Kinga Glyk est née en 1997 à Rydultowy en Pologne.

À 18 ans, elle enregistre son premier album : Rejestracja.

Malgré son très jeune âge, Kinga Glyk a déjà une étonnante maturité et une grande maîtrise de son instrument.

Son père Irek Głyk, est batteur et vibraphoniste. Dès l’âge de douze ans, elle tient la Basse dans le groupe familial Głyk P.I.K. avec son père et son frère.

A propos de son choix de jouer de la Basse :

« J’adore les graves. Enfant, je me postais devant la radio et je mimais la basse. Quand j’ai demandé à mon père de m’acheter une basse, il a essayé de m’en dissuader et de me diriger vers un autre instrument, mais j’ai tenu bon et il a fini par me rapporter une petite Fender. »

Elle commence donc par jouer sur une Mustang (short scale) qui était parfaitement adaptée à son gabarit de jeune fille de 11 ans.

Kinga Glyk a étudié l’instrument à la maison avec son père et également en suivant des cours avec des professeurs particuliers.

Elle précise également avoir beaucoup appris en allant chercher des informations sur Internet.

 Une technique époustouflante au service d’un groove très inspiré. 

Influences

En premier, elle cite Jaco Pastorius. Tant par sa musique que par son attitude, sa vie, son parcours.

Gynka rend d’ailleurs hommage à Jaco en interprétant le titre «Teen Town » sur son album Dream sortie en 2017

Il y a aussi Marcus Miller qui est une grand influence pour elle.

Du côté des contrebassistes : Christian McBride et Niels Orsted Pedersen.

Matériel / Son / Style

Elle joue sur une Jazz Bass Fender 4 cordes de 2001.

Elle possède égalementi une Greco, qui est une basse un peu dans l’esprit Gibson, au son plus rond.

En ce qui concerne l’amplification, elle utilise souvent les amplis Aguilar.

Pour obtenir des sonorités différentes, elle varie les styles de jeu. Kinga utilise la technique slap bien entendu mais aussi el palm mute (étouffer les cordes avec la paume de la main droite en jouant au pouce).

Elle utilise peu d’ effets : une pédale chorus Aguilar et un octaver EBS.

En ce qui concerne son style, Kinga Glyk alterne jazz groove puissant, jazz fusion et ballades swing aériennes.

Plus que sa technique incroyable c’est bien sa musicalité et son sens aiguisé du groove qui impressionnent.

« Pour moi la musique est bien plus qu’un simple son. J’essaie de partager bien plus que des notes jouées rapidement ou lentement car j’ai envie d’écrire des chansons qui ont du sens. »

Sa popularité sur Youtube :

En juin 2016, elle poste sur le net une reprise du célèbre « Tears in Heaven » d’Eric Clapton (version Jeff Berlin). La toile s’enflamme avec plus de 660 000 clics. Cette vidéo a été relayée par plusieurs grands bassistes aux U.S.A. Elle est très vite devenue virale. Elle recevait des messages du monde entier, Brésil, Indonésie, Australie… Tout ça l’a évidemment énormément stimulée pour la suite.

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Verdine White est né en 1951 à Chicago.

Il est principalement connu pour être le Bassiste du légendaire groupe de Soul/Funk : Earth Wind and Fire

C’est en 1970, que son frère ainé Maurice lui demande de tenir la Basse au sein du groupe EWF.

A noter qu’il est l’unique bassiste qui a tenu la basse depuis le début du groupe (plus de 48 ans !).

Pour Verdine, tout a commencé lorsque à l’âge de 13 ans, il est entré dans une salle de musique et qu’il a vu une contrebasse.

À ce moment-là, tout d’un coup, il a su qu’il allait adorer ça !

Il a donc étudier la contrebasse classique et joué pour le Chicago Symphony Orchestra.

Plus tard, Verdine a commencé sa carrière professionnelle en jouant de la basse électrique dans des clubs de jazz locaux à travers Chicago.

Cette période lui a permis de perfectionner son style et sa technique inimitable.

C’est donc en Bassiste accompli, que Verdine rejoint son frère Maurice White à Los Angeles, pour former l’un des groupes les plus célèbres de tous les temps… Earth Wind and Fire. (EWF)

Avec neuf Grammy Awards et plus de 90 millions de ventes d’albums uniquement aux États-Unis, E.W.F est incontestablement l’un des groupes les plus influents de l’histoire de la musique.

Le groupe a créé de nombreuses chansons phares comme September, Fantasy, Serpentine Fire, Let’s Groove, Boogie Wonderland ou la magnifique ballade After the Love Has Gone. 

Les chansons d’Earth, Wind & Fire sont destinées à mettre les gens debout et à danser.

Lorsqu’on demande à Verdine, quelle chanson excite toujours le public, sa réponse est sans hésitation: « September!. »

Verdine White est un véritable showman, il faut l’avoir vu en concert ou avoir visionner les vidéos live du groupe pour se rendre compte de la performance de ce bassiste ultra groovy.

«  Parfois j’entends quelques chansons à la radio et je dis: « Merde, j’aurai aimé pouvoir faire mieux. » [rires] Ça arrive ! »

Les deux bassistes qui ont énormément inspirés Verdine : James Jamerson et Louis Johnson.

À la contrebasse : Ron Carter, Cleveland Eaton, Eddie Gomez, Scott LaFaro.

« Vous voulez écouter de la bonne basse ? Ecoutez What’s Going On de Marvin Gaye. Superbe jeu de basse mec ! Superbe ! superbe ! « 

Matos

Verdine White possède plus d’une trentaine de Basses.

Il a joué sur de nombreux modèles de la marque Fender : Jazz Bass, Précision, Telecaster Bass … que des modèles avant que CBS n’achète Fender.

Il possède également une Yamaha BB 3000, et une Warwick Streamer LX.

Mais, Verdine utilise le plus souvent ses basses Sadowsky.

« Il aborde chaque performance avec gratitude comme si c’était la première et la dernière fois qu’il sera jamais sur scène.« 

Verdine White en plein action !

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Carol Kaye est née en 1935 aux Etats-Unis.

Guitariste de formation, elle joue dans de nombreux clubs de jazz durant les années 50.

Elle commença sa carrière de bassiste par hasard en 1963 en remplaçant un bassiste qui avait oublié la session d’enregistrement.

Elle devint rapidement la femme que tout le monde s’arracha pour les séances de studio. Elle enregistra des lignes de basse pour les plus grands de l’époque : les Beach Boys, Stevie Wonder, Elvis Presley, …

Carol Kaye a joué sur environ 10 000 enregistrements au cours de sa carrière de plus de 50 ans.

Elle s’inspire du saxophoniste de Jazz, Sonny Stitt et adore également la musique classique.

Elle marqua profondément l’histoire de la basse étant la première à jouer avec un médiator, cela lui permettant d’être très versatile, et de passer d’un son profond à un son plus clair et précis,

Elle a travaillé avec les plus grands noms de la musique des années 1960 : 

Phil Spector, Brian Wilson, Simon & Garfunkel, Lalo Schifrin, J.J. Cale, Beach Boys, Neil Young, Barbra Streisand, Ike & Tina Turner, Sonny and Cher, Ritchie Valens, Joe Cocker, Jones, Joe Cocker, Ike &Tina Turner, Mel Torme, Bobby Darin, Frank Zappa, Wayne Newton, Herb Alpert, O.C. Smith, Don Ho, etc.

Elle enregistre également pour de nombreux génériques de séries américaines : 

Bonanza, M*A*S*H, Mission Impossible, Kojak, Mannix, Wonder Woman, La Famille Adams…

En 1970, suite à des problèmes d’arthrite, elle doit arrêter ses sessions de studio.

Pédagogie

En 1969, elle écrit la première méthode pour Basse :

How to play the electric bass Vol.1 – 2 et 3 

Carol Kaye propos de l’étude de la Basse :

«C’est important d’avoir la formation adéquate pour apprendre la bonne manière de jouer, c’est un processus qui prend du temps et j’ai vu beaucoup d’anciens élèves persévérer jusqu’à devenir célèbres pour la qualité de leur jeu mais ça a pris du temps.»

« Apprenez les notes issues des accords, étudiez et entraînez vous une heure par jour ou seulement deux heures quotidiennes s’il s’agit de Jazz, PAS PLUS …..simplement parce que le cerveau n’assimile plus après deux heures et ne faites pas ce travail machinalement avec de la matière on apprends et on fait beaucoup avec une heure de pratique. C’est la qualité du travail et non la quantité ne terme de temps qui va vous améliorer.»

Un jour ordinaire de ses années sixties et seventies :

Lever à 7 heures, déjeuner vite fait, prendre une douche et direction les studios de cinéma pour des prises de film jusque vers les 17 heures.

Rentrer à la maison en vitesse pour grignoter quelque chose et repartir aux studios d’enregistrement pour une séance de 20 heures à 23 heures et souvent en général beaucoup plus tard.

Retour à la maison vers 1 heure du matin.

Souvent elle prenait un engagement de 18 heures à 19 heures pour un enregistrement ce qui fait qu’elle n’avait même pas le temps de rentrer chez elle pour grignoter.

Comme les emplois du temps débordaient, Carol devait prendre parfois des remplaçants pour commencer les séances à sa place en attendant son arrivée qui survenait avec parfois 10 ou 15 minutes de retard.

C’était inconcevable d’être en retard pour une session parce que les règles du Syndicat étaient telles que si jamais une séance partait hors délai Carol devait rembourser l’intégralité de ce dépassement ce qui s’élevait à l’époque à 1000 dollars.

Carol devait se payer les services de taxi ou autre compagnie pour emmener un de ses quatre amplis et installer son matériel en studio, elle courait avec sa basse, l’ampli devait être allumé, elle avait juste le temps de se brancher, de s’accorder et d’être prête pour jouer, le stylo à la main notant les différents plans et passages imposées qu’elle devait exécuter.

Au début des sixties il fallait faire ses propres arrangements souvent de tête mais parfois aussi nous écrivions les grilles car certains chanteurs arrivaient aux studios avec une guitare en chantant leurs chansons voir en s’accompagnant du piano, il fallait donc tout déchiffrer et transcrire sur grille.  

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Message in a Bottle

The Police

On peut entendre  » Message in a Bottle  » dans Reggatta de Blanc, le  deuxième album studio du groupe The Police sortie en 1979.

Cet album est terriblement reggae, comme son titre multilingue l’indique : du reggae de blanc.

Message in a Bottle et Walking on the moon sont les deux tubes de l’album.

Ce titre montre à quel point  Sting est influencé par les rythmiques de la musique reggae. 

Le bassiste-chanteur est très brillant pour ce qui est de développer et d’assembler de bonnes idées, qui font une bonne chanson.

On remarque que la partie de basse de ce titre est découpée en trois parties.

Une première partie très épurée qui fonctionne à merveille avec le gimmick des arpèges de la guitare.

Ensuite une basse à la croche basique pour le refrain et pour finir un passage très reggae façon rockers à la batterie.

Note : Dans la version studio Sting joue un slide du do# vers le la (Partie1). Il joue parfois aussi cette ligne sans le slide. A toi de choisir si tu préfère jouer cette articulation ou non.

D’ailleurs au fil du temps Sting change parfois quelques notes, comme par exemple sur la partie du couplet :

Sting : « Je donne le meilleur de moi-même quand je suis dans la douleur et l’agitation. 

Voir le portrait de sting

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Jannick Top est un bassiste et compositeur français connu notamment pour son travail avec Magma et son approche très personnelle de la basse.

Formé à la musique classique, il a développé un jeu singulier, marqué par son expérience du violoncelle, un accordage inhabituel de son instrument et un son puissant qui a contribué à l’identité musicale de Magma.

Mais qu’est-ce qui rend son jeu aussi particulier ? De ses débuts à la basse à ses collaborations avec de grands artistes, découvrons le parcours d’un musicien qui a profondément marqué l’histoire de la basse en France.

« Un artiste devient artiste quand il a fait de son défaut principal une particularité.« 

Cette phrase prend tout son sens lorsqu’on découvre le parcours de Jannick Top, un musicien qui a su transformer sa formation classique et son approche atypique de la basse en une véritable identité sonore.

Le parcours musical de Jannick Top

Né à Marseille en 1947, Jannick Top commence par étudier la musique classique. Il se forme au piano, obtient un prix de violoncelle et étudie également la direction d’orchestre auprès d’André Verry.

À l’origine, rien ne le destine donc à devenir bassiste. C’est une rencontre qui va pourtant changer le cours de sa carrière : un ami lui demande de le remplacer à la basse dans un orchestre de variétés.

Il transpose alors à la basse son expérience du violoncelle et adopte un accordage particulier, en quintes : do, sol, ré, la (C-G-D-A), au lieu de l’accordage habituel de la basse. Cette approche contribue à façonner un jeu très personnel, avec une sonorité et une manière de concevoir l’instrument qui le distinguent des autres bassistes.

Jannick Top et Magma : un son de basse puissant

Au début des années 1970, Jannick Top s’installe à Paris et commence à se faire une place dans le milieu musical. Après avoir joué dans différents projets, il rencontre Christian Vander lors d’un concert de Troc. Cette rencontre l’amène à rejoindre Magma, groupe emblématique du rock progressif français.

Son passage au sein du groupe marque profondément son parcours. Dans l’univers musical singulier de Magma, la basse occupe une place essentielle, à la fois rythmique et mélodique.

Jannick Top se distingue notamment par son son de basse puissant et saturé. Pour l’obtenir, il poussait au maximum le gain de son amplificateur Ampeg SVT, créant cette sonorité volontairement sale et agressive qui a marqué l’identité musicale de Magma.

Mais l’expérience Magma dépasse, à ses yeux, la simple pratique instrumentale. Il la décrit ainsi :

« Ce fut une expérience très forte, passionnante. Il ne s’agissait pas seulement de jouer d’un instrument, ou faire de la musique… La musique de Magma est dédiée à la lune, à l’eau, au soleil, une musique liée aux éléments et aux mystères qui nous entourent. Pas comme notre musique à nous qui est une musique de blocs de béton… »

Ces propos révèlent une dimension essentielle de son expérience : chez Magma, la musique ne se limite pas à l’exécution ou à la technique. Elle s’inscrit dans un univers artistique singulier, nourri de références aux éléments naturels et aux mystères qui nous entourent.

Les influences musicales de Jannick Top

La particularité du jeu de Jannick Top s’explique aussi par la diversité de ses influences musicales. Sa formation classique lui a donné des bases solides, mais son univers ne s’arrête pas à la musique savante.

Il cite notamment Igor Stravinsky et Maurice Ravel, deux compositeurs dont les œuvres explorent des harmonies et des rythmes riches. Il apprécie également le jazz, avec des musiciens comme John Coltrane, Ron Carter et Eddie Gomez.

À ces influences s’ajoutent la soul de Tamla Motown, la musique de James Brown, les musiques traditionnelles et les possibilités offertes par les sons électroniques.

Ce mélange d’univers contribue à la singularité de son approche : une grande exigence musicale, une recherche sonore poussée et une basse qui peut aussi bien soutenir le groove que participer à des constructions musicales complexes.

Après Magma : une carrière riche en collaborations

Après environ trois années passées au sein de Magma, Jannick Top poursuit son parcours musical dans des univers très différents.

En 1977, il rencontre Michel Berger et participe à plusieurs de ses projets, sur disque comme sur scène. Il collabore également avec de nombreux artistes, parmi lesquels France Gall, Johnny Hallyday, Jacques Dutronc, Ray Charles, Barbara Hendricks et Nina Hagen.

Parallèlement à ces collaborations, Jannick Top continue d’explorer des territoires musicaux plus expérimentaux à travers différents projets, notamment STS, Decybell, Fusion et Troc.

Cette diversité témoigne de sa grande polyvalence. Capable de s’intégrer à des productions de variété comme à des projets plus avant-gardistes, il conserve une identité musicale forte tout en s’adaptant à des contextes très différents.

Le matériel de Jannick Top : des basses au service de son identité sonore

Au fil de sa carrière, Jannick Top a utilisé différents instruments, notamment des basses Jacobacci, Warwick, Sadowsky et Fender Jazz Bass.

Mais au-delà du choix de l’instrument, c’est surtout sa recherche sonore qui caractérise son approche. Son matériel lui permet d’explorer une palette de sonorités au service de son identité musicale..

Ce parcours rappelle qu’un son de basse ne dépend pas uniquement de l’instrument utilisé. L’amplification, les réglages et la manière de jouer participent eux aussi à la personnalité sonore d’un musicien.

Voici un court extrait pour découvrir le son si particulier de Jannick Top à la basse.

La vision de Jannick Top : une basse discrète mais essentielle

Pour Jannick Top, la basse occupe une place fondamentale dans la musique, même lorsqu’elle reste en retrait. Il la compare au sol d’une cathédrale : on ne se demande pas s’il est solide, on admire plutôt les vitraux et la nef qu’il soutient.

Cette image résume bien le rôle du bassiste : fournir une base solide à la musique, sans nécessairement chercher à attirer l’attention. La basse soutient l’ensemble, contribue au groove et permet aux autres instruments de s’exprimer pleinement.

Depuis plusieurs années, Jannick Top a arrêté la scène. Fifi Chayeb a repris la plupart de ses différents projets.

Son parcours reste néanmoins une source d’inspiration pour les bassistes. Son approche rappelle qu’un son personnel, une vision musicale forte et une compréhension du rôle de la basse peuvent faire toute la différence.

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CREATION DE L’INSTRUMENT

L’histoire de la basse électrique débuta par le désir qu’avaient les contrebassistes dans les années 40 de jouer plus fort.

Durant cette période, quelques fabricants essayèrent de répondre à ce désir sans grand succès.

Il fallut attendre le lancement en 1951, de la guitare basse électrique à caisse pleine de Léo Fender avec le modèle Précision Bass, pour que commence réellement cette fabuleuse histoire.

Précision car la touche de l’instrument permettait d’avoir un jeu précis et ce grâce à la bonne position des barrettes (frettes) placées au dixième de millimètre près.

La Fender Précision Bass est équipée de quatre cordes accordées en quarte mi, la, ré, sol.

Une octave plus bas que les quatres cordes les plus graves de la guitare.

Branché sur un amplificateur, ce nouvel instrument permet de jouer aisément beaucoup plus fort qu’avec une contrebasse.

A partir de ce moment de nombreux fabricants proposèrent dans leur catalogue un modèle de basse électrique.

Gibson sort en 1953 l’électricité bass.

La marque allemande Höfner propose vers 1956 la « Bass violon » utilisé par Paul Mc Cartney.

En 1957, la première basse Rickenbaker, la 4000 apparait sur le marché, son manche n’est pas visé comme sur les fender, mais traverse l’instrument de part en part.

Ce manche a pour avantage d’augmenter le sustain et la résonance.

A partir de 1957, les basses électriques sont fréquemment utilisées sur les scènes et dans les studios d’enregistrement.

Lors des prises de son de l’époque, une piste était dédiée à la contrebasse pour donner de la profondeur à la ligne de basse et la même ligne était doublée en utilisant la basse électrique pour apporter un son plus percutant à l’ensemble.

En 1960, apparait la Jazz Bass Fender.

Ses cordes très rapprochées au sillet donne au manche une forme plus fuselée que celui de la précision.

La Jazz Bass se distingue de la précision également de par ses deux micros qui offrent une plus grande palette sonore.

 Point mort à la septième case

Lors de la conception de la Précision Bass, Léo Fender avait constaté une sorte de point mort à la septième case.

Le son était en quelque sorte étouffé à  la septième frette.

Pour atténuer ce problème, la tête de l’instrument fut agrandie.

Beaucoup de musiciens ne s’en étaient absolument pas aperçus, et le problème pas totalement éliminé.

Electronique Active

Vers la fin des années 60, certains fabricants incorporèrent une électronique active à leurs modèles.

Un préampli intégré permettant de booster les aigus et les graves fut installé sur la TR2 solid-body de chez Burns. Gibson avec sa Les Paul Triumph Bass, proposa également au bassistes un instrument équipé d’une électronique active.

A partir de 1970, la marque Alembic développa des basses avec manches conducteurs et électronique active.

Stanley Clarke qui en est l’ambassadeur, adopta cette marque haut de gamme à partir de 1973.

Carbone ou Bois

En 1978, Alembic proposa un modèle équipé d’un manche carbone.

La fibre de carbone, de verre ou de graphite, est imprégnée de résine liquide, puis moulée pour devenir thermodurci.

On obtient un manche plus dense et plus rigide que le bois.

A signaler également, une meilleure régularité du timbre ainsi que la disparition des fameux points morts que l’on rencontre presque toujours sur un manche en bois.

La basse Steinberger arriva sur le marché en 1981.

Entièrement en carbone, muni d’un tout petit corps, pas de tête et des micros actifs, cette première basse fût vendu au bassiste Tony Levin.

4, 5, 6, cordes

En 1974, Anthony Jackson demanda à Carl Thompson de lui fabriquer une basse six cordes. « J’avais souvent envie de jouer plus bas » explique Jackson.

Le bassiste a toujours adoré l’orgue, Bach, Messian, … il savait qu’aucune corde ne pourrait rivaliser avec les pédales d’un orgue.

Pourtant il était persuadé qu’il était possible de descendre d’une quarte en dessous de la corde de mi.

Par rapport à la basse 4 cordes on ajouta une corde aiguë en do et une corde grave en si.

Jackson baptisa l’instrument « Contrabass ».

Par la suite, le bassiste collabora avec Ken Smith et Fodera afin de concrétiser ses idées de basses à six cordes.

A partir des années 80, les basses cinq cordes s’imposèrent parmi les bassistes souhaitant enrichir leur jeu.

Basse sans frettes

C’est le bassiste Jaco Pastorius qui popularisa à la fin des années 70, le son de la basse sans frettes appelée également « Fretless ».

Avec une touche lisse, le son produit est très différent des basses avec frettes.

On obtient un son chaud et rond et l’on peut jouer facilement des glissés impressionnants ou des vibratos longitunaux sur les cordes.

Les années 80

Trente ans après la naissance de la basse électrique, le bassiste Jeff Berlin déclarait :

« Voyez donc l’état actuel de la basse électrique. Elle se modernise sans arrêt. On trouve des basses à quatre cordes, à cinq cordes, à six cordes, à huit cordes, sans frettes, des basses à manche épais, à manche plat, à manche en carbone; et toutes les combinaisons imaginables de cordes, de chevalets, de micros, de commandes de tonalité et de volume, de mécaniques et même de sillets. »

Dans les années 1990 et 2000

La lutherie a profité de l’outil informatique pour proposer d’autres concepts comme par exemple : Les basses à registre étendu.

Ce terme représente toutes les basses dont l’accord est plus étendu que celui de la basse à 4 cordes ( excepté la basse à 5 cordes )

• Basses à cordes doublées (principe de la guitare à 12 cordes),
• 6 cordes, pourvues d’au moins 24 frettes,
• Sub-Basses, qui sont des basses accordées une octave en dessous de la basse standard.

Le bassiste français Yves Carbone, est un spécialiste de ce type d’instrument.

Il joue sur des basses 10 et 12 cordes fabriquées par Jerzy Drozd, et sur une Sub-Bass 8 cordes signée par le luthier Christian Noguera.

Ces instruments sont souvent critiqués, car ils n’ont plus grand chose à voir avec la guitare basse de Leo Fender.

Même si les bassistes ont voulu s’émanciper, la plupart reste très attachés à leur rôle d’accompagnateur.

Conclusion

Leo Fender avait pensé la conception de l’instrument en terme de facilité de transport et de confort de jeu.

Ensuite, les musiciens ont fait évoluer de manière significative la lutherie ouvrant à chaque fois un nouvel horizon sonore.  

Défrettage, ajout de cordes, utilisation de nouveaux matériaux,  passage à l’électronique active, toutes ces évolutions ont contribué à élargir la palette expressive des musiciens.  

L’instrument a  toujours su s’adapter aux changements de modes, et aux divers courants musicaux qui ont traversé les époques.  

Cependant, le rôle de la basse n’est pas radicalement différent de ses débuts.  

Son importance rythmique, avec l’apparition de la notion de groove lui donne une place de choix dans bon nombre de styles actuels.

RÉFERENCE

Ouvrage sur la basse électrique

BACON Tony, et Barry MOORHOUSE, The Bass Book : A Complete Illustrated History of Bass Guitars, Balafon Books, Londres, 1995.

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