagne régulièrement John Mayer en studio et sur scène, devenant une référence mondiale du bassiste de session moderne.

Biographie et débuts

Sean débute la musique avec le saxophone à l’école primaire, avant de tomber amoureux de la basse à l’âge de 11 ans. 

Rapidement, il joue dans des groupes locaux et des orchestres scolaires. 

À seulement 16 ans, il part en tournée avec le chanteur folk Arlo Guthrie.

Après un court passage au Berklee College of Music, il décide de se lancer pleinement dans une carrière professionnelle. 

Il rejoint tout d’abord le groupe Vertical Horizon, participant à l’album à succès Everything You Want (1999), puis s’installe à Los Angeles en 2000. 

Très vite, il se forge une réputation de bassiste de studio et de tournée incontournable.

Collaborations majeures

Au fil des ans, Sean Hurley a accompagné une impressionnante variété d’artistes. Parmi les plus marquants :

John Mayer, Alanis Morissette, Gwen Stefani, Ringo Starr, Robin Thicke, Michael Bublé, Lizzy McAlpine, Colbie Caillat …ainsi qu’une multitude d’autres stars de la pop, du rock et du R&B.

Mais c’est surtout sa collaboration avec John Mayer qui reste la plus marquante. On peut l’entendre sur les albums Born and Raised, Paradise Valley et Sob Rock, où il combine simplicité et subtilité avec une élégance rare.

Influences et inspirations

Adolescent, Sean se nourrit de rock classique (AC/DC, Rush), avant de découvrir les grands maîtres de la basse : Jaco Pastorius, James Jamerson, Paul McCartney ou encore Billy Sheehan. 

L’écoute de l’album Voodoo de D’Angelo a également été déterminante, notamment grâce au son de Pino Palladino, qu’il considère comme un modèle.

Style de jeu

Sean Hurley est reconnu pour son approche minimaliste et efficace :

– Il privilégie les fondamentales, et sait se mettre au service de la chanson.

– Son groove repose sur une écoute fine des batteurs et une grande précision rythmique.

– Selon les morceaux, il alterne entre lignes posées et lignes plus propulsives.

– Il aime introduire des lignes mélodiques inspirées de Paul McCartney, quand la musique s’y prête.

Comme il le résume lui-même : « J’aime jouer les fondamentales. La simplicité sert souvent mieux la chanson, mais parfois il faut aussi oser sortir du rôle traditionnel. »

Approche et philosophie

Sean se définit avant tout comme un serviteur de la musique.

En studio, il commence par écouter attentivement le morceau, écrire une grille d’accords et avancer avec le producteur.

Sur le plan rythmique, il dit  » chercher à jouer avec la grosse caisse tout en écoutant les subdivisions de la charley, car ce sont elles qui clouent le groove. « 

Sa priorité reste la connexion avec le batteur et l’adaptation à la production pour ne jamais surjouer.

Matériel

Sean Hurley est particulièrement attaché à ses instruments et à leur sonorité.

Basses principales : Fender Precision Bass 1961 (sa basse emblématique, qui a inspiré un modèle Custom Shop signature), Fender Jazz Bass 1969, Lakland 5 cordes.

Autres modèles utilisés : Gibson Les Paul Signature Bass, Kay Pro Bass K162VHS, Guild Starfire IV, Fender American Elite Precision Bass.

Amplis préférés : Ampeg B15 (son favoris pour le studio), Fender Super Bassman Pro 300W, divers cabinets Fender/Ampeg.

Effets clés : Compresseur Origin Effects Cali76, Xotic Bass BB Preamp, fuzz Wren and Cuff Pickle Pie B, overdrive EBS Valve Drive, octaver EBS OctaBass, DI Evil Twin Eclair.

Il utilise souvent un étouffe-cordes (mousse sous les cordes), héritée de la tradition Motown, pour obtenir ce son feutré et précis qui le caractérise.

Le son Sean Hurley

Sean Hurley évoque une notion technique importante au sujet de l’attaque des notes à la basse : en ne frappant pas fort la corde dès le départ, on évite un pic de dynamique initial trop important (un « transitoire » fort), ce qui permet à la note d’avoir du début à la fin une dynamique plus stable et constante.

Ce contrôle donne un son plus homogène, perçu comme plus puissant et « plein » sur toute la durée de la note, contrairement à une attaque forte qui créerait un pic suivi ensuite d’une chute rapide de niveau sonore. Ce paramètre de jeu est d’ailleurs également abordé par de nombreux grands bassistes.

Conclusion

Sean Hurley incarne parfaitement l’archétype du bassiste de session moderne : solide techniquement, adaptable à tous les styles, mais toujours guidé par une philosophie simple – servir la chanson avant tout.

Dans la lignée de Jamerson, McCartney et Pino Palladino, il perpétue un art du groove discret mais essentiel, qui lui vaut d’être considéré parmi les plus grands bassistes de Los Angeles.

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Votre basse sonne superbement toute seule, puis disparaît dès que la batterie et les guitares entrent ? Ou bien elle déborde, devient boueuse, manque d’attaque ? Dans la plupart des cas, la cause se cache dans une zone précise du spectre, et la corriger prend quelques minutes quand on sait où chercher.

Ce guide vous montre où chercher selon le problème, comment corriger sans abîmer le son, et comment faire de la place à la basse face à la grosse caisse, aux guitares et à la voix.

Les zones du spectre de la basse

Avant de chercher quelle fréquence booster ou couper, il est utile de comprendre les principales zones du spectre sonore de la basse.

Repères : la corde de mi grave d’une basse 4 cordes vibre à 41 Hz, la corde de si grave d’une 5 cordes à 31 Hz. Inutile donc de chercher de l’information musicale bien en dessous.

Ces plages ne sont pas des frontières fixes. Une même sensation sonore peut s’étendre sur plusieurs zones et varier considérablement selon la basse, les cordes, le micro, l’amplification, le jeu du bassiste et le contexte du mix.

Quelle fréquence pour quel problème ?

Ce sont des points de départ, pas des réglages universels : la basse, les cordes, l’ampli et le morceau changent tout. Vérifiez toujours à l’oreille.

Méthode en 5 étapes

1 – Écoutez la basse dans le mix, avec tous les instruments.

2 – Nommez le problème (profondeur, corps, boue, définition, attaque, agressivité).

3 – Repérez la zone dans le tableau ci-dessus.

4 – Corrigez de 1 à 4 dB avec une courbe adaptée : large pour donner du poids, plus étroite pour traiter un défaut précis.

5 – Comparez avec le bypass à volume perçu comparable : le but n’est pas un son différent, mais un son qui sert mieux le morceau.

Si une correction supérieure à 5-6 dB est nécessaire, le problème vient probablement d’ailleurs : instrument, cordes, réglage d’ampli, jeu, ou équilibre du mix.

Basse et grosse caisse : se partager le grave

C’est la source de conflit la plus fréquente. Les deux instruments se disputent la zone 50-100 Hz.

• Décidez qui « possède » le bas : par exemple la grosse caisse à 60 Hz, la basse plutôt autour de 80-100 Hz (ou l’inverse).
• Creusez légèrement (-2 à -3 dB) l’un dans la zone que l’autre renforce.

Le filtre passe-haut : quand et comment

Un passe-haut n’est pas obligatoire. Utilisez-le si le système de diffusion ou le mix souffre de graves inutiles. Placez la fréquence de coupure suffisamment bas pour ne pas amincir les notes les plus graves jouées, puis ajustez-la à l’oreille.

Pour commencer, essayez une pente de 12 dB par octave, puis ajustez à l’oreille : le filtre doit atténuer les graves inutiles sans amincir le son de la basse. En live, il protège aussi la sono d’énergie inutile.

Selon le style musical

En live : la salle compte autant que le réglage

Une salle vide réfléchit davantage les graves. Le public les absorbe en partie : un son « trop gras » à la balance devient souvent « juste » une fois la salle pleine. Évitez les corrections extrêmes à la balance, et si possible vérifiez le rendu depuis la salle.

Questions fréquentes

Quelle fréquence donne du poids à une basse ? 

Entre 40 et 100 Hz environ, selon l’accordage et le mix.

Quelle fréquence couper pour une basse boueuse ? 

Souvent entre 200 et 400 Hz, mais cherchez la zone réellement gênante au lieu de couper systématiquement.

Comment faire ressortir la basse dans un mix ? 

Cherchez d’abord dans les médiums (800 Hz-2 kHz) si la basse manque de définition, plutôt que d’ajouter systématiquement des graves.

Faut-il égaliser une basse seule ou dans le mix ? 

Dans le mix. Le solo sert seulement à repérer un défaut.

Faut-il toujours couper sous 40 Hz ? 

Non : cela dépend du morceau et du système de diffusion. Il n’y a pas de fréquence de coupure universelle

Glossaire

Rumble

Énergie grave indésirable qui réduit la clarté.

Harsh

Son dur ou agressif, souvent dans les hauts-médiums.

Snap

Attaque rapide et claquante (slap).

Mid-forward

Son marqué dans les médiums, lisible dans un mix dense.

Mid-scooped

Médiums réduits, son plus large mais moins audible en mix.

Growl

Texture rugueuse, grondante, liée à certains médiums.

Conclusion

Il n’existe pas de réglage universel : ces fréquences servent à orienter l’écoute.

Identifiez d’abord le problème, cherchez la zone concernée, corrigez modérément, puis comparez avec le bypass dans le contexte du morceau.

L’objectif n’est pas d’obtenir le son de basse le plus impressionnant en solo, mais celui qui trouve naturellement sa place dans le mix.

À propos de l’auteur : Pascal, fondateur de Basse en Ligne. Bassiste depuis 30 ans, formateur, expérience scène et studio

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Laura Lee Ochoa est née en 1986 à Houston, aux États-Unis.

Elle a d’abord étudié le piano et la guitare durant son enfance.

Sa rencontre avec Mark Speer (guitariste de Khruangbin) en 2007, autour d’une passion commune pour la musique afghane, a été déterminante.

À cette époque, Laura était professeure de mathématiques et avait étudié l’histoire de l’art, se spécialisant dans l’art du Proche-Orient ancien.

C’est En 2009, sur les conseils de Mark Speer, qu’elle se tourne vers la basse. 

Elle raconte que, dès qu’elle a pris une basse en main, tout lui a semblé naturel et évident, comme une révélation musicale.

« Je n’avais jamais vraiment écouté la basse avant, je la ressentais plus que je ne l’entendais. Quand j’ai joué de la basse, tout a eu du sens. Certaines choses viennent naturellement, et la basse, c’était ça pour moi. »

Elle commence alors à apprendre la basse en autodidacte. Elle s’exerce quotidiennement après ses journées d’enseignement. 

Plus tard, Mark Speer l’a invitée à partir en tournée avec le groupe Yppah, qui assurait la première partie de Bonobo en Amérique du Nord.

Cette tournée a été sa première expérience professionnelle sur scène : elle jouait sans ampli, branchée directement dans la sono, partageait des chambres de motel avec le groupe, et vivait la vie de musicienne itinérante.

Khruangbin

À l’issue de sa tournée avec le groupe Yppah, elle exprime à Mark son envie de monter un groupe : c’est ainsi que Khruangbin est né, en 2011, avec l’arrivée du batteur Donald « DJ » Johnson, un ami de Mark issu d’un groupe de gospel local.

Le nom du groupe signifie « avion » ou « machine volante » en thaïlandais, ce qui reflète l’esprit de voyage et de métissage musical qui caractérise leur projet.

Leur musique est principalement instrumentale et difficile à étiqueter.

On y retrouve des influences de soul, funk thaïlandais, dub, rock psychédélique, surf rock, disco iranien, musiques africaines, caribéennes et espagnoles.

Laura Lee décrit son approche de la basse dans Khruangbin comme étant celle d’un moteur qui impulse la dynamique du groupe.

Elle explique que la composition commence toujours par ses lignes de basse, qui posent la base rythmique et mélodique, avant d’être rejointes par la batterie puis la guitare.

Cette approche fait de la basse un élément central et structurant dans la musique du trio.

Parmi leur discographie, l’album le plus connu est généralement considéré comme étant Con Todo El Mundo, sorti en 2018.

Le groupe est nommé « Best New Artist » aux Grammy Awards 2025, preuve de leur percée sur la scène internationale malgré un style atypique et instrumental.

Son Style

Laura Lee s’est imposée comme une bassiste au style unique, caractérisé par des lignes mélodiques et groovy, 

Son approche est très instinctive, privilégiant la mélodie et le groove plutôt que la virtuosité technique

Laura Lee n’a pas suivi de formation académique à la basse, ce qui l’a amenée à développer une technique personnelle. 

Elle joue notamment en associant son annulaire et son auriculaire de la main gauche, une approche qui rappelle la technique Simandl du contrebassiste classique, mais appliquée à la basse électrique.

Elle explique que cette limitation technique la pousse à jouer « différemment », rendant son jeu plus « rebondissant » et mélodique, à l’image de James Jamerson qui jouait avec un seul doigt.

Extrait

Backing Track (Sans Basse)

« Le meilleur conseil que j’ai reçu : Quand tu doutes, enlève des notes. Plus tu deviens bon, plus tu as tendance à jouer beaucoup de notes parce que tu connais la théorie et que tu peux le faire. Mais quand tu enlèves quelques notes, ça sonne tout de suite plus cool et groovy. » 

Ses Influences

Laura Lee cite des influences variées, allant de la soul au funk psychédélique. 

Elle mentionne notamment Bettye Swann, Fontella Bass, Doris Duke et Otis Clay comme sources d’inspiration majeures pour son jeu de basse, qui se distingue par des lignes mélodiques simples mais accrocheuses.

Son approche instinctive et mélodique de la basse est en partie inspirée par James Jamerson, le légendaire bassiste de la Motown.

Ses Basses

Basses principales :

SX Jazz Bass Vintage :

C’est une copie Fender Jazz Bass équipée de micros DiMarzio ultra Jazz. C’est sa Basse principale, offerte par Mark Speer.

Fender Edition Limitée Laura Lee Jazz Bass :

Cette basse est un instrument conçu pour répondre aux choix esthétiques de Laura Lee. Équipée de micros DiMarzio® Ultra Jazz, cette basse offre des graves profonds, des aigus percussifs et des harmoniques riches. Le manche Custom en forme de “U” est surmonté d’une touche en palissandre et de 21 frettes jumbo.

Son parcours atypique, de prof de maths à musicienne internationale, inspire de nombreux fans et Bassistes.

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Une ligne de basse n’a pas besoin de beaucoup de notes pour être efficace. Parfois, deux notes suffisent pour créer un groove qui marque les esprits.

C’est ce que nous allons découvrir avec The Sweetest Taboo de Sade, à travers le jeu de Paul Denman, le bassiste du groupe.

Dans cette leçon, tu vas découvrir comment une ligne de basse aussi simple peut fonctionner, pourquoi elle est si efficace et ce que tu peux en retenir pour améliorer ton propre jeu.

The Sweetest Taboo : l’efficacité d’une ligne de basse à 2 notes

Dans The Sweetest Taboo, Paul Denman démontre qu’une ligne de basse n’a pas besoin d’être complexe pour faire groover un morceau.

Avec seulement deux notes, il construit une partie de basse qui s’intègre parfaitement à la musique et contribue à son identité.

Regarde la vidéo pour découvrir cette ligne de basse, puis nous allons voir ce qui la rend aussi efficace.

Pourquoi cette ligne de basse fonctionne-t-elle avec seulement 2 notes ?

Ce qui rend une ligne de basse efficace, ce n’est pas forcément le nombre de notes utilisées, mais la manière dont elles sont jouées.

Dans The Sweetest Taboo, la basse de Paul Denman illustre parfaitement cette idée : les deux notes prennent tout leur sens grâce à leur place dans le groove et à leur rôle dans la musique.

Trois éléments sont particulièrement importants à comprendre :

• Le rythme : ce sont les placements des notes qui donnent vie à la ligne de basse et contribuent à son groove.
• La répétition : en reprenant le même motif, le bassiste installe une sensation de stabilité qui permet à la musique de respirer.
• La place de la basse : plutôt que de chercher à attirer constamment l’attention, elle soutient l’ensemble et laisse de l’espace aux autres instruments.

C’est justement cette capacité à jouer peu de notes, mais à les jouer avec intention, qui fait la force d’une ligne de basse.

À retenir : avant de chercher à ajouter des notes à une ligne de basse, demande-toi si tu peux déjà la rendre plus efficace en travaillant son rythme, son placement et son groove.

Paul Denman : jouer au service de la musique

À propos de son travail avec Sade, Paul Denman explique comment il adapte son jeu à la musique et à la mélodie :

« Il y a toujours un moment où il y a beaucoup de basse pendant que nous créons le groove. Puis Sade commence à chanter et soudainement il n’y a plus beaucoup de basse. En fin de compte, je joue ce que je pense et qui correspond le mieux à la mélodie et aux rythmes des autres. J’essaie de jouer chaque note avec le cœur, et avec 110% de conviction. »

Cette approche illustre parfaitement l’importance de savoir trouver sa place dans un morceau. Le rôle du bassiste n’est pas de jouer le plus de notes possible, mais de choisir celles qui servent le mieux la musique.

Conclusion

Comprendre comment une ligne de basse fonctionne est une première étape. Mais pour réellement développer ton groove, il est essentiel de comprendre la relation entre la basse et la batterie.

Le placement des notes, les accents et la façon dont les deux instruments interagissent peuvent transformer complètement le ressenti d’un morceau.

Découvre pourquoi la relation entre la basse et la batterie est une véritable arme secrète pour développer ton groove.

 Basse Batterie – L’Arme Secrète

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